Masterplan es una disquera independiente "especializada" en ediciones semi-oficiales mayormente en DVD con recitales de los grandes del Rock. Lo pongo entre comillas porque si bien los títulos que ofrecen son interesantes la calidad es terrible; no me explico cómo tiendas virtuales tan prestigiosas (Amazon, CD Universe) ofrezcan el catálogo de Masterplan sin tan siquiera una pequeña advertencia sobre la calidad; las secciones de comentarios de estos lanzamientos muestran la decepción de los muchos incautos que han pagado por ellos y tampoco entiendo como los artistas no los han demandado aún. No obstante entre tanta basura puede encontrarse algún título decente como el DVD Boogie With Stevie con un recital de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble efectuado en Daytona Beach (Florida) en 1987; si bien la imagen es mediocre el sonido es muy bueno alcanzando precios prohibitivos debido a lo difícil que es conseguirlo hoy en día. En 2007 Masterplan sacó la respectiva versión en CD agregando como bonus un segundo compacto con parte del recital que SRV & DT dieron en la convención anual de Columbia Records efectuada en Honolulu (Hawaii) en 1984. El recital de Daytona Beach incluye la misma formación de Double Trouble que grabó el album Soul To Soul (1985) con el tecladista Reese Wynans como nuevo miembro, en aquella época Stevie y el bajista Tommy Shannon estaban recuperándose de sus adicciones a la cocaína y el alcohol y la banda se dedicó a tocar sin parar para cubrir las enormes deudas que había contraído. El sonido es muy bueno (aunque algo menos claro que en el DVD) y nos presenta a unos Double Trouble en plena forma tocando buena parte del repertorio de Soul To Soul; estupendas son la intensa interpretación del Blues original 'Ain´t Gone 'n' Give Up on Love', 'Couldn´t Stand the Weather', 'Willie The Wimp' (una habitual de su repertorio aunque jamás grabada en estudio) y la potente y eléctrica cover de 'Superstition' de Stevie Wonder, sin embargo todo el concierto es impecable. Honolulu '84 ya es otra historia: el sonido es como máximo regular, con fluctuaciones y un infame corte a la mitad de 'Stang´s Swang' que te hará acordarte de la madre del presidente de Masterplan, pero ecualizándolo adecuadamente vale la pena escucharlo pues se trata de una performance soberbia; parte de las piezas provienen de Couldn´t Stand the Weather (el segundo album del trío apenas puesto en circulación) y cuenta con la presencia de ilustres invitados: el guitarrista Jimmie Vaughan (hermano mayor de Stevie y líder de The Fabulous Thunderbirds) en 6 temas, la cantante Texana Angela Strehli (que en los 70 militó con Stevie en Paul Ray & The Cobras) en 3 piezas, y el legendario e inmortal Jeff Beck en las últimas 4. A pesar de la calidad sonora hay magníficas interpretaciones tales como el Blues 'Things That I Used to Do' (con Stevie y Jimmie a dúo), Angela Strehli exhibiendo su excelente voz de "Lady Blues" en 'You Were Wrong', 'Lonely Teadrops' (del recordado cantante de R&B Jackie Wilson) y el Blues 'Don´t Fall For Me Baby' y la participación de Jeff Beck en los instrumentales 'Wham!' y 'Jeff´s Boogie' rescatada de su época Yardbirds. Astutamente Masterplan dejó fuera los 2 únicos temas de este recital disponibles oficialmente en la caja SRV con el fin, supongo,  de evitar demandas (el mosaico formado por 'Little Wing' y 'Third Stone From The Sun' ambas de Jimi Hendrix). Resulta difícil de creer que no existan master tapes de estas 2 actuaciones y ojalá que en un futuro cercano sus herederos se decidan a lanzarlas con sonido a la altura. Un CD estrictamente para fans del gran y siempre recordado Stevie Ray Vaughan.



Categoría: 80's | Vistas: 724 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 17-Jul-2011


El extenso Texas Flood tour que recorrió Norteamérica y gran parte de Europa dejó muchos estupendos recitales de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble para la posteridad, uno de los más legendarios tuvo lugar el día 11 de Julio de 1983 en el club El Mocambo ubicado en la ciudad de Toronto (Canadá). Abierto en 1850 El Mocambo jugó un papel determinante en la difusión de la música popular en la metropoli Canadiense alcanzando su máximo status en la década de los 70 del siglo XX cuando se convirtió en bastión del Blues (en la época en que esta música vivía sus horas bajas en cuanto a popularidad) y albergó en 1977 a los Rolling Stones en un célebre recital parcialmente plasmado en su album en vivo Love You Live. El album Texas Flood había logrado gran popularidad y los comentarios sobre la explosiva química que SRV y su banda tenían sobre el escenario había creado gran expectativa por verlos. Fue así como ante un club repleto en su modesto aforo Stevie Ray Vaughan & Double Trouble ofrecieron una actuación corta con un despliegue escénico y sonoro normal dada las dimensiones del lugar pero que despejaba toda duda respecto a un artista nacido para escribir nuevas páginas brillantes en la historia del Rock y el Blues. Los ánimos se encienden desde el mismo incio con dos instrumentales a manera de abreboca que reflejan el poder del trío: 'Testify' (que ya había tomado su lugar como tema de apertura en casi todas las apariciones) y el explosivo inédito 'So Excited', sobre todo el primero donde Stevie, Tommy & Chris trabajan por separado pero logrando a la vez una cohesión alucinante. De allí en adelante se van sucediendo 6 temas del primer album: 'Pride And Joy', 'Tell Me', 'Mary Had a Little Lamb' y 'Love Struck Baby' ya de por sí excelentes en el disco pero que alcanzan su real dimensión sobre el escenario con un magnetismo tal que hace vibrar la música en tu interior. El extásis del público puede percibirse claramente en los dos momentos de máxima compenetración entre Stevie y banda, la abrasiva 'Texas Flood' con un break de guitarra absolutamente fantástico en uno de los grandes Blues jamás ejecutados por una banda de Rock (me vienen a la mente los ejemplos de 'Machine Gun' de Hendrix y 'Since I´ve Been Loving You' de Zeppelin) y la melancólica 'Lenny' donde los músicos y la gente crean una atmósfera casi mística como si de una experiencia religiosa se tratase. Intercaladas con el material conocido se escuchan 4 piezas favoritas de Stevie: el tributo a su admirado Jimi Hendrix con una vibrante 'Voodoo Child' (Slight Return)' y una espectacular 'Third Stone From The Sun' donde SRV despliega todo su arsenal de recursos guitarrísticos mientras Tommy & Chris lo siguen brillantemente en una sincronización casi telepática, junto a una 'Hug You, Squeeze You' de John Lee Hooker (una fija en casi todos los recitales) y 'Wham!' de Lonnie Mack en un homenaje a uno de sus primeros ídolos en el que Stevie demuestra su gusto por el Rock instrumental de los primeros años 60; según el guitarrista declaró en varias ocasiones fue el primer disco que compró en su vida y lo puso tantas veces que su padre, harto, lo hizo añicos lanzándolo contra la pared. Live At The El Mocambo no ha sido nunca lanzado en CD pero sí en DVD y el aquí presente es el audio extraído de mi DVD original; espero haya quedado bien y que sea de su completo agrado. Una actuación sencillamente imperdible tanto para fans como para curiosos.



Categoría: 80's | Vistas: 728 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 14-Jul-2011


En mi opinión muy personal Stevie Ray Vaughan fue el último de los grandes guitarristas clásicos del Rock, el último "true original". Esta afirmación puede sonar exagerada teniendo en cuenta que Stevie compartió la escena de los 80 con figuras tales como Eddie Van Halen, Randy Rhoads, Joe Satriani, Steve Vai o Yngwie Malmsteen, virtuosos indiscutibles poseedores de talento natural y una técnica depuradísima pero que les faltaba lo que a Stevie Ray le sobraba: expresividad, emoción y sensibilidad. SRV nació en Dallas (Texas) en 1954 y al igual que otro de los grandes "guitar slingers" de la región (su paisano Johnny Winter) se formó dentro del llamado Texas Blues, variante que combinaba el más puro Blues del sur con el Western Swing y caracterizada por cierto gusto por la improvisación. Siendo 10 años menor que Johnny, Stevie se nutrió de la escena musical de los 60, sentía gran admiración por la elegancia y el sentimiento de Eric Clapton y sobre todo por la inventiva de Jimi Hendrix, lo que junto a su pasión por el Blues (T-Bone Walker, Freddie King, Albert King, Otis Rush, Buddy Guy) y otras influencias dispares (el Rockabilly instrumental de Lonnie Mack, el Jazz de Kenny Burrell, el Soul de Johnny "Guitar" Watson) lo empujó a experimentar con las tonalidades hasta dar con su propio estilo original e inimitable. Al igual que otros guitarristas Stevie estableció un vínculo casi espiritual con su instrumento, una Fender Stratocaster adaptada para lograr "el sonido" que siempre había buscado bautizada Lenny (el nombre de su esposa) y de aspecto único con gran parte de la capa de pintura desprendida y las siglas SRV en letras brillantes. Tras probar suerte con diversas bandas durante casi todos los 70 Stevie forma Double Trouble en 1979 como quinteto pero no sería hasta 1981 que la formación se consolidaría como trío con Tommy Shannon (ex bajista de Johnny Winter) y el baterista Chris Layton constituyendo uno de los grandes power trios de todos los tiempos. Aún sin un disco en la calle SRV & DT se estaban convirtiendo en un fénómeno: en 1981 dieron un recital privado para Los Rolling Stones en Nueva York, en 1982 fueron los primeros artistas sin un album en el mercado que tocaban en el Jazz Festival de Montreux (Suiza) y en 1983 Stevie fue seleccionado por David Bowie para tocar en su album Let's Dance; estos sucesos hicieron que el debut discográfico de SRV & Double Trouble lanzado en Junio de 1983 con el título de Texas Flood estuviera rodeado de gran expectativa. El momento parecía el menos propicio, el Synth-Pop o Techno-Pop dominaba la escena, el Rock con sabor añejo era visto con cierta repugnancia y se auguraba que las guitarras eléctricas sucumbirían ante el avance de los sintetizadores (de hecho muchos Rockeros comenzaron a usar guitarras sintetizadas)... pero eso no fue impedimento para que Texas Flood se convirtiera en todo un éxito, haciendo renacer de sus cenizas al auténtico sonido del Rock (ese que nunca morirá), llevando el Blues hacia altas cotas creativas y de popularidad jamás soñadas y estableciendo a Stevie Ray Vaughan como el más grande guitarrrista de su tiempo. Aprovechando al máximo las 72 horas de grabación que Jackson Browne les regaló en sus propios estudios (en Noviembre de 1982) Stevie, Tommy y Chris grabaron a la vieja usanza (los 3 juntos y en pocas tomas) sin embargo Stevie no quedó satisfecho con su voz y las partes vocales se regrabaron en Enero de 1983; sea como sea el resultado fue una auténtica obra maestra. Básicamente Texas Flood era un reflejo del repertorio que el trío tocaba en sus recitales. el tema de apertura 'Love Struck Baby' es toda una declaración de intenciones, una pieza de estructura Blues con un ritmo Shuffle casi marcial y riffs de guitarra al mejor estilo de Chuck Berry que demuestran la gran versatilidad de Stevie a la hora de desplegar su abanico de influencias. La trepidante versión instrumental de 'Testify' (original de The Isley Brothers) es una excelente tarjeta de presentación para las habilidades de Stevie y de hecho se convertiría en la apertura de casi todos sus recitales. 'Rude Mood' es un torbellino rítmico de Boogie muy cercano al Rockabilly sobre el cual Stevie suelta rápidas figuras guitarrísticas de sabor Jazzístico. En el Blues original 'Dirty Pool' Stevie demuestra nuevamente su talento con una ejecución muy limpia, casi acústica exhibiendo un impresionante rasgueo de guitarra como si de un llanto se tratase. Dado que 'Pride And Joy' y 'I´m Cryin´' son prácticamente iguales (según leí son en efecto la misma canción con algunos cambios) quedémonos con la primera, uno de los temas más populares de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble, Blues en uptempo estupendamente conducido por Stevie con un par de solos que literalmente hacen arder los oídos. 'Lenny' (el cierre del album dedicado a su esposa) propone el lado más relajado e intimista de Stevie en una de sus más hermosas ejecuciones, un instrumental tranquilo y evocador donde nuestro héroe traza deliciosas figuras Jazzísticas que permanecen flotando en el aire incluso después de haber dejado de sonar. Los 3 temas restantes son versiones donde SRV rinde tributo a sus raíces Bluesísticas; el tema homónimo fue escrito y grabado originalmente en 1958 por un desconocido Bluesman Texano llamado Larry Davis, una de las máximas influencias de Stevie especialmente en la manera de cantar; 'Texas Flood' es un estupendo Blues que en vivo se convertiría uno de los momentos cumbre gracias al fantástico break instrumental con punzantes solos en los que Stevie extrae de su guitarra los más increíbles sonidos a la vez que exhibe sus dotes de frontman haciendo el solo central poniendo la guitarra a sus espaldas. Las versiones de 'Tell Me' de Howlin' Wolf y 'Mary Had A Little Lamb' de Buddy Guy mantienen su estructura original pero en las manos de Stevie & Double Trouble suenan más vibrantes y exhuberantes, especialmente la primera donde Stevie demuestra poseer también una estupenda voz de Bluesman. Tras el lanzamiento el trío de enfrascó en un extenso tour de 7 meses que con el apoyo de los video clips promocionales de 'Love Struck Baby' y 'Pride And Joy' en la rotación de MTV empujó el album que debutó en el puesto N° 38 de los charts Americanos hasta alcanzar el millón de copias vendidas solo en EUA, recibido por la prensa especializada como un impacto monumental en la revitalización del Blues y con Stevie Ray Vaughan saludado como lo más grande salido de Texas desde Johnny Winter. La aquí incluida es la edición remasterizada en 1999 y ampliada con 5 bonus tracks: un extracto de una entrevista con Stevie, un excelente Blues descartado de las sesiones ('Tin Pan Alley') y 3 temas grabados en vivo en el Hollywood Palace el 22 de Agosto de 1983. Un disco grandioso, el incio de la leyenda de SRV y un clásico imperedecero del Blues Rock.



Categoría: 80's | Vistas: 685 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 07-Jul-2011


A muchos quizá les extrañe la publicación de esta suite sinfónica en el blog, pero tuve 3 razones para hacerlo: primera porque es sin discusión alguna una de las obras más maravillosas en la historia de la música; segunda por ser uno de mis piezas musicales favoritas; y tercera por tener varias conexiones con el Rock que explicaré más adelante. The Planets fue compuesta entre 1914 y 1916 por el músico Inglés Gustav Holst (1874-1934), se estrenó de forma semi-privada en 1918 en la ciudad de Birmingham y vió su estreno público en el Queen’s Hall de Londres pocos meses después. Holst fue un profesor de música del St. Paul’s Girls’ School de Dulwich con una poco reconocida pero prolífica obra formada por óperas, ballets, piezas corales y canciones tradicionales. Fue el primer músico Occidental en interesarse por el espiritualismo Hindú, esto lo llevó a aficionarse primero a la astrología y de allí a la cosmología, y su fascinación por el sistema solar lo inspiró a componer la que sería su obra más conocida, una suite en 7 movimientos que describían en música y desde el punto de vista mitológico a cada uno de los 7 planetas conocidos entonces (salvo por La Tierra). Como todas las piezas musicales que de una forma u otra han roto esquemas, The Planets fue calando poco a poco en el gusto popular hasta convertirse en una de las obras orquestales más hermosas, emotivas y brillantes de la música contemporánea y un reto para todo director dado que fue concebida para una orquesta con una cantidad de instrumentos mucho mayor a la habitual. ‘Mars: The Bringer Of War’ es el primer movimiento y una de esas piezas que todos hemos oído alguna vez sin conocer su nombre; siendo Marte el Dios de la guerra la pieza tiene un andar marcial y una atmósfera intensa llena de tensión que vá creciendo paulatinamente hasta alcanzar un clímax similar al choque en una batalla final. ‘Venus: The Bringer Of Peace’ es en contraposición al anterior un movimiento de una belleza apacible y serena con un final lleno de hermosa calma y magia. ‘Mercury: The Winged Messenger’ está dedicado a Mercurio, el mensajero alado de los Dioses, y para lograr el efecto adecuado Holst eliminó los instrumentos más pesados de la orquesta para darle al movimiento ese aire de "ligereza alada”. Para ‘Jupiter: The Bringer Of Jollity’ Holst imaginó a Júpiter (el más grande de los planetas) como un bonachón y voluminoso personaje de pesado andar y afecto a los grandes placeres y es por ello que el movimiento rezuma de una gran y "pesada” jovialidad. Saturno es el más viejo de los planetas, por tanto ‘Saturn: The Bringer Of The Old Age’ describe el choque o la lucha interna de quien que se debate entre el final de la juventud y el inicio de la vejez con una sucesión de fuertes y contrastantes imágenes. ‘Uranus: The Magician’ tiene una estructura casi farsesca que simboliza las épicas y poco edificantes andanzas del Dios Urano. La suite concluye con ‘Neptune: The Mystic’; como Neptuno fue el último planeta descubierto para la época y era poco lo que se sabía de el este movimiento está envuelto en una atmósfera de "imprecisión” y de "viaje hacia lo desconocido” realzada por un etéreo coro femenino que casi imperceptiblemente se une a la música y se disuelve en un misterioso final como perdiéndose en la inmensidad del cosmos. The Planets es una obra que ha perdurado admirablemente en el tiempo y por alguna curiosa razón ha servido de inspiración a muchos músicos de Rock, especialmente por lo que se refiere al primer movimiento. La formación original de King Crimson, por ejemplo, tenía una adaptación de Mars en su repertorio que puede ser escuchada en la caja Frame By Frame y otras colecciones con material en vivo de la banda; la obsesión de Robert Fripp por esta pieza lo llevó a plagiarla nota por nota en el tema ‘The Devil´s Triangle’ del album In The Wake Of Poseidon. En la giras de Led Zeppelin de 1969 Jimmy Page incluyó el motivo de Mars como parte del tema ‘How Many More Times’. Una readaptación de la melodía de Mars se encuentra en la introducción de ‘White Room’ de Cream (Wheels Of Fire 1968) y en la de ‘Eyes Of The World’ de Rainbow (Down To Earth 1979). Por no hablar de la versión de Mars que cierra el único album de Emerson, Lake & Powell de 1987. En cuanto a los demás movimientos, Frank Zappa & The Mothers Of The Invention usaron el motivo de Júpiter en la pieza 'The Invocation and Ritual Dance of the Young Pumpkin' del album Absolutely Free (1966), mientras que Manfred Mann’s Earth Band incluyó en su album Solar Fire (1973) una relaboración de Júpiter titulada ‘Joybringer’ y una medley compuesta por Mercury y Saturn. En 1985 Rick Wakeman hizo una versión reducida de toda la suite; sé que la tocó en vivo pero ignoro si llegó a editarla. En el Jazz el gran John Coltrane se inspiró en el concepto de Holst para una suite dedicada al cosmos; el proyecto se truncó con la muerte del saxofonista en 1967 y parte de ese material apareció en 1974 en el disco póstumo Interstellar Space. Y estos son sólo algunos de los muchos ejemplos existentes. Mi admiración por esta obra me ha llevado a coleccionar unas cuantas versiones, dos son a mi juicio las mejores: una ejecutada por la London Philarmonic Orchestra y esta por la Orchestre Symphonique de Montréal editada por Decca en 1987 y con sonido fabuloso. Espero se animen a escucharla y que la disfruten.



Categoría: 80's | Vistas: 1070 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 30-Oct-2010

En la carpeta interior del disco Eno explicaba lo siguiente: "Como todo el mundo, me senté y observé el primer alunizaje y las películas de las misiones posteriores, pero por dos razones esa cobertura televisiva me dejó insatisfecho. En primer lugar, sentí que la pequeña pantalla con su color superficial resultaba insuficiente para la inmensidad del espacio: esto hizo que la transmisión pareciera una versión menor de ‘Star Wars’; en segundo lugar, me pareció que el temor de aburrir al público condujo a los editores y comentaristas a presentar las transmisiones desde el espacio con una dinámica tipo "noticiero” que resultaba irritante: tomas breves, cortes rápidos y demasiados expertos oscureciendo la grandeza y singularidad del evento con su charla insustancial…..” . Por lo aquí expresado y vista la evolución de Eno Apollo: Atmospheres & Soundtracks puede considerarse su proyecto más ambicioso hasta la fecha. Primero por el enorme reto que supuso describir con música la vasta amplitud del espacio infinito, una idea que sobrepasa la capacidad de comprensión del ser humano y por ende imposible de expresar con palabras. Y segundo porque le dió a Eno la oportunidad de trabajar por primera vez en música pensada para un soporte visual, algo para lo cual su estilo y propuesta parecían hechos a la medida. El proyecto le fue encomendado a Eno en 1983 por el realizador Al Reinert para un largometraje documental sobre las misiones Apollo que presentara una selección de filmaciones originales de la NASA en orden cronológico sólamente con soporte musical. El documental fue estrenado en algunas salas seleccionadas de Norteamérica y por poco tiempo con críticas dispares. Buscando una manera de llevar el film a un público más amplio los productores lo restructuraron (o mas bien lo arruinaron) agregándole narraciones, cambiando parte del soundtrack y rebautizándolo como "For All Mankind” para su restreno en 1989. Para este disco Eno compartió el crédito con 2 músicos: su hermano menor Roger y el guitarrista Franco-Canadiense Daniel Lanois. Aunque menos conocido que su célebre familiar Roger Eno es también un artista brillante por derecho propio; más orientado al piano y a la música clásica Roger se graduó en musicología y comenzó a trabajar en un hospital psiquiátrico como "terapeuta musical” (aplicando la entonces novedosa teoría de la musico-terapia). En 1983 debutó profesionalmente cuando Brian lo invitó a participar en este proyecto y a partir de ahí inició una prolífica carrera orientada primordialmente a la elaboración de bandas sonoras. Por su parte Daniel Lanois es uno de los artistas más interesantes de las últimas décadas con una excelente carrera musical de culto más su legendaria reputación como productor de los Irlandeses U2 en tandem con Brian Eno. Volviendo al disco, las 12 canciones que lo integran se catalogan en 3 bloques: ‘Under Stars’, ‘Under Stars II’ y ‘Stars’ son 3 variantes del mismo tema cuya función es trazar el hilo conceptual de la obra; estas junto a ‘The Secret Place’ y ‘Matta’ son reminiescentes de las atmósferas dark-ambient de On Land. ‘An Ending (Ascent)’ y ‘Drift’ tienen mayor musicalidad y recuerdan los mejores momentos de Music For Airports; ‘Ascent’ posee una serena e indescriptible belleza y es sin duda una obra cumbre en su estilo. Las piezas restantes (‘Silver Morning’, ‘Deep Blue Day’, ‘Weightless’ y ‘Always Returning’) con Daniel Lanois a la pedal steel guitar tienen una marcada influencia Country & Western, algo que a primera vista parece insólito pero que tiene más sentido de lo que parece: según Eno la suave cadencia melódica de la música Country y el etéreo vaivén de la pedal steel permiten recrear esa sensación de "ingravidez” que produce el ver los cuerpos flotando en el espacio. Si bien no pertenece formalmente a la serie Ambient este disco se inscribe perfectamente en la tendencia ambiental y con los años su impacto ha crecido en progresión geométrica influyendo en otros artistas y con algunos de sus temas usados en samplers y bandas sonoras. Edición remasterizada en 2004 con el sistema DSD.



Categoría: 80's | Vistas: 1632 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 28-Oct-2010

On Land fue la cuarta y última entrega de la serie Ambient y curiosamente la única junto a Ambient 1 a nombre de Eno. Ambient 2: The Plateaux of Mirror (1980) fue un trabajo a dúo con el pianista de vanguardia Harold Budd mientras que Ambient 3: Day of Radiance (también en 1980) fue producido por Eno para el multinstrumentista Norteamericano Laraaji. On Land es también el album más personal de toda la discografía Eno, el concepto nació en 1978 durante una visita de Brian al hogar paterno en su ciudad natal Woodbridge ubicada en una de las zonas más alejadas de Inglaterra llamada Anglia del este, una región de amplios y fríos paisajes donde el joven Eno creó su propio microcosmos explorando los alrededores en busca de lugares donde poder estar a solas consigo mismo. Y así como Ambient 1 fue concebido para espacios cerrados, este Ambient 4 lo fue pensando en los grandes espacios abiertos de su Anglia natal; el resultado es una música solitaria y en perfecta sintonía con muchos de los recuerdos de la niñez de su autor, y su impacto en el mundo de la música experimental fue tal que a partir de este disco se comenzó hablar de un sub género bautizado Dark Ambient. En una larga entrevista concedida en 1982 para una revista Italiana con motivo del lanzamiento del disco Eno explicó lo siguiente: "cuando era niño me regalaban a menudo juguetes sofisticados que captaban mi atención por un par de días pero luego volvía a los juegos simples… la grabación (de On Land) fue muy similar, tenía a la disposición mis sintetizadores y todos mis artefactos electrónicos pero no me atraían pues cada vez me interesaba más producir mis propios ruidos”… en efecto, muchos de los sonidos que se escuchan en el album fueron obtenidos "artesanalmente” sacudiendo cadenas, golpeando un cenicero con un mortero, soplando burbujas de agua con una pajilla o imitando sonidos de animales, todo ello electrónicamente procesado para alterar los sonidos originales; según Eno, estas eran las cosas que le gustaban hacer de pequeño. Todas las piezas tienen connotaciones personales y refieren a ubicaciones geográficas exactas: ‘Lizard Point’ es el punto más al sur de las Islas Británicas, ‘Tal Coat’ hace referencia a Pierre Tal-Coat, un pintor expresionista Francés cuyo estilo le inspiró a Eno el concepto de "paisajismo sonoro” característico de su música, ‘Lantern Marsh’ evoca una zona en las costas de Woodbridge que posee un viejo faro abandonado, ‘Unfamiliar Wind (Leeks Hills)’ es un pequeño bosque milenario que Eno descubrió a los 11 años y que solía visitar secreta y frecuentemente mientras que ‘Dunwich Beach’ es la playa donde el joven Brian iba a recolectar fósiles… a pesar de su aparente frialdad la música tienen un alto poder descriptivo y evocativo y no es muy difícil dejarse llevar y cerrar los ojos para visualizar las imágenes que aquella sugiere. Por cierto que para este album Eno diseñó un sencillo sistema de 3 altavoces y en la contraportada del vinilo original había un esquema para instalarlo. Para Eno este disco debía experimentarse "desde adentro” y la distribución de los altavoces (2 al frente y otro detrás de quien escucha) permite al oyente situarse virtualmente "dentro” del paisaje sonoro y no "frente” a el (para las ediciones en CD se eliminó toda referencia a dicho sistema). En mi humilde opinión esta es una de las mejores obras de Eno y mi favorita de la serie Ambient. Edición remasterizada en 2004 con el sistema DSD.



Categoría: 80's | Vistas: 1101 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 26-Oct-2010

The Moody Blues pertenece a la élite de bandas que en los años 60 abrieron nuevas vertientes en el proceso de diversificación del Rock. Tal y como comentaba en el primer post dedicado  a ellos, su segundo album Days Of Future Passed no sólo fue la primera obra conceptual de la era Pop, sino también la primera que utilizó una orquesta (en este caso la London Festival Orchestra) como un elemento más en la trama instrumental y no como un mero ornamento, sentando las bases de lo que más tarde sería conocido como Rock Sinfónico o Sinfonismo Pop. A pesar del enorme éxito de ese disco, la Decca no estaba dispuesta a seguir financiando proyectos con orquesta debido a los altos costos de producción, por lo que el tecladista de la banda Mike Pinder se volcó en el uso del melotrón, instrumento que conocía muy bien pues había trabajado para la casa que los fabricaba en Inglaterra. Fue así como a partir del segundo album In Search Of The Lost Chord, Moody Blues restructuraron su sonido adaptando el melotrón construído bajo las especificaciones de Pinder al esquema orquestal de sus canciones, e iniciaron su etapa dorada caracterizada por magníficos discos que combinaban Pop, Rock y Psicodelia con elementos clásicos, además de agotadores tours por todo el mundo, convirtiéndose en una de las bandas favoritas del público en el período 68-73. Pero tras la publicación del album Seventh Sojourn la banda decidió detenerse a descansar y dedicarse sus miembros a sus propios proyectos. Como el break era por tiempo indefinido, el productor Tony Clarke aprovechó la coyuntura para lanzar este doble recopilatorio llamado This is The Moody Blues que documenta la primera y más brillante etapa de los Moody Blues. Sin embargo no se trata del típico disco de grandes éxitos: en primer lugar, Clarke eligió las piezas de modo que los 5 miembros de la banda quedaran equitativamente representados como compositores (al igual que CSN&Y en EUA, los miembros de Moody Blues escribían por separado para luego juntar el rompecabezas que, curiosamente, sonaba como un trabajo colectivo). En segundo lugar el productor remezcló todas las canciones y las unió sin pausas entre ellas para dar la impresión de un album conceptual; el resultado fue unos de los recopilatorios más agradables de escuchar que se hayan editado, aún para el fan que tenga todos esas obras. El disco fue reditado en CD sólo una vez a finales de los 80 y lamentablemente no ha sido tomado en cuenta en las 2 ediciones remasterizadas de la discografía de los Moodies. Actualmente está fuera de catálogo, y la que aquí inlcuyo es la edición Alemana de 1989, con un excelente sonido (a pesar de no estar remasterizada) y un estupendo libreto.



Categoría: 80's | Vistas: 878 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 10-May-2010

close