 La historia de Sixto Jesús Rodríguez sería perfecta para hacer una
telenovela o incluso una película al mejor estilo de Quentin Tarantino o
Robert Rodríguez. Nacido en 1942 en Detroit de padres Mexicanos, Sixto
aprendió desde muy joven a tocar la guitarra, más adelante estusiasmado
por las protest-songs y luego por la efervescencia del Folk Rock comenzó
a componer, actividad para la que demostró un talento natural. En 1967
graba un single fallido con el tema 'I´ll Slip Away' (atribuído por
error a Rod Riguez), pero 2 años después llama la atención del productor
local Mike Theodore quien lo contrata para su sello Sussex Records y en
1970 edita el disco Cold Fact. A pesar del talento compositivo e
interpretativo de Sixto, la presencia de músicos de prestigio y las
buenas críticas (Rolling Stone le hizo una halagadora reseña) el disco
pasó desapercibido. Pero Theodore tenía fé ciega en Rodríguez y al año
siguiente se lo lleva a Londres para grabar su segundo disco con la
colaboración del legendario guitarrista Chris Spedding; el disco, que se
llamó Comin' From Reality, estaba más pulido que el anterior, algo
sobrecargado en los arreglos pero que aún así confirmaba la calidad de
Rodriguez como cantautor. Lamentablemente Sussex cayó en bancarrota y el
disco no pudo contar con la adecuada distribución y promoción. Así fué
que en 1973 Sixto decide tirar la toalla y olvidarse de su carrera. Pero
el destino opera a veces de manera curiosa y fué así como un DJ
Australiano de paso por Nueva York consiguió un lote de ejemplares de
Cold Fact y Comin' From Reality, y se los llevó a su país para
difundirlos en su programa radial. Ambos albumes se hicieron muy
populares en Australia y Nueva Zelanda y de repente el hombre se
convierte en todo un ídolo de culto; su fama se esparce también por
Sudáfrica y la comunidad blanca de Namibia y Zimbawe. Sorprendido por
este éxito Sixto realiza un tour Australiano en 1979, inmortalizado en
un album en vivo que hoy es preciada pieza de colección. Con la
esperanza de que esta aceptación en el hemisferio sur le sirviera para
relanzar su carrera en EUA, Sixto realiza otro tour por Australia en
1981 (con Midnight Oil como banda de acompañamiento) pero ante la falta
de una disquera interesada en él, Sixto Rodríguez decide
abandonar la música y llevar una vida normal. En los años siguientes el
culto a la música de Rodríguez crecería aún más, especialmente en
Sudáfrica donde sus canciones se convierten en símbolo de lucha de los
jóvenes contra el appartheid, que es no sólo racial sino también
cultural: en Sudáfrica no hubo TV sino hasta 1974 y los discos antes de
su lanzamiento pasaban por un estricto control del organismo censor
oficial. Esta censura se ensaña con Rodríguez, en especial por la
canción 'I Wonder' ("I wonder how many times you've had sex") pero no
logran sino aumentar aún más su popularidad en ese país, mientras Sixto
vivía en Detroit ignorante de los acontecimientos. Ante la falta de
noticias sobre su paradero empiezan a circular los más disparatados
rumores: lo recluyeron en un manicomio, quedó ciego por una sobredosis
de heroína, lo sentenciaron a cadena perpetua por asesinar a su amante o
(el mejor de todos) puso fin a su carrera pegándose un tiro en pleno
escenario (!!!). A mediados de los 90 nace en Sudáfrica la primera
página web dedicada a Sixto manejada por Brian Currin con la asesoría de
Stephen Sergeman, joyero de profesión y cronista de Rodríguez por
afición. Un día Sergeman y el periodista Craig Bartholomew conversaban
sobre el paradero de Sixto y en cuestión de minutos estaban resueltos a
localizar a Rodríguez y lanzan por Internet las campañas "The Great
Rodriguez Hunting" y "Looking For Jesus" (en referencia a su segundo
nombre). Fué gracias a una de las hijas de Sixto, Eva Rodríguez, quien
descubrió por casualidad la página web dedicada a su padre, que Stephen y
Craig finalmente lo contactaron. La noticia de que está vivo y bien lo
convierte en toda una personalidad y en 1998 Sixto viaja a Sudáfrica
para una corta gira de la que se filmaría el documental televisivo Dead
Men Don't Tour (los muertos no salen de gira). Desde entonces Sixto ha
visitado frecuentemente Sudáfrica donde es más célebre que nunca (además
Eva está casada con un Sudafricano y se radicó allá); sigue siendo una
figura de culto pero las cosas, aunque lentamente, han cambiado a su
favor: el recopilatorio At His Best y Cold Fact fueron lanzados a nivel
internacional en 2006 y 2008 respectivamente; además algunos de sus
temas (en especial 'Sugarman', su canción más conocida) se han utilizado
en bandas sonoras y han sido versionadas en vivo por varios artistas
como Paolo Nutini, una de las últimas sensaciones de la escena
Británica. Con el paso de los años Sixto ha expandido su radio de
conciertos por todo el continente Europeo; además han aparecido clubs de
fans en EUA, Canadá, Japón y Brasi. Actualmente toca con frecuencia en
su propio país EUA y se habla de planes para volver a grabar. Hace 3
años adquirí a través de Sugarmusic, la tienda virtual Sudafricana que
dirije Brian Currin y que vende los discos de Rodríguez, toda su
discografía disponible allá: Cold Fact y After The Fact (el título con
el que Comin' From Reality fue rebautizado tras sucesivas rediciones)
remasterizados en 2005, el recopilatorio con inéditos Sugarman: The Best
Of Rodriguez y el album en vivo Live Fact. Siempre he dudado sobre la
conveniencia de publicar el material de Rodríguez en este espacio,
especialmente ahora que los discos de nuestro hombre han comenzado a
vender modestamente, sin embargo siento de todo corazón que la difusión
de su nombre y su música compensa lo que pueda dejar de vender, más aún
si tenemos en cuenta que estos albumes no existen fuera de Sudáfrica y
que quienes se sientan tocados por el talento de Sixto no dudarían en
apoyarlo económicamente el día que su discos estén al alcance de todos.  El Primer album de Rodríguez Cold Fact es sin duda alguna una de las obras de culto más grandes en la historia del Rock. Las canciones cabalgan sobre el más puro Folk Rock con ligeros toques psicodélicos y orquestales, y muestran todo el alcance del talento de Sixto: excelente compositor, un intérprete lleno de sensibilidad humana, un cronista urbano contador de historias sobre drogas, marginación social y dudas existenciales, un poeta callejero cuyos relatos no han perdido vigencia tras 4 décadas. Respaldado por una pequeña gran banda (el guitarrista de sesiones Dennis Coffey, el bajista de Tamla Motown Bob Babbit, el baterista Andrew Smith y su manger/productor Mike Theodore a los teclados y arreglos de orquesta) Sixto nos regala un memorable catálogo de personajes y situaciones: el crudo retrato del adicto en 'Sugarman' matizado por una cacofonía instrumental en el break central muy a tono con la estética de la pieza, el sonido proto-Heavy de 'Only Good For Conversation', los estigmas sociales capaces de limitar la mente y coartar los sueños en 'Crucify Your Mind' (con acompañamiento de marimbas en referencia a su ascendencia Mexicana), la increpante decepción de 'Hate Street Dialogue', el cuasi-hit 'I Wonder', 'Rich Folks Hoax', 'Inner city Blues' (no confundir con el homónimo tema de Marvin Gaye), Jane S Piddy'… aunque todo el album es imperdible, una maravilla de principio a fin. No sé cuán pocas copias vendería pero Cold Fact es un autentico clásico de la música popular contemporánea. A pesar del fracaso comercial de Cold Fact, Mike Theodore estaba resuelto a convertir a Rodríguez en un músico conocido y respetado, así que se plantó a finales de 1970 con Sixto en Londres, alquiló los legendarios Lansdowne Studios (donde entre otros Uriah Heep haría sus 3 primeros albumes), se buscó músicos de prestigio (el excelente guitarrista Chris Spedding, el baterista Tony Carr, el tecladista Phil Dennys), un productor Británico (Steve Rowland) y un arreglista (Jimmy Horowitz), dando como resultado el segundo album de Rodríguez, lanzado al año siguiente bajo el título de Coming From Reality. Salvo las excelentes Rockeras 'Climb Up On My Music' y 'Heikki´s Suburbia Bus Tour' (realzadas por la afilada guitarra de Spedding) y el recitado-Country autobiográfico en 'A Most Disgusting Song', se trata de un disco melancólico con un tono Folk oscuro, a veces solemne; un Rodríguez muy introspectivo, críptico y unas canciones envueltas en arreglos orquestales que se convierten en una carga un poco pesada. No obstante se trata de otra gran obra de este entonces subvalorado artista que sólo requiere una mayor dedicación en su escucha (piezas como la estupenda 'Cause' son ejemplo de cómo extraer belleza de la más amarga decepción). Por desgracia la quiebra de Sussex arrastró consigo la carrera de Sixto, quien tuvo que esperar 25 años para ver su talento reconocido. Por alguna razón las subsecuentes ediciones de este disco llevan como título After The Fact. En 1997 la llamada "cacería" para saber del paradero de Rodríguez dá sus frutos, el hombre se encontraba en Detroit llevando una vida alejada de la música (en algún momento se lanzó como candidato a la alcaldía de Detroit, sin éxito). Se sintió confundido y emocionado al enterarse que era toda una estrella en Sudáfrica, y más aún cuando las noticias de su reaparción se esparcieron por todo el hemisferio sur elevando el interés por su música. Fué así como en 1998 se preparó un pequeño tour por Sudáfrica plasmado en una película documental llamada Dead Men Don’t Tour (en alusión a su supuesta muerte) y en este disco en vivo Live Fact tomado de sus recitales en Johanesburgo. Respaldado por la banda local Big Sky, Rodríguez ofrece un repaso a sus 2 discos en una actuación memorable y emotiva, por momentos se le nota algo dubitativo y tenso pero no es para menos; no debió ser fácil montarse sobre un escenario delante de centenares de fans que lo adoraban y cantaban sus canciones cuando para él su carrera musical era sólo un lejano recuerdo de juventud. El éxtasis del público es total al poder por fin contemplar al hombre que durante 20 años fue su ídolo sin tan siquiera haber visto una fotografía o cualquier otra muestra de que se trataba de un ser humano real y no de un mito. Big Sky hacen un gran trabajo aportando frescos matices a las canciones de Sixto, quien a su vez se mete al público en al bolsillo a pesar que su voz suene algo apagada tras tantos años de inactividad. Al finalizar el tema 'To Whom It May Concern' Sixto le dice a la gente "gracias por mantenerme vivo" a lo que yo habría respondido "gracias por mantenerte con vida para nosotros"..... Lanzado en el 2005 en Sudáfrica junto a las versiones remasterizadas de Cold Fact y After The Fact, Sugarman ofrece un excelente resumen de las grabaciones de Sixto en los 70. Básicamente este CD es la versión expandida de Rodriguez At His Best, un viejo LP lanzado en Australia en los años 80; en 2006 la multinacional BMG preparó su propia versión para el mercado internacional con el mismo tracklist Australiano pero que lamentablemente contó con poca distribución y promoción. Como obsequio a los fans Sudafricanos que mantuvieron vivo su nombre durante casi 2 décadas, Sixto accedió a incluir en esta edición 6 temas adicionales. A parte de los 13 temas extraídos de sus 2 albumes, 4 son auténticas rarezas: 'I’ll Slip Away' (regrabación de su primer single), 'Street Boy' y 'Can’t Get Away' son piezas de sofisticados aires Latinos aunque líricamente mantienen la línea de los primeros albumes; estas piezas se grabaron a finales de los 70 (se desconocen el lugar y la fecha exactos)
cuando Rodríguez trató infructuosamente de resucitar su carrera animado por
el éxito de su primer tour Australiano. Pero la gran sorpresa de la colección es la versión original hecha en 1967 de 'I’ll Slip Away' tomada de un viejo disco de 45 rpm donado por un fan ya que la matriz original no pudo ser encontrada. Si bien el primer album de Sixto es la obra suya que todo aficionado debería tener, considero que esta compilación permite una apreciación más objetiva de su corto pero inmenso legado. |
 Esta edición de 2007 supone el colofón de las obra discográfica de Judee Sill después de sus 2 únicos discos oficiales (Judee Sill y Heart Food) y los temas de su inconcluso tercer album (incluidos en Dreams Come True). El CD recoge las 3 presentaciones que hizo Judee para la BBC de Londres durante sus 2 únicas visitas a Inglaterra en Marzo de 1972 y Febrero de 1973. Judee llegó a Londres por primera vez a mediados de Marzo de 1972 para actuar como telonera del trío America en el Royal Festival Hall; semanas antes su primer album había aparecido en Gran Bretaña y los más prestigiosos medios musicales del país (Melody Maker, New Musical Express, Sounds, Record Mirror, Disc & Music Echo) se volcaron en elogios ante la calidad del registro y el talento de Judee. Con este aval fue contratada por la BBC para un recital en el Paris Theatre el día 23 de Marzo que fue retransmitido días después en el programa In Concert de Radio One. Ante el éxito del programa Judee grabó un segundo recital sin público el día 5 de Abril, esta vez para el programa televisivo In Session With Bob Harris junto a una corta entrevista con el presentador (sin relación alguna con su ex marido y productor). Judee regresó a Inglaterra en Febrero de 1973 para un tour como telonera de Roy Haper, y si bien el idílico encanto con el público y la prensa Británica de su primera visita se había esfumado parcialmente, esto no fue impedimento para que la cantautora ofreciera el día 15 otra soberbia presentación ante un público de 700 personas en el Goldens Green Hippodrome de Londres, también retransmitido a posteriori en el programa radial de la BBC In Concert. Quizá los que conozcan el set acústico de Judee Sill incluído tanto en la edición expandida de su primer disco como en el doble CD Abracadabra piensen que quizá este Live In London no sea más que una repetición de aquel; nada más alejado de la realidad. Ciertamente son las mismas canciones, ejecutadas con los mismos recursos (guitarra, piano, voz), pero si hay algo que caracterizó a esta mujer y que la hizo tan especial fue su capacidad para convertir cada interpretación en un momento único e irrepetible. Incluso cada una de las piezas que se repiten tienen su propia atmósfera y sus propios matices lo cual es demostración de su enorme personalidad en escena. Son canciones bellas, intimistas, melancólicas y etéreas, con una gran carga emotiva y espiritual y que te dejan al final con la sensación de haber asistido a una experiencia casi mística; canciones que aún despojadas del marco orquestal de los discos brillan con su propia luz. No creo necesario el recuento detallado de los temas mas no puedo dejar de citar la enorme carga de intensidad que pone en 'The Kiss' (tema que parece salir de los más profundo de su ser), las hermosas armonías vocales de 'Down Where The Valleys Are Low' (inspirada según ella misma cuenta en los grupos vocales femeninos de los 60), la improvisación de piano en 'Enchanted Sky Machines' y la manera magistral como resuelve sólo con piano y voz uno de sus temas más sónicamente complejos como 'The Donor'. El CD incluye también la antes citada entrevista con Bob Harris donde Judee manifiesta su satisfacción por encontrar en Europa mayor sensibilidad y receptividad hacia su música que en EUA. Un disco indispensable para los fans de Judee. |
 Este doble CD fue lanzado originalmente en 2005 por el sello Water (una modesta disquera que hace una estupenda labor digna de apoyo) en edición limitada y con un libreto de 72 páginas. La presente es la redición 2008 con portada diferente, sin el libreto original pero con el mismo contenido. El proyecto estuvo a cargo de Jim O'Rourke, productor de artistas como Sonic Youth y Wilco y admirador de la obra de Judee, y la verdad ha hecho un gran trabajo compilando, organizando y mezclando el material en lo que constituye la pieza faltante del trabajo de Judee Sill en los estudios. El núcleo lo compone el primer CD con los 8 temas que Judee grabó en 1974 para su tercer disco jamás terminado. Quizá condicionada por el fracaso de Heart Food (su segunda obra) Judee trabajó en canciones más accesibles englobadas en la onda Folk-Pop Californiana de entonces (ya esbozado en el tema 'Soldier Of The Heart' de Heart Food). Sin embargo esta nueva dirección estilística estuvo también determinada por factores más personales: meses antes Judee tuvo un serio accidente de automóvil y se dañó severamente la columna. Tras otros meses más de postración y de una cirugía en la que le insertaron un bypass electrónico para minimizar los dolores Judee se sintió tremendamente aliviada y esta sensación la motivó a escribir material más alegre y "uptempo". Algunos críticos al escuchar estos temas comentaron el enfoque compositvo de Judee más simplista en relación a sus albumes originales, cosa con la que no estoy de acuerdo. Basta comparar las versiones terminadas de 'I´m Over' y 'The Living End' con sus respectivas demos (incluidas al final del primer CD) para notar como Judee se mantiene fiel a su manera de componer e interpretar y que son sólamente los arreglos lo que ha cambiado. El personal acompañamiento de guitarra/piano y los barrocos arreglos orquestales dan paso aquí a un sonido compacto de banda integrada por el bajista Bill Plummer (gran amigo de Judee que la acompañó en todas sus grabaciones y poseedor de las cintas con la música de esta colección), el baterista Kevin Kelly y los guitarristas Marc McClure & Art Johnson dándole a la música de Judee una dimensión diferente pero de la cual igualmente emergen auténticas joyas como la maravillosa 'The Good Ship Omega' teñida de Blues y Gospel o la melancólica balada pianística 'Til Dreams Come True' que constituyen dos de los momentos más inspirados de su discografía. Por cierto que Judee demuestra ser una pianista dotada de excepcional sensibilidad, evocando con el piano las mismas emociones que transmite cuando canta, algo que sólo los grandes talentos son capaces de lograr (escúchese para ello la versión instrumental del tema homónimo). El segundo CD contiene nueve demos que constituyen el único material de archivo de Judee Sill del que se tenga conocimiento. Los temas 'Waterfall', 'North Country', 'Farmer´s Daughter', 'The Wreck Of The Fast Flying Vestibule' y '500 Miles' fueron grabadas en 1968 en la casa Tommy Peltier, un folk singer amigo de Judee en cuyo disco Chariot Of Astral Light esta participó activamente. 'Dead Time Bummer Blues' fue uno de las primeros temas que Judee escribió en su vida y en el hace referencia a su estancia en el reformatorio; no se tiene fecha de cuando fue grabada ni quienes la acompañaron aunque algunos sostienen que podría tratarse de la agrupación The Leaves quienes grabaron su propia versión del mismo. 'Sunny Side Up Luck' es una versión preliminar de 'Things Are Lookin´ Up' (uno de los temas de 1974) con un surreal acompañamiento de órgano que la hace sonar como salida de un sueño. 'Emerald River Dance' es otra demo casera sin fecha conocida a pesar de sonar muy similar al material grabado en la casa de Peltier. Este segundo CD se cierra con la demo instrumental 'Oh Boy The Magician' donde nuestra heroína exhibe sus habilidades Jazzísticas. Pero la cosas no terminan ahí pues la colección incluye una pista CD ROM con el corto recital que dió Judee en 1973 en la University Of Southern California; una presentación al aire libre bastante informal ante un público pequeño pero que pareciera seguirla con atención. Una filmación amateur con fallas de origen pero a través de la cual Judee Sill demuestra su grandeza con ese especial carisma que 32 años después de su desaparición física aún la proyecta como una de las más brillantes cantautoras de los años 70. |
 Este y los dos siguientes posts son mi humilde tributo a una de las cantautoras más brillantes que jamás hayan existido pero también una de las más infrvaloradas: Judee Sill. Guitarrista, pianista y cantante, poseedora de una hermosa voz, una sólida formación musical (graduada en el Valley Junior College of Music de San Fernando, California) y de una fértil vena compositiva, Judee merece estar en el pedestal de las grandes heroínas de la música Americana junto a Joan Baez, Joni Mitchell, Judy Collins y Emmylou Harris, aunque el destino no haya sido justo con ella al respecto. Nacida en Oakland en 1944 Judee tuvo una traumática adolescencia con algunos episodios oscuros que reflejaría en sus canciones: escapada de su casa para huir del alcoholismo de su madre y padrastro, se dedicó a vagar por EUA como una nómada, cantando ocasionalmente en bares y coffee-houses para ganar algo de dinero. Cuando la falta de aquél se hizo crítica llegó al extremo de perpetrar con sus compinches pequeños robos a mano armada, lo que la condujo a pasar 9 meses en un reformatorio para chicas. Allí se hizo organista en la Iglesia del reformatorio y comenzó a componer, algo para lo que Judee tenía un don natural. Una vez en libertad consiguió trabajo tocando el piano en bares y agregando a su coctel de drogas (estimulantes, marihuana, LSD) otra más peligrosa: la heroína. Incluso se dice que la urgencia por conseguir drogas la llevó a prostituirse, aunque quienes la conocieron rechazan vehementemente esta afirmación. Las cosas empezaron a cambiar para ella cuando su viejo amigo de juergas Jim Pons (bajista de The Turtles) la llama para pedirle una canción y Judee le ofrece 'Lady-O' (una de sus más bellas melodías), tema que la banda se encargaría de poner en las listas de éxitos. Mejor aún, un día se encuentra con un viejo amigo de la familia llamado David Geffen quien estaba en proceso de formación del sello discográfico Asylum y Judee se convierte en su primera contratación. Geffen se la lleva pronto al estudio y graba el que sería el primer lanzamiento de Asylum, el disco Judee Sill (1971), un magnífico catálogo de canciones Folk arropadas por arreglos de cuerdas y vientos (escritos y dirigidos su ex marido Bob Harris que también fue el productor) y con su angelical voz que a ella le gustaba realzar a través de múltiples overdubs. Su música se escapa de los esquemas Folk convencionales para pisar los terrenos del Jazz modal y las métricas de J.S. Bach, mientras que sus canciones son de una gran carga poética con metáforas sobre la religión, la cosmología, el ocultismo y sus propios traumas personales. Canciones memorables como 'Crayon Angels', 'The Archetypal Man', 'The Lamb Ran Away With The Crown' (que habría encajado a la perfección en el Pet Sounds de Los Beach Boys), 'Lady-O', 'Jesus Was a Crossmaker' (llevada al éxito posteriormente por The Hollies) o 'Lopin´ Along Through The Cosmos' que al oírlas te hacen preguntarte donde carajo tenía la cabeza el público de entonces que no le prestó la suficiente atención, aunque en este aspecto es bueno puntualizar lo siguiente: en aquella época Joni Mitchell era ya toda una leyenda y el patrón para comparar a cualquier nueva cantautora Folk; lamentablemente casi todas salían perjudicadas y en consecuencia ignoradas, no sólo Judee sino también Linda Perhacs, Chi Coltrane, Collie Ryan o Ellen McIlwaine. A pesar que el album fue unánimemente alabado por la crítica (hasta el punto que Rolling Stone le dedicó una portada) y el single 'Jesus Was a Crossmaker' (producido por su fan y amigo Graham Nash) fue ampliamente difundido en las radios, las ventas fueron muy modestas; no obstante aquel fue el mejor período en la vida de Judee, ganándose el respeto y la admiración de sus colegas (la mismísima Joni Mitchell, Jackson Browne, Linda Ronstadt), recibiendo excelentes críticas y llevando su música por todo EUA en recitales íntimos como supporter de Crosby & Nash, Van Morrison y otros, incluso hizo un breve viaje a Londres donde dejó gratísima impresión y grabó unas sesiones para la BBC publicadas hace pocos años. En 1973 llegaría su segundo album Heart Food, una obra más compleja con cierta inclinación hacia el Country, ambiciosos arreglos orquestales/vocales (dirigidos por ella misma) y la nutrida presencia de músicos de sesión, pero manteniendo la brillantez de las composiciones y de las interpretaciones: 'There's a Rugged Road', 'Down Where The Valleys Are Low', 'The Vigilante', 'Soldier Of The Heart' (el único intento de hacer una canción Pop que ciertamente pudo haber triunfado con algo más de suerte) junto a tres de sus mejores temas, 'The Kiss', 'The Phoenix' y la inquietante 'The Donor' cargada de una intensidad casi operística. Lamentablemente el disco tuvo menos aceptación que el primero y una desanimada Judee Sill volvería a refugiarse en la heroína. En 1974 grabó ocho temas para un tercer disco pero sus adicciones y problemas de salud hicieron que poco a poco se alejara de los estudios hasta que 1979 sus amigos recibieron la fatal pero nada sorpresiva noticia de su muerte por sobredosis de speedball (combinación de heroína y cocaína). En los últimos 15 años el culto a la música de Judee Sill ha ido creciendo en parte gracias a las versiones que de sus temas hicieron en los 90 artistas como Shawn Colvin y Warren Zevon pero también a las múltiples rediciones de los sellos Rhino, MSI y Water. Este estupendo doble CD de Rhino contiene sus 2 albumes originales expandidos con 21 bonus tracks que incluyen demos, versiones alternas y temas en vivo. Entre todo ese material hay que destacar el corto pero hermoso recital grabado en Boston en 1971 como telonera de Crosby & Nash donde una Judee Sill inmaculadamente vestida de blanco y acompañada sólo con su guitarra, su piano y su voz suple brillantemente los arreglos originales y se mete al púbico en el bolsillo con su inmensa calidad interpretativa. Sólo lamento que Judee no esté entre nosotros para presenciar la reivindicación de su maravillosa música. |
 Las ediciones de archivo de material Hendrxiano parecen no tener fin. La Experience Hendrix ha sido señalada varias veces de explotar inmisericordemente el legado y la imagen de su ilustre familiar (la mayoría de los dardos apuntan a su hermanastra Janie), y hay algo de cierto en esa afirmación. No es sólo la música y la memorabilia sino también otros proyectos de dudosa credibilidad, como por ejemplo el mausoleo que EH está construyendo en Seattle para trasladar los restos de Jimi, sus padres y demás familiares en el futuro; pues bien si eres fan de Hendrix y tu economía te lo permite puedes pasar el descanso eterno junto a tu ídolo reservando y pagando un nicho en cómodas cuotas (!!!). Pero para ser justos no se les puede reprochar nada en el plano musical pues a diferencia de lo que hicieron en el pasado gente como Michael Jefferey, Ed Chalpin y Alan Douglas las ediciones de la Experience Hendrix hacen honor a la memoria de Jimi, respetando los estándares de calidad y perfeccionismo que caracterizaron al mago de la guitarra. Valleys Of Neptune es uno de los más recientes lanzamientos oficiales dedicados a Jimi Hendrix y cubre uno de los momentos clave en la historia del guitarrista: el año 1969, marcado por la disolución de la Experience y la búsqueda de nuevos rumbos para su música. El ambiente entorno al trío era de gran tensión por las discrepancias musicales entre Jimi y el bajista Noel Redding; además Noel se molestó cuando Hendrix declaró su interés por ampliar la banda con la inclusión entre otros de un nuevo bajista. En este ambiente la Experience entró en Febrero a los Olympic Studios de Londres para trabajar en su (posteriormente abortado) cuarto album; de estas sesiones provienen 2 excelentes relaboraciones de 'Fire' y 'Red House' además de la versión original de 'Lover Man' con un tratamiento más lento y desgarrado; esta y la inédita 'Crying Blue Rain' (jam con aires Soul y Psicodélicos) tienen nuevas pistas de bajo y batería regrabadas por Noel y Mitch Mitchell en 1987. Sorprendente es la versión instrumental de 'Sunshine Of Your Love' de Cream; aunque la prensa musical y los fans los confrontaban como rivales, Jimi y Eric Clapton eran grandes amigos y sentían mutua admiración. Tras estas sesiones poco satisfactorias la banda viaja a New York para su último tour Norteamericano y aprovechar para continuar con las grabaciones en los Record Plant studios de la gran manzana; de éstas sale una relaboración bastante interesante de 'Hear My Train A Comin', 'Ships Passing Through The Night' (con una melodía que reaparecerá tiempo después en 'Night Bird Flying') y 'Lullaby For The Summer' que también lleva el embrión de otros futuros temas. La discordia entre Jimi y Noel hizo que este dejara los estudios (a finales de Julio de ese año la Experience anuncia su separación) y Hendrix invitó a su amigo Billy Cox; con él al bajo se grabó una reinterpretación de 'Stone Free' (con Roger Chapman de Family y un jovencísimo Andy Fairweather Low en los coros) y una versión del clásico del blues 'Bleeding Heart' muy diferente a otras ejecutadas por Hendrix. 'Valleys Of Neptune' es uno de los temas inéditos más legendarios de Jimi reminescente de canciones como 'Spanish Castle Magic' pero a la vez premonitorias de futuras piezas; existen diversas versiones con forma y duración variable, la aquí incluida es un compuesto de 2 sesiones en Record Plant distantes en el tiempo (Septiembre 69 y Mayo 70). Mención aparte para 'Mr. Bad Luck', grabada en 1967 y relaborada 2 años depués como 'Look Over Yonder' (incluída en South Saturn Delta). Pero si algo en común tiene todo este material es el descubrir a un Jimi Hendrix que busca expander su lenguaje expresivo a la guitarra, mostrando una profundidad y deseos de exploración que seguramente lo habrían llevado a cotas insospechadas de no haber sido por su prematura muerte. Esta colección se lanzó originalmente en 3 versiones: la edición convencional de 12 temas, la edición limitada con 2 temas adicionales y el CD single con un tema inédito no incluido en las anteriores. La presente es la edición standard. |
 La
salvaje explotación del catálogo Hendrix ocurrida durante los 70 hace
que uno tienda a desconfiar casi por reflejo de cualquier nuevo
lanzamiento del legendario guitarrista. A pesar que actualmente el
grueso de su legado está controlado por la familia Hendrix, aún quedan
pequeñas casas discográficas poseedoras de los derechos de edición del
material pre-Experience, creando confusión a la hora de diferenciar las
ediciones "autorizadas” de las "semi-oficiales”. No obstante este CD
llamado simplemente Blues es en verdad extraordinario; no es el típico recopilatorio de temas
Blues seleccionados de sus albumes conocidos sino un excelente
compendio de canciones temáticas (muchas inéditas) que dan testimonio de
las hondas raíces bluesísticas asentadas en el estilo guitarrístico y
en la música de Jimi. Hendrix nació y creció en Seattle, lejos de las
zonas rurales cuna del blues (Mississippi, Tennessee, Alabama) y de los centros
urbanos donde florecía el Blues eléctrico (Chicago, Nueva York); sin
embargo el blues fue parte integral de su formación gracias a lo
que escuchaba en la radio y a la colección de discos de su padre Al que
le permitieron conocer y apreciar a gente como Muddy Waters, John Lee
Hooker, Jimmy Reed, Elmore James, B.B. King y Howlin’ Wolf entre otros.
Cuando a comienzos de los 60 Hendrix fue dado de baja del ejército,
comenzó su carrera de músico nómada recorriendo el país como miembro de
pequeñas formaciones de Rhythm & Blues y conectándose cada vez más
con sus raíces absorbiendo y asimilando todo lo que escuchaba y veía sea
de músicos desconocidos (Johnny Jenkins, de quien aprendió a tocar con
la guitarra hacia atrás o entre sus piernas), viejas leyendas venidas a
menos (Lowell Fulson) o artistas populares con quienes de vez en cuando
compartía cartel (Ike Turner) . Cuando Jimi se instala en el Greenwich
Village de Nueva York y forma su primera banda Jimmy James & The
Blue Flames, ya era un consumado guitarrista con su propio estilo donde
sus raíces musicales (Blues, Rock & Roll, Jazz) y dominio total de las
posibilidades que ofrecían las guitarras eléctricas lo condujeron a
crear todo un nuevo lenguaje sonoro y a redefinir el uso del
instrumento. Volviendo al CD en cuestión, Blues es un reflejo de todo lo
expuesto. No voy a entrar en detalles formales pues no soy guitarrista y
mucho menos experto en Blues, además el libreto con texto de Jeff
Hannusch es revelador al respecto e incluye un análisis canción por
canción donde explica las influencias que subyacen en cada una de ellas.
El material es inmejorable y como dije al comienzo no se limita a
reproponer los mismos temas de siempre sino que ofrece bastantes piezas
de colección: la versión acústica de 'Hear My Train A Comin', único
tema oficial de Jimi tocando una guitarra acústica y antes disponible
sólo en video (en el documental Experience de 1968 y en la película
biográfica de 1973), la contraparte eléctrica del mismo tema anterior
grabada en vivo en Berkley en 1970, una estupenda revisión instrumental del
clásico 'Born Under A Bad Sign' de Albert King, las inéditas 'Once I Had
A Woman', y 'Jelly 292'... y así hasta completar 11 temas grabados entre
1967 y 1970. El sonido es magnífico y la
presentación gráfica muy buena. Un disco excelente que a parte de documentar la faceta Bluesística de Jimi llena algunos vacíos en su ahora extensa discografía. |
Como señalaba en el post anterior sobre Jimi, Experience Hendrix fue la empresa que sus sucesores formaron en los 90 para administrar el inmenso legado musical del guitarrista. Iniciaron sus operaciones en 1997 y lo hicieron a lo grande con un mega lanzamiento: los 4 albumes oficiales de Hendrix remasterizados (los 3 con la Experience y el recital con Band Of Gypsys), el recopilatorio First Rays Of The New Rising Sun y este South Saturn Delta que, al igual que el anterior, recoge parte del material que Jimi había acumulado durante 1970 para su cuarto trabajo de estudio, agregándole además un puñado de interesantes inéditos y rarezas. En este último apartado figuran una demo de 'Little Wing' en la que sobre el esbozo de la melodía original Jimi y Mitch Mitchell improvisan la estuctura que más tarde desarrollarían en 'Angel'. 'Here He Comes', 'Power Of Soul' y 'Message To The Universe' son versiones en estudio de temas que Jimi sólo había tocado en vivo; el primero de ellos era habitual del setlist de la Experience y se grabó durante las sesiones para el cuarto album del trío que nunca se materializó, el segundo fue grabado por la Band Of Gypsys durante sus breves y abortadas sesiones de Enero y Febrero de 1970 y luego de haber sido estrenada durante los conciertos de año nuevo que produjeron el único disco de esa formación, mientras que el tercero lo grabó con Gypsy Sun & Rainbows, el quinteto que lo acompañó en el festival de Woodstock. La versión alterna del clásico 'All Along The Watchtower' se diferencia poco de la editada oficialmente pero suena menos psicodélica y más directa. La hermosa demo de 'Angel' apareció postriormente en el box set de la Experience en su versión completa (la aquí incluida arranca con el tema ya empezado pues proviene de una cinta dañada). 'Drifter´s Escape' es el último de los 3 temas de su ídolo Dylan que Jimi grabó mientras que 'Midnight Lighting' aparece en su forma original con Hendrix tocado la guitarra y golpeando el piso con su pié al mejor estilo de John Lee Hooker y sin los overdubs de estudio que le agregaron en el album póstumo del mismo nombre. Pero sin duda que el tema estrella es el que le dá nombre al CD, una jam entre Jimi, Mitch Mitchell, el percusionista Larry Faucette y un cuarteto de vientos (2 saxos, trompeta, trombón) que pone de manifiesto el interés de Jimi por experimentar con el Jazz y el Funk y la impresión que habían causado en él la nueva dirección musical de Miles Davis (ambos se hicieron amigos y dejaron la puerta abierta una futura colaboración musical) y su encuentro con Chicago Transit Authority (Jimi los escuchó tocar en el Whiskey A Go-Go de Los Angeles y no sólo los felicitó sino que se los llevó de teloneros en una corta gira Europea; también planeaban colaborar juntos pero su repentina muerte truncó este y otros planes). Si bien existen bootlegs con versiones mucho más largas de este tema (algunas sin la sección de vientos), esta es indiscutiblemente la de mejor calidad sonora. El resto del CD lo componen temas que fueron a parar originalmente a los albumes póstumos editados tras su muerte como la potente 'Look Over Yonder' y las instrumentales 'Tax Free' y 'Midnight' (los 3 con la Experience), la versión acelerada de 'Bleeding Heart' de Elmore James, y la jam con aires Santanescos de 'Pali Gap' (bautizada así por Michael Jefferey antes de mezclarla pues el tema nunca tuvo título). Otro CD infaltable en la colección de cualquier fan del gran Jimi Hendrix.
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En 1995 los herederos de Jimi Hendrix (su padre Allen, su hermanastra Janie y sus primos Bob & Diane) forman la empresa Experience Hendrix para administrar el legado del gran guitarrista. Una de las primeras medidas tomadas fue poner orden en la ilimitada discografía del artista retirando del mercado buena parte del material póstumo aparecido desde la misma muerte de Jimi. Si bien algunos de estos discos eran piezas esenciales para todo fan del gran Hendrix la mayoría le hicieron un pésimo servicio a su fama de perfeccionista, reciclando piezas desechadas, agregando overdubs a temas inacabados e incluso haciendo copy-paste a pequeños fragmentos para formar un tema con ellos. La nueva política de Experience Hendrix fue editar todo lo grabado por Jimi pero sin contravenir los estándares de calidad y perfección a los que él se había habituado a trabajar. Una de las primeras ediciones fue este First Rays Of The New Rising Sun en 1997, un CD que recopila buena parte de las últimas grabaciones que Hendrix hizo principalmente en sus propios estudios Electric Ladyland de Nueva York a lo largo de su último año de vida y que pensaba lanzar en un album doble del mismo título pautado para finales de 1970 o principios de 1971 en lo que iba a ser su primer trabajo de estudio tras la separación de la Experience. Si bien Jimi jamás hizo la selección definitiva tanto Mitch Mitchell como el ingeniero de sonido Eddie Kramer aseguran que todos los temas de esta colección fueron considerados por Hendrix para su inclusión en el album con la única excepción de 'My Friend', una jam entre amigos (Ken Pine, Paul Caruso, Jimmy Mayes & Stephen Stills) que data de las sesiones par Electric Ladyland en 1968. Obviamente la muerte de Jimi abortó el proyecto sin embargo Michael Jefferey (el nuevo mánager de Hendrix tras el alejamiento de Chas Chandler) no estaba dispuesto a renunciar al filón de oro que significaba explotar comercialmente todo ese material y con la ayuda del propio Kramer en las mezclas comenzó a inundar el mercado con discos póstumos; los 2 primeros de ellos fueron The Cry Of Love y Rainbow Bridge y aunque Jeffrey trató de hacerlos pasar como "terminados por Hendrix poco antes de morir”, eran buenos discos llenos de temas clásicos del repertorio Hendrixiano, pero a partir de ahí y ante la cada vez mayor ausencia de material terminado comenzaron las chapuzas: War Heroes, Loose Ends, Midnight Lighting, Crash Landing (en estos 2 últimos se llegó al extremo de completar algunos temas con músicos de estudio). Por fortuna todo eso ha quedado ya atrás y CD’s como este que nos ocupa ofrecen una imagen más pulcra, honesta y fiel de los trabajos finales de Hendrix. Como decía antes, hay muchas piezas que si bien no tuvieron la obvia aprobación del autor son clásicos indiscutibles de su discografía como 'Freedom', 'Izabella', 'Angel', 'Ezy Rider' o 'Stepping Stone' que los fans ya conocían de sus recitales. En aquel año final Jimi era un músico que buscaba reinventarse a sí mismo, como lo demuestran piezas cargadas de Funk tales como ‘Night Bird Flying’, ‘Room Full Of Mirrors’ o ‘Dolly Dagger’, mientras otras eran toda una puerta abierta hacia el futuro del artista como 'Drifiting' (con una etérea y hermosa parte de vibráfono agregada después de la muerte de Jimi pero que este deseaba incluir igualmente), 'Hey Baby (New Rising Sun)' e 'In From The Storm'. La edición es excelente tanto a nivel de sonido como la presentación que incluye un magnífico libreto con anotaciones canción por canción, fotos poco conocidas y manuscritos del propio Jimi. Un CD imprescindible.
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 A finales de Mayo de 1970 Jimi Hendrix viajó a Berkeley en California para dos recitales el mismo día (concretamente el 30 de Mayo) en el centro comunal de esa ciudad; el manager de Jimi Michael Jefferey decidió que ambas presentaciones se grabaran y filmaran, encomendándole la tarea al joven director Peter Pilafian. Jamás se supo a ciencia cierta qué planes tenía Jefferey con este material pero tras la muerte de su representado y dispuesto a sacar dinero de todo lo que sonara a Jimi Hendrix, Michael le pidió a Pilafian que montara una película con todo aquello. Así Peter concibió un documental de casi una hora que combinaba imágenes de ambos recitales con filmaciones del caldeado ambiente que se respiraba en la ciudad; entonces Berkeley era uno de los epicentros de las protestas estudiantiles en EUA, las manifestaciones solían terminar en refriegas con las fuerzas del orden y Pilafian pensó que la música de Hendrix sería la banda sonora perfecta para ello . De hecho la ejecución de 'Machine Gun' incluida se combinaba con las imágenes de los enfrentamientos entre los estudiantes y el ejército de manera tan perfecta que ha pasado a la historia como uno de los collages audiovisuales más representativos de aquellos turbulentos años. El documental tardó en llegar a las salas de cine por la batalla entre Pilafian y Jefferey pues este último pretendía hacerse del proyecto sin pagar un centavo. Cuando finalmente lograron un acuerdo el mánager se llevó el filme a Londres y lo re-editó para convertirlo en una película larga insertándole tomas de Hendrix en vivo ajenas a los recitales en Berkeley, sin embargo el documental original ha adquirido con los años un legendario estatus de culto por su estética underground que capta en manera más directa y espontánea la magia de Jimi Hendrix en escena. Por alguna razón sólo partes de lo grabado/filmado han estado disponibles. Pocos temas del primer recital han aparecido a cuentagotas en LP's y CD's póstumos y en 2003 Experience Hendrix sacó el CD Live At Berkeley con el segundo de los dos recitales completo. Pero ese mismo año 2003 sorprendieron a los fans con la edición en DVD de Jimi Plays Berkeley, el documental original con el soundtrack remezclado en 5.1 Surround; dicho DVD contiene como bonus la versión multicanal de la segunda presentación pero sólamente el audio (el contenido es idéntico al CD previo) y es aquí donde deseo detenerme: con el acompañamiento de sus fieles Billy Cox (bajo) y Mitch Mitchell (batería) Jimi ofrece aquí uno de los recitales más vibrantes de su carrera; no sé si por el hecho que entonces Hendrix se sentía mentalmente muy relajado y feliz con su música pero escuchando este segundo recital descubrimos a un Jimi Hendrix más lúcido que nunca tocando con una fluidez casi sobrenatural. Basta oír la introducción con los entonces inéditos temas 'Pass It On' (rebautizado posteriormente 'Straight Ahead') y 'Hey Baby (New Rising Sun)' mágicamente empalmados para sentir que se está asistiendo a un evento único, pero a lo largo de toda la presentación se advierte a un Jimi Hendrix más suelto y comunicativo, tocando más para el público que para él mismo tal como queda plasmado en las frescas interpretaciones de 'Lover Man', 'Stone Free', 'I Don´t Live Today', la extraordinaria 'Machine Gun' y el broche de oro con 'Voodoo Child'. Mención muy especial al estupendo tándem formado con Billy y Mitch, sin duda la formación con la que Jimi daría lo mejor de sí en su último año de vida, ofreciendo conciertos memorables y grabando toneladas de material para su anhelado cuarto trabajo de estudio, un doble album que debía titularse First Rays Of The New Rising Sun. Como no tengo el CD Live At Berkeley para este post convertí a stereo el audio en 5.1 del segundo recital y lo codifiqué en formato Flac (repito, tanto el CD como la pista audio-only del DVD ofrecen la misma música); también le agregué el rip del documental para que aprecien algunos temas del primer recital (una incompleta 'Johnny B. Goode', 'Hear My Train A Comin', su célebre reinterpretación del Himno de EUA y 'Purple Haze'). en mi opinión uno de los directos de Jimi más excitantes y disfrutables. |
En Julio de 1969 la Jimi Hendrix Experience anunció su separación tras 2 años y medio de intensos tours por Norteamérica y Europa que los convirtieron en uno de los espectáculos musicales más exitosos de su tiempo, batiendo records de asistencia y recaudación (en 1968 por una sola noche recibieron US$ 100.000 más un porcentaje de la taquilla), y con 3 fabulosos albumes que no solo cambiaron el rumbo del Rock sino que mostraban el enorme caudal de Jimi como artista. Pero tanto éxito siempre trae consigo agotamiento, tensiones y discrepancias musicales, y fue así como tras su última gira Norteamericana (y algunas fallidas sesiones en Londres y Nueva York para su cuarto album) la Experience deja de existir. Mitchell y Redding volvieron a Londres (donde este último volvió a la guitarra en su propia banda Fat Mattress) mientras Jimi alquiló una vieja mansión en las afueras de Woodstock (cerca de la zona donde se celebraría el festival) con la intención de descansar. Casi inmediatamente las casa se convirtió en una guarida de músicos, gente con la que Jimi sentía empatía y que lo motivaban a experimentar nuevas fórmulas musicales, como sus viejos amigos el bajista Billy Cox y el guitarrista Larry Lee (con quienes compartió en el ejército y en el circuito de mala muerte del R&B), el percusionista Juma Sultan (miembro de la Aboriginal Music Society, organización encargada del estudio y difusión de las raíces musicales negras), el pianista de vanguardia Michael Ephrom y el dúo vocal The Ghetto Fighters, entre otros. Estas jams le dieron la idea de crear una banda abierta cuya formación pudiera ser variable, algo parecido a un combo de gitanos psicodélicos: fue así como nacieron Gypsy Sun & Rainbows, integrados por Jimi, Lee, Cox, Mitch Mitchell y los percusionistas Sultan y Jerry Vélez (hermano de la cantante Martha Vélez); un concepto que no llegó a madurar pero que al menos le abrió a Hendrix un camino a seguir y le ayudó a desprenderse del viejo cliché de Hendrix/showman. Esta sería además la banda con la que Jimi se presentó en el festival de Woodstock el 18 de Agosto de 1.969 y que a la postre se convirtió en una de las actuaciones más legendarias de artista alguno en toda la historia del Rock. Una actuación histórica y memorable pero no de las mejores musicalmente; ante un público exhausto y escaso (era el último día y sólo quedaban 25.000 de las más de 400.000 personas que pasaron por el festival) la banda sonaba poco acoplada por la falta de ensayo, además la mala sonorización hizo que Jerry & Juma resultaran prácticamente inaudibles y la guitarra de Larry fallara en varias ocasiones. La película de Woodstock (tanto el documental como la performance de Jimi) dejaron para la posteridad la imagen de un Hendrix abstraído, indolente e incluso frío, como si estuviera delante de sólo 25 personas (en un momento del recital Jimi llegó a decirle al público "si lo desean pueden marcharse, sólo estamos improvisando, es todo"), no obstante hubo muy buenas interpretaciones de ‘Message To Love’, ‘Spanish Castle Magic’, ‘Lover Man’, una estupenda ‘Woodstock Improvisation’ donde Jimi muestra sus extraordinarias dotes de improvisador y la jam de ‘Villanova Junction’. Billy Cox y Mitch Mitchell proveen un estupendo y sólido soporte rítmico mientras que Larry Lee hace una sutil labor de apoyo dándole a Jimi completa libertad para crear, aunque Lee tiene sus 15 minutos de gloria tocado el primer solo en ‘Lover Man’, tejiendo una efectiva trama rítmica en ‘Jam Back At The House’ y haciendo un excelente dueto con Hendrix en la parte final de ‘Voodoo Child’. Por supuesto no se puede obviar la histórica reinterpretación Hendrixiana del Himno Nacional Estadounidense (‘Star Spangled Banner’) donde con su dominio absoluto del feedback Jimi crea todo un pandemonio sónico que evoca el horror de la guerra de Vietnam. A lo largo de los 40 años que siguieron a Woodstock se han derramado océanos de tinta tratando de explicar lo que Hendrix quiso transmitir en ese momento; yo me quedo con las palabras del periodista Italiano Darío Salvadori quien en su biografía "Hendrix" de 1.980 dijo que ‘Star Spangled Banner’ era el mejor retrato de los EUA de entonces hecho por artista alguno usando cualquier medio a su disposición. Este Live At Woodstock editado por Experience Hendrix en 1.999 para conmemorar el 30 aniversario del evento recoge por primera vez todo el recital con la única excepción de las 2 piezas cantadas por Larry Lee; al fin y al cabo sólo hubo una estrella esa silenciosa mañana soleada de Agosto del 69.
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Volviendo a los 4 recitales que sirvieron de base para el legendario album Band Of Gypsys, este doble CD Live At The Fillmore East editado por Experience Hendrix en 1999 permite ahondar aún más al ofrecer 16 temas adicionales a los de aquel disco. Lo que más me gusta de este lanzamiento es que complementa perfectamente al anterior pues no existe duplicidad de piezas; en otras palabras, ambos lanzamientos son necesarios para los coleccionistas y fans. La calidad de sonido es excelente y al comparar los temas que se repiten se aprecian las suficientes diferencias como para hacer atractiva su escucha. Aquella larga noche la Band Of Gypsys no subió al escenario con un setlist prestablecido para los 4 recitales sino que lo fueron armando espontáneamente sobre la marcha, esa es la razón por la que cada recital tuvo su propio repertorio y algunas piezas sólo se tocaron una vez, como el caso de ‘Message To Love’. Otro detalle bastante notorio está en que las 6 piezas seleccionadas por Jimi para entrar en el album original de 1970 son las versiones definitivas, lo que se conoce en el argot de las grabaciones "master takes". Las 2 versiones de ‘Machine Gun’ aquí incluidas, por ejemplo, suenan magníficas, cada una con su propia estética demostrando la gran capacidad del trío para "crear” música sobre el escenario sin limitarse a repetir la ejecuciones, no obstante la incluida en el album original sigue siendo la mejor, algo que no es de extrañar teniendo en cuenta el perfeccionismo de Jimi. Lo mismo ocurre con ‘Who Knows’; la versión del album original barre por completo a la versión alterna de este doble CD. Lo cierto es que ambos albumes son indispensables para entender la enorme trascendencia de esta efímera pero intensa etapa en la carrera del gran Jimi Hendrix. Una última consideración: contrariamente a lo que se cree estos 2 albumes no recogen la totalidad de los 4 recitales; para ello en 2007 salió a través del sello Voodoo Records (propiedad de los herederos de Michael Jefferey, ex mánager de Hendrix) una caja de 6 CD's titulada 2 Nights At The Fillmore East en edición limitada de 2000 ejemplares. Obviamente dicha colección ya está fuera de catálogo (un ejemplar usado se cotiza en US$ 600) por lo que el grueso de los fans de Jimi seguimos a la expectativa por la edición definitiva de aquellas largas y vibrantes 12 horas de música. |
 Los temas de este legendario album fueron extraídos de los 4 recitales que Jimi Hendrix ofreció amparado tras el trío Band Of Gypsys entre la noche del 31 de Diciembre de 1969 y la madrugada del 01 de Enero de 1970. Si bien el corto período transcurrido con el baterista Buddy Miles y el bajista Billy Cox fue enormemente fructífero para Jimi, esta formación no nació por razones musicales sino contractuales. Resulta que en 1965 Hendrix firmó un contrato con el productor Ed Chalpin para grabar como parte de Curtis Knight & The Squires, una banda de R&B liderada por el citado saxofonista y con quien Jimi había trabado amistad. Después de un par de singles fallidos y algunas presentaciones en clubes de la zona de Nueva York, Hendrix abandonó la agrupación y se instaló en el Greenwich Village donde a la postre fue descubierto por el ex bajista de The Animals Bryan "Chas" Chandler, quien se lo llevaría a Inglaterra y el resto es historia conocida. Pues bien, durante el período de fulgor de la Experience, Chalpin demandó a Jimi por incumplimiento de contrato y ambos entraron en una larga batalla legal. Resuelto a sacar provecho del nombre de Jimi Hendrix, Chalpin se alió con Capitol Records y a través de ellos editó 2 albumes de dudosa calidad con jams de estudio y apariciones en vivo grabados durante la estancia del guitarrista con Curtis Knight (Get That Feeling en 1967 y Flashing en 1968). Jimi estaba furioso y se sentía impotente al ver como sus discos con la Experience tenían que competir con material que estaba muy por debajo de sus altos y rigurosos estándares de calidad, no obstante sus managers Chas Chandler y Michael Jefferey lograron un acuerdo con Capitol que lo liberaría de tan molesta situación: Capitol compraría a Chalpin el contrato que le permitía controlar a Jimi y lo cedería a cambio de un album con nuevo material. Por aquel entonces la Experience se había disuelto y Jimi formó una nueva agrupación llamada Gypsy Sun & Rainbows (Billy Cox al bajo, Larry Lee a la guitarra, Mitch Mitchell a la batería, Jerry Vélez & Juma Sultan a las percusiones) que tampoco llegó a cuajar aunque acompañaron a Jimi en el festival de Woodstock. Por fortuna para Hendrix sus amigos Billy Cox y Buddy Miles lo convencieron de formar un trío para grabar el dichoso album y fué así como nació Band Of Gypsys. Después de muchas horas de ensayos en los Baggy’s Studios de Manhattan, el trío preparó un sólido repertorio de nuevos temas. Las razones por las que este material no fue grabado estudio sino en vivo en el legendario Fillmore East de Nueva York nunca han sido del todo aclaradas, pero lo cierto es que estos recitales constituyeron todo un acto liberatorio para el guitarrista quien buscaba desesperadamente una nueva dirección musical que le permitiera desprenderse de los clichés escénicos que desarrolló junto a la Experience. El propio Jimi expresó su enorme satisfacción al día siguiente al declarar a la prensa que "lo que hicimos ayer noche lo deseaba desde hacía tiempo, creamos nuevas canciones que son fantásticas y pasamos a dominarlas de inmediato tanto mental como técnicamente, en verdad nos divertimos muchísimo”. La influencia de Cox y Miles se reveló determinante, primero porque permitieron a Hendrix confrontarse nuevamente con sus raíces de Rhythm & Blues dándole al nuevo sonido un sabor decididamente Funky, y segundo porque al contar con otro cantante (Miles en este caso) Jimi se sentía más libre para dedicarse a la guitarra. Ya desde el primer estupendo tema 'Who Knows' escuchamos a un Hendrix más relajado y explosivo como hacía tiempo no se le escuchaba; el solo de guitarra es de los más vibrantes de Jimi, al final del cual Buddy Miles toma control del tema para conducirlo magníficamente hacia su culminación. 'Machine Gun' es la gran joya de todo el disco, 12 dramáticos minutos donde la voz de Jimi se funde perfectamente con el más completo, desesperado y cortante solo de guitarra jamás ejecutado. La atmósfera es totalmente frenética, casi apocalíptica, con Jimi logrando una gran musicalidad a partir del más puro caos sonoro, con las perfectas pulsasiones del bajo de Cox y los redobles de batería de Miles imitando ráfagas de ametralladora; uno de los momentos cumbre de toda la historia del Rock. El resto del disco mantiene el nivel bien alto: 'Them Changes' del repertorio personal de Buddy Miles con Jimi haciendo el papel de acompañante de lujo se convertiría en todo un clásico por derecho propio con múltiples versiones en los años sucesivos. 'Power To Love' se despliega ante los oídos como una enorme bandada de aves en psicodélico vuelo con la guitarra sonando más libre que nunca y 'Message To Love' es toda una novedad dentro de los cánones Hendrixianos con un par de magníficos solos de Jimi cercanos al Free Jazz y un delicioso coro de aires Gospel. El broche de oro lo pone otro tema de Buddy Miles titulado 'We Gotta Live Together', una excelente jam cargada de Soul, con Billy Cox magnífico al bajo y un solo de guitarra maravillosamente fluido. Si bien el repertorio de esas 4 noches incluía también algunos clásicos de la Experience ('Stone Free', 'Foxey Lady', 'Voodoo Child'), sólamente se incluyeron temas nuevos en el disco a fin de cumplir con el convenio con Capitol sin que estos tuvieran que pagar royalties por el uso de viejo material. Lamentablemente este proyecto no tuvo continuidad a pesar que hicieron intentos por grabar en estudio (los pocos temas que lograron terminar están recogidos en el boxset publicado en el post anterior). Las enormes presiones a las que Hendrix estaba sometido y su voluble caracter hizo que esta formación se disolviera en menos de 2 meses. No obstante este album quedó para la posteridad como uno de los más grandes albumes en vivo del Rock y como una obra tremendamente influyente cuyos ecos llegarían directamente hasta las bandas de Rock fusion de finales de los 80 como Red Hot Chilli Peppers, Faith No More o Living Colour. |
Este estuche de 4 CD's es junto a la reciente caja West Coast Seattle Boy (2010) el mejor compendio "oficial" dedicado a la música de Jimi Hendrix. Subrayo lo de oficial pues existe un inmenso mercado pirata de música Hendrixiana recopilada en cajas similares como por ejemplo In The Studio (10 CD's), Astro Man (6 CD's), Unsurpassed Masters (5 CD's) o Every Way To Paradise: Studio Sessions (4 CD's). Colecciones extensas y con material muy interesante pero que no pueden competir con lanzamientos como este por un "pequeño” detalle: la calidad de sonido. Experience Hendrix (la compañía formada por los herederos de Jimi) no sólo posee todos los masters originales de las grabaciones de nuestro ídolo sino que cuenta con los servicios de Eddie Kramer, el ingeniero de sonido que más trabajó con Hendrix, y su presencia es una garantía de alta calidad y profesionalismo a la hora de mezclar y remasterizar el material. Como bien lo indica el título y la foto frontal, la caja cubre básicamente el corto pero intenso período del trío The Jimi Hendrix Experience con Noel Redding y Mitch Mitchell, conjunto que a pesar de la gran sombra del genial guitarrista mostraba una cohesión y un equilibrio que no tenía por ejemplo Cream, donde el virtuosismo de sus integrantes hacía que cada quien jalara para su lado. En la sobria fantasía de Redding al bajo y la polirritmia de Mitchell Hendrix encontró el complemento ideal para su gran talento, el soporte que lo ayudó a plasmar en el estudio sus geniales ideas; aunque no lo parezca a una primera escucha la interacción entre los elementos del trío posee un hondo sentido de lo colectivo que recuerda a los grandes vanguardistas del Jazz (Ornette Coleman, Albert Ayler, Roland Kirk), y que convirtió a la Jimi Hendrix Experience en mucho más que el acompañamiento del gran guitarrista de Seattle. Tan es así que en su último año de vida el trío que Jimi formó con su gran amigo Billy Cox y con Mitch Mitchell (también documentado en esta caja) se le siguió anunciando como The Jimi Hendrix Experience, incluso en Woodstock fueron presentados así aún cuando en realidad se trataba de un sexteto denominado Gypsy Sun & Rainbows (como Hendrix se encargó de aclarar antes de iniciar su set). El material seleccionado no tiene desperdicio y cubre toda su carrera profesional, desde una versión alterna de 'Purple Haze' con partes de guitarra diferentes hasta 'Slow Blues', la corta jam que fue lo último grabado por Hendrix en un estudio. Hay absolutamente de todo aquí: demos, tomas preliminares, mezclas alternas y versiones diferentes; material completamente inédito o bien proveniente de albumes ya fuera de catálogo y por supuesto bastantes recitales que demuestran como la música Hendixiana es tan fascinante en vivo o en el estudio. Otro punto favorable de esta colección es la concreción pues a diferencia de las interminables jams contenidas en muchos bootlegs aquí todas son piezas concretas (algunas moderadamente largas) lo cual es un aliciente para las personas poco afectas a los temas muy extensos. Hacer un elenco resulta bastante complicado pues son 56 piezas totalmente indispensables para los fans de Jimi, en especial el material donde la Experience genera niveles de intensidad abrumadores como una 'Castle Made Of Sand' grabada en los ensayos para el célebre recital en el Royal Albert Hall (filmado para una legendaria película), las electrizantes versiones en vivo de 'Fire', 'I Don´t Live Today', 'Little Wing' (¡pura magia!), Voodoo Child o una 'Red House' de 13 minutos para la inmortalidad con un puente instrumental de sabor Jazzístico absolutamente genial. La jam que el trío desarrolla alrededor de 'Gloria' de los Irlandeses Them es otro de los momentos destacados, por no hablar de las brillantes demos donde Jimi demuestra todo lo que era capaz de hacer con la guitarra ('Room Full Of Mirrors', 'It´s Too Bad', 'Country Blues'). Junto al legado de la Experience encontraremos también las únicas grabaciones en estudio de Band Of Gypsys, el trío de vida efímera con Hendrix, Billy Cox y el baterista Buddy Miles. En el apartado de rarezas destacan la toma instrumental de 'Burning of the Midnight Lamp' donde Jimi saca la melodía con un clavicordio o 'Sweet Angel', una demo del futuro tema 'Angel' sólo con guitarra eléctrica, bajo y un metrónomo marcando el ritmo. Por último y especialmente dedicada a los que dudan que Jimi Hendrix fue el más grande guitarrista eléctrico de todos los tiempos está una versión en estudio del Himno Nacional Norteamericano formada por 3 pistas de guitarra superpuestas que tiene una curiosa particularidad: el extraño sonido agudo que se escucha en primer plano no es un sintetizador (entonces aún no existían) sino nuestro héroe jugando a placer con las tonalidades de su guitarra, un recurso que hasta la fecha nadie ha podido superar. |
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 Electric Ladyland fue el disco crucial de la Jimi Hendrix Experience por ser el broche de oro de la magnífica trilogía de albumes que cambiaron la faz del Rock pero también por marcar el fin de una de las formaciones más influyentes de su tiempo. Para empezar este es el primer disco producido por Jimi; Chas Chandler había hecho un brillante trabajo con los 2 primeros pero habiendo sido miembro de The Animals (cuya carrera en su primera etapa estuvo orientada a los singles) tenía una visión convencional de la producción y Hendrix necesitaba expresarse dentro de un contexto más amplio. Por otra parte la banda estaba física y psicológicamente agotada por las largas giras (en EUA llegaron a pisar 47 ciudades en 54 días) y siguiendo el ejemplo de Los Beatles, Hendrix deseaba concentrarse más en los estudios de grabación; además él buscaba deshacerse deL papel de showman y ansiaba ser apreciado por su arte y no por su imagen. Las sesiones comenzaron en los Olympic Studios de Londres en Enero de 1968 y ya entonces era obvio que la química entre Jimi y Chas se había esfumado. El dinero no era obstáculo pues la Experience era ya una banda exitosa con ganancias de millones de Dólares y Hendrix estaba dispuesto a pasar en el estudio el mayor tiempo posible grabando todas las tomas que considerara necesarias sin escatimar en gastos, además su constante creatividad lo conducía a improvisar libremente lo que chocaba con los rígidos esquemas de Chas. Quizá con la intención de asumir el control de la grabación el trabajo se trasladó en la primavera de 1968 a Nueva York en los recién abiertos Record Plant Studios. Estando a pocas cuadras de los más célebres clubes de la ciudad Jimi invitaba a Record Plant a sus amigos músicos y las sesiones transcurrían con el estudio repleto de gente, lo que exasperaba a Chas quien al final sintiéndose un estorbo renunció a la producción y vendió su participación a su socio Michael Jefferey. El bajista Noel Redding coincidía con Chandler en cuanto a grabar interminables tomas; las discrepancias con Hendrix eran cada vez mayores y la gota que derramó el vaso fueron unas declaraciones de Jimi donde habló de expander la banda con la incorporación de su amigo Billy Cox entre otros. Enfurecido Noel faltaba a las sesiones y el propio Jimi tocó la mayoría de las partes de bajo (concretamente en 9 de los 16 temas finales). Bajo estas premisas resultaba obvio que no habría otro disco de la Experience, aunque al año siguiente se reunieron para tratar de hacer un cuarto disco. Por tanto Electric Ladyland quedó para la posteridad como el cierre de una etapa y un punto de inflexión importante en la carrera de Jimi Hendrix. Los siete temas con Noel Redding al bajo (casualmente los únicos grabados con alguna dirección de Chas Chandler) aportan nuevos clásicos al ya amplio catálogo de joyas Hendrixianas: en la vibrante 'Crosstown Traffic' (con Dave Mason de Traffic en el coro) Jimi canta en su ya habitual estilo una letra llena de alegorías para comparar a la mujer con un atasco de tráfico ("Es tan difícil pasar a través de tí") mientras replica la parte de guitarra con un kazoo (una especie de armónica casera hecha con un peine envuelto en papel). 'Little Miss Strange' fue el segundo y último aporte de Noel Redding en un album de la Experience, otra muestra de Power-Pop sin pretensiones pero agradable de escuchar; curiosamente son Noel y Mitch Mitchell quienes la cantan a dúo. La versión de 'Come On (Let The Good Times Roll)' del Bluesman Earl King y la pieza original 'Gypsy Eyes' son dos de los momentos más compactos del album; en la primera se aceleró notablemente el tempo para darle un tono menos Blues y más Rockero mientras que la segunda fue la pieza más dura de grabar (casi 50 tomas para que Jimi se declarara satisfecho) y contiene algunas de las partes de guitarra más complejas tocadas por Hendrix que contrastan con su ritmo accesible. 'Burning Of The Midnight Lamp' data de las sesiones para Axis y posee una maravillosa aureola mística muy emotiva reforzada por el clavicordio y los etéreos coros del grupo vocal The Sweet Inspirations. 'House Burning Down' representa una de esas raras ocasiones en la obra de Hendrix donde la historia se sobrepone a la música, una historia donde se funden imaginería psicodélica con cierto comentario social (las "casas que se derrumbaban en llamas" eran las de los campesinos negros hostigados por el ku-klux-klan). 'Voodoo Child (Slight Return)' cierra el album con su intenso trance sonoro y se convertiría en uno de los momentos culminantes en los recitales de Jimi donde la orgía guitarrística y percusiva llegaba a alcanzar los 17 minutos de duración. Pero los méritos de Electric Ladyland no terminan aquí y es en varias de las restantes piezas donde destaca el Jimi Hendrix buscador de nuevos horizontes, como en la inicial 'And The Gods Made Love', pieza hecha a base de fragmentos de cintas reproducidas a diferentes velocidades y que se adelantó en varios años al concepto electrónico de Tangerine Dream y demás. Este tema se enlaza inmediatamente con 'Have You Ever Been (To Electric Ladyland)', una soprendente pieza con Hendrix haciendo todas las voces y que suena como un cuarteto vocal de Soul tras ingerir LSD. 'Voodoo Chile' es para muchos la punta de diamante del disco, un soberbio blues eléctrico donde Jimi traspasa los límites prestablecidos para ofrecer uno de sus más impresionantes trabajos de guitarra y muestra además su talento para escribir letras llenas de ácida fantasía ("La noche que nací, Señor/ juro que la luna se tiñó de rojo vivo/ mi pobre madre gritó '¡Dios, la gitana tenía razón!'/ y la ví caer al suelo muerta/ los leones de la montaña me encontraron allá a la espera/ me pusieron sobre las alas de un águila que me llevó más allá del infinito/ y tras haberme llevado de vuelta/ me dió el anillo de la hechicera de Venus"). la absorbente ejecución de Mitch Mitchell es sencillamente espectacular, Jack Cassidy de Jefferson Airplane toca un estupendo bajo con espectral precisión mientras Stevie Winwood (entonces en Traffic) borda una increíble parte de órgano que dialoga en perfecta simbiosis con la guitarra de Jimi. En 'Long Hot Summer Night' (con Al Kooper al piano) Jimi retoma sus raíces de Rhythm & Blues mientras que en la magnífica 'Rainy Day, Dream Away' y su secuela 'Still Raining, Still Dreaming, grabadas con músicos diferentes (Buddy Miles, el percusionista Larry Faucette, el saxofonista Freddie Smith y el organista Mike Finnigan), Jimi explora nuevamente el terreno del Jazz pero desde una óptica menos purista y más cercana a lo que se conocerá años despúes como "Fusion". En 'All Along The Watchtower' Jimi logra de manera magistral "apropiarse" de un tema de su ídolo Dylan para ofrecer la que seguramente es la versión definitiva de este tema acompañado por su amigo Brian Jones (de Los Stones) a la percusión y Dave Mason a la guitarra acústica de 12 cuerdas. Pero Jimi no quiere dejar de sorprendernos y lo demuestra en la mejor pieza de este trabajo, la magistral '1983...A Merman I Should Turn To Be'; aquí se funden el Free-Jazz, la experimentación electrónica y el vanguardismo para ilustrar la historia sobre un mundo del futuro al borde de la destrucción en la cual el protagonista y su mujer tienen una visión donde se imaginan viviendo en el fondo del mar para huir del inminente holocausto; Chris Wood de Traffic toca aquí la flauta ayudando a crear con ella un delicioso ambiente submarino. Mención especial merecen los imprescindibles aportes de Mitch Mitchell, quien con sus grandes dotes para la improvisación y perfecto sentido del tempo se erige como pieza vital en el logro de esta pieza de ribetes épico-fatalistas. En resumen, un album que representa la validación de Jimi Hendrix no sólo como guitarrista sino como artista en general y que trasciende los límites del Rock para erigirse en indiscutible obra maestra de la música contemporánea. Uno de esos discos obligados para llevarse a la concurridísima isla desierta en caso de naufragio. |
 El lanzamiento de Are You Experienced? en Mayo de 1967 convirtió a Jimi Hendrix y a The Experience en el fenómeno musical de aquel año superado sólo por la aparición de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 3 semanas después. La cotización del trío se disparó aún más con su legendario show en el Monterey Pop Festival en Junio del mismo año que les abrió las puertas de Norteamérica de par en par; la demanda de nuevas grabaciones se hizo imperativa y Track Records (la disquera propiedad de The Who que los manejaba en Gran Bretaña) presionó para que el album coincidiera con la temporada navideña. A pesar que se hizo en poco más de 1 mes (Octubre 1967, aunque algunas piezas databan de Mayo-Junio) Axis: Bold As Love no fue precisamente fruto de la premura. Todos parecían haber sido tocados por una varita mágica: Jimi se volcó aún más sobre las infinitas posibilidades que ofrecían los estudios de grabación Ingleses (técnicamente inferiores a los Norteamericanos pero con gente llena de creatividad e ingenio en el aprovechamiento los recursos disponibles) a la vez que buscaba nuevas maneras de expresión como guitarrista; tanto el propio Hendrix como Redding y Mitchell estuvieron abiertos a toda clase de sugerencias a la vez que probaban con instrumentos diferentes mientras que el ingeniero de sonido Eddie Kramer ensayaba nuevas técnicas para grabar y mezclar. Y con Noel y Mitch más involucrados en los detalles (el anterior album fue prácticamente obra de Hendrix y Chas Chandler en cuanto a arreglos) el resultado tenía mayor entidad colectiva. La profusión de efectos de estudio le dió a las canciones una aureola más "psicodélica" que sin embargo los hacía casi imposibles de reproducir en vivo, y aunque por esta razón Axis: Bold As Love produjo menos temas conocidos poseía una mayor homogeneidad y representó también un neto paso adelante respecto al debut. Ya desde el tema de apertura no hay dudas que se trata de un album diferente. 'EXP' es una corta pero divertida representación donde un locutor radial (Mitch) interroga a su invitado Paul Caruso (Jimi) sobre los OVNIS y resulta que el propio Mr. Caruso es un extraterrestre; Jimi utiliza el feedback para emular el despegue de una nave espacial en un episodio que pone en fila tras él a cuanto guitarista eléctrico había entonces (no hay efectos de estudio aquí, es sólo Hendrix y el feedback de su guitarra). El espacio exterior siempre ejerció una gran fascinación sobre Jimi que quedó plasmada en muchas de sus letras como en 'Up From The Skies' que trata sobre un alienígena que regresa a La Tierra varios siglos despúes de su primera visita; el corte es puramente Jazzístico y Mitch Mitchell demuestra sus conocimientos de Jazz tocando impecablemente la batería con las escobillas (brushes). La mayoría de las piezas son cortas, melódicamente muy sencillas pero bien estructuradas y ricas en detalles como 'Spanish Castle Magic' donde el trío marca el riff al unísono de manera obsesiva con un estupendo break rematado por el solo de Hendrix. 'Wait Until Tomorrow' tiene un andar alegre casi Pop, inusuales armonías vocales (de Noel y Mitch) y coloridas figuras guitarrísticas de aires Soul; aquí Jimi no ejecuta ningún solo y es Mitchell quien prácticamente actúa como solista. 'Ain´t No Telling' ofrece un veloz duelo entre la guitarra de Hendrix y la batería de Mitchell quien toca con una precisión admirable demostrando por qué es uno de los grandes bateristas del Rock & Roll. La estupenda 'You Got Me Floatin' se inscribe dentro de la Psicodelia más Heavy a base de un beat incisivo, sorprendentes líneas de bajo de Redding (quien usa un modelo de 8 cuerdas en casi todo el album), efectos y varias pistas de guitarra sobrepuestas; Roy Wood y Trevor Burton de The Move hacen los coros. 'She´s So Fine' escrita y cantada por Noel Redding es reminescente de su pasado Pop con The Loving Kind (su primera banda profesional donde era guitarrista) nuevamente gracias a los coros y la melodía pero que en las manos de la Experience apunta hacia el más puro Hard Rock (excelente punteo de Jimi en la mitad). 'Little Miss Lover' es dura y martilleante, aquí Jimi utiliza el pedal wha wha de una manera que sería amplimente imitada por muchos guitarristas. El resto del album nos regala alguno de los momentos cumbre no sólo de la discografía Hendrixiana sino de la Psicodelia en general en las piezas más trabajadas de Axis. 'Little Wing' es sencillamente sublime, una hermosa balada psicodélica donde Hendrix dibuja en el aire delicados fraseos mientras Mitchell ejecuta una contramelodía en el Glockenspiel dándole a la pieza un aura casi mística. 'If Six Was Nine' es un auténtico tour-de force: nuevamente un riff marcado al unísono por Jimi Noel & Mitch, cambios de ritmo, Jimi alternando el canto con partes recitadas, el soberbio break instrumental con Mitchell llenando los espacios y el sonido de un recorder (flauta de madera) en la coda, todo envuelto en una densa nube de ácido. Uno de los aspectos resaltantes de esta y otras piezas Hendrixianas en la utilización de la voz por parte de Jimi; obviamente no es un "cantante" en el sentido convencional pero su estilo heredado de los talking-blues de Bob Dylan alcanza las mismas cotas de expresividad que con la guitarra. La letra es también muy buena donde Hendrix reivindica su individualidad como artista y ser humano negándose a ser encasillado en los clichés de la contracultura, algo que siempre se había encargado de aclarar en las entrevistas. 'Castle Made Of Sand' es uno de los grandes clásicos del disco y un collage de las habilidades de Jimi con la guitarra; se inicia con un riff de metálicas figuras entrecortadas para dar paso a limpios acordes Jazzísticos, solos en reverso con efecto sitar y vuelta al riff inicial con las notas que asemejan a una bandada de aves que se pierden en la lejanía. La letra expone algunas metáforas sobre los sueños que se derrumban como castillos de arena por la mano del destino y confirma el talento de Jimi como autor. 'One Rainy Wish' arranca con una delicada melodía de escalas orientales rota por todo el peso de la banda en una interpretación llena de emotividad. El tema de cierre 'Bold As Love' es otra demostración del alto perfeccionismo de Jimi en el estudio; según Noel Redding la pieza salió en la primera toma pero se necesitaron 26 más para que Hendrix quedara satisfecho con ella; Jimi le agregó al final clavicordio y una segunda parte de bajo mientras Eddie Kramer y su asistente George Chkiantz procesaron el sonido de la batería con un efecto "phasing" que también fue ampliamente copiado a posteriori. Axis fue un éxito en Inglaterra, el resto de Europa y EUA donde el lanzamiento se pospuso algunos meses para no estorbar las excelentes ventas del anterior disco. El enorme suceso hizo que la Experience se lanzara en una ruleta Rusa de agotadores tours que los convirtió en uno de los más grandes y solicitados espectáculos del Rock pero que lamentablemente puso a prueba la resistencia física y mental de los 3 músicos. La presente es la edición remasterizada de 1997 (sónicamente idéntica a la reciente Deluxe Edition) a la que le agregué el documental que viene con la edición del 2010 y que resulta tan fascinante de apreciar como la fantástica música del album, toda una obra maestra del Rock de todos los tiempos. |
 Tras la ruptura de The Animals en 1966 el bajista Chas Chandler viajó a Nueva York a comienzos de Septiembre de ese año para cambiar de aires y repensar su futuro. Un día conoce a Linda Keith (entonces novia de Keith Richards de Los Stones) y ella le recomienda ir al Café Wha? para echarle un vistazo a un fenomenal joven guitarrista negro que se presentaba bajo el nombre de Jimmy James & The Blue Flames. Ese joven era James Marshall "Jimmy" Hendrix. Impresionado con su innovador sonido y estilo Chas asistió a diario al club y en la medida que conversaban y se hacían amigos Chas maduraba la idea de llevárselo a Londres. A pesar de su talento Hendrix en Nueva York era uno del montón; no había otro guitarrista como él claro está pero los jóvenes Norteamericanos estaban embelesados con las nuevas estrellas Británicas y las disqueras no iban a poner sus ojos precisamente en ese chico que parecía la rencarnación Hippie de T-Bone Walker. En cambio en la escena Londinense más abierta a las novedades su éxito estaba garantizado. Cuando finalmente Chandler le hizo la propuesta a Jimmy este lo meditó y puso como única condición que al llegar a Inglaterra se lo presentaran a Eric Clapton, el rey de los guitarristas Ingleses. Chas sonrió y dijó que cuando Clapton lo escuchara sería este quien pediría conocerlo y con su nombre acortado a "Jimi" por sugerencia de su flamante manager Hendrix partió para Europa. Una vez en Londres Chandler se dedicó a buscar músicos que sirvieran de respaldo a su protegido. Un día se presentó en su oficina un chico llamado Noel Redding pidiendo tocar en la audición para el puesto de guitarrista en The New Animals; la vacante ya había sido tomada pero Chas le prestó su bajo a Noel y le sugirió encontrarse con Hendrix. Era la primera vez que Redding tocaba un bajo pero a Jimi le gustó. Para la batería Chandler tenía los ojos puestos sobre John "Mitch" Mitchell y en cuanto se enteró que Georgie Fame lo había echado de su banda le pidió que se uniera a Hendrix y Redding. La química entre los tres fue instantánea: había nacido la Jimi Hendrix Experience. Hago esta introducción en este nuevo aniversario de la desaparición física de nuestro querido Jimi para dejar en claro algunos aspectos algo confusos con respecto a su leyenda: en primer lugar, aunque The Experience se ideó como la banda de acompañamiento de Jimi se convirtió en una entidad autónoma que dejó su propio legado musical; no es lo mismo Jimi Hendrix que The Jimi Hendrix Experience. En segundo lugar aún cuando Hendrix era Estadounidense The Experience fue un fenómeno musical Británico; el poner a 2 músicos blancos junto a Jimi fue una jugada maestra de Chandler pues evitó que Hendrix fuese encasillado como "negro" o "Norteamericano", además fue en la efervescencia de la Psicodelia Británica que el guitarrista consolidó definitivamente su estilo. Por último hay que aclarar que Jimi nunca fue un virtuoso, su talento no se medía por la velocidad sobre el mástil ni por aspectos puramente técnicos (por ejemplo, solía usar la guitarra ligeramente desafinada) sino por su inventiva; Jimi era un estudioso de los sonidos con un dominio abosoluto de las tonalidades que le permitió controlar el feedback y la distorsión a su antojo y utilizarlos como recurso para producir "música". En sus manos la guitarra trascendía su función primaria para convertirse en un kaleidoscopio sónico de inagotable riqueza capaz de ofrecer texturas y "sensaciones sonoras" inimaginables. Es verdad que otros guitarristas ya venían transitando por esos caminos (Dick Dale, Jeff Beck) pero fue Jimi Hendrix el primero en alcanzar la perfección absoluta. Traigo esto a colación porque Jimi también tiene sus detractores que lo consideran un músico sobrevalorado y que ponen como contraejemplo de auténtica calidad a super guitarristas como Eddie Van Halen, Steve Vai, Joe Satriani o Yngwie Malmsteen; en mi opinión cada artista debe ser valorado en el contexto de su propia época y la realidad es que tuvo que haber primero un Jimi Hendrix para que luego los Van Halen, Vai, Satriani y Malmsteen existieran y desarrollaran su innegable virtuosismo y talento valiéndose, por cierto, de adelantos técnicos que su maestro no tuvo. Pero ¿no iba a ser esta una reseña de Are You Experienced?... bueno pero ¿qué se puede decir de un album del que está todo dicho?. Baste decir que Are You Experienced? fue una obra que sacudió los cimientos del Rock en 1967 y que 44 años constituye una pieza de invaluable arqueología musical. Si Hendrix hubiese muerto después de grabarlo su papel como uno de los músicos más grandes de la historia sería el mismo. AYE no sólo redefinió la figura del guitarrista de Rock sino que fué también fundamental en la transición del Rock And Roll hacia el vanguardismo y el progresivismo. Junto con Cream The Experience sentó el patrón para el florecimiento de los power-tríos (formaciones de 3 miembros) pero a diferencia del trío de Clapton/Bruce/Baker donde cada uno de los miembros jalaba por su lado la Jimi Hendrix Experience trabajaba como un ensemble orgánico a pesar del obvio protagonismo de Jimi. El repertorio está lleno de joyas para la posteridad como 'Purple Haze' cuyo riff formaría parte del vocabulario de todos los futuros Heavy Rockers o la envolvente densidad de 'Manic Depression' y 'Love Or Confusion'. 'Fire' hace honor a su título siendo una pieza abrasiva tocada con impecable perfección rítmica. Hendrix muestra su lado más melódico en 'May This Be Love', tema de una sinuosidad hipnótica con bellísimas figuras de guitarra y la hermosa balada psicodélica 'The Wind Cries Mary'. 'Third Stone From The Sun' es de una musicalidad mágica y etérea; en ella el trío explora las fronteras que separan al Rock del Jazz antes que el propio Miles Davis, mientras que en el tema homónimo Jimi se vale de los más variados recursos de estudio (pistas en reverso, efecto sitar, cintas a velocidad variable) para crear toda una sinfonía psicodélica que representa un paso de gigante para la evolución del Rock. Como apuntaba anteriormente gran parte de los logros son mérito de la mágica interacción entre Jimi y sus músicos; Mitch Mitchell es un baterista poliédrico que toca con la inagotable energía de keith Moon pero que gracias a su background Jazzístico amplía su estilo con gran elegancia y fantasía. Noel Redding se revela como un bajista sorpresivamente bueno, perfecto en la división rítmica e impecable en su papel de perno alrededor del cual giran Jimi y Mitch en los puentes instrumentales. El album se lanzó originalmente en 2 versiones: Británica y Norteamericana; en esta última se sustituyeron los temas 'Red House', 'Can You See Me' y 'Remember' por los singles Ingleses 'Hey Joe', 'Purple Haze' y 'The Wind Cries Mary', además de las portadas. Para este post utilicé el remaster de 1997 (portada y selección Norteamericana) y le agregué el documental The Making Of Are You Experienced? tomado de la Deluxe Edition de 2010 (portada y selección Británica). Como las dos ediciones tienen 6 bonus tracks ambas se equivalen y ofrecen los mismos temas con la misma calidad de sonido. Un clásico y una joya no sólo del Rock sino de toda la música. |