 De todas la bandas provenientes de la oleada "alternativa" que triunfaron en los 90 The Black Crowes es la que guarda menor relación con dicha tendencia. Su música es puro y clásico Rock & Roll Americano, pudieron haber surgido en 1970 y muy pocos se habrían dado cuenta de ello en 1990. Aunque inspirados en bandas clásicas Británicas como Led Zeppelin, Humble Pie, Rolling Stones, The Faces, Free y en sus propias raíces Sureñas, The Crowes no son una imitación de sus influencias y tras 20 años de carrera nos han dejado una de las discografías más coherentes, vibrantes e imprescindibles de las últimas décadas. Por segunda vez en su historia la banda ha suspendido sus actividades por tiempo indefinido pero dejando la puerta abierta a un futuro retorno; Black Crowes han alcanzado un estatus en el que ya no tienen que demostrarle nada a nadie, son toda una leyenda y subirse al escenario sigue siendo para ellos una necesidad vital, no una obligación. Sus orígenes se remontan a 1984 cuando los hermanos Chris y Rich Robinson (vocalista y guitarrista respectivamente) forman en su ciudad natal Atlanta (Georgia) la agrupación Mr. Crowe's Garden. Para 1988 son un quinteto que incluye a los hermanos Robinson, el guitarrista Jeff Cease, el bajista Johnny Colt y el baterista Steve Gorman; una noche George Drakoulias (agente de artistas y repertorio del sello independiente Def American) los vé tocar en Nueva York y los contrata de inmediato. Los chicos se cambian el nombre a Black Crowes y al año siguiente entran en los estudios para grabar su primer album con la colaboración de Chuck Leavell (ex Allman Brothers) a los teclados. Lanzado en Enero de 1990 Shake Your Money Maker fue todo un éxito impulsado por los singles 'Hard To Handle' (versión de Otis Redding) y 'She Talks To Angels' (la primera melodía que Chris escribió a los 17 años). A finales de ese mismo año The Black Crowes fueron declarados "mejor nueva banda Norteamericana" por la prestigiosa revista Rolling Stone. En 1992 confirman su calidad con el album The Southern Harmony And Musical Companion, disco en el que incorporan a un sexto miembro (el tecladista Eddie Harsch) y remplazan a Jeff Cease por Marc Ford. El tour Europeo como teloneros de Los Stones en 1994 hizo que su tercer album Amorica (1994) se convirtiera en un gran suceso internacional; la consolidación defintiva llegó en 1996 con el lanzamiento de Three Snakes and One Charm. A pesar del éxito su relación con Def American se había deteriorado, según ellos Rick Rubin (presidente de Def American y legendario productor) se entrometía en los aspectos musicales de la banda; la ruptura llegó cuando en 1997 el sello se negó a lanzar el quinto album de Black Crowes titulado Band (en 1993 Rubin también les había vetado el album Tall). Cuando en 1998 Def American fue absorbido por Columbia Black Crowes prefieron irse con la multinacional quienes para sorpresa de todos les ofrecieron completa libertad y control sobre su música (una rara concesión de los grandes conglomerados). Poco antes de entrar a los estudios echaron a Marc Ford (cuya adicción a la heroína se había tornado un problema) y el bajista Johnny Colt decidió marcharse; con Sven Pipien al puesto de Colt y Chris Robinson tocando todas las guitarras Black Crowes pasó todo el año 1998 grabando el que sería su quinto album oficial lanzado en Enero de 1999 con el título de By Your Side. El disco representaba por un lado el retorno a las fuentes del primer album (Hard Rock & Boogie duro y directo) pero por el otro exploraba las raíces Soul de los hermanos Robinson. Este aspecto es en mi muy personal opinión lo más resaltante de un gran disco como se refleja en 'By Your Side', 'Only A Fool', 'Welcome To The Goodtimes', 'Diamond Ring' y 'Then She Said My Name', temas cargados de Soul en la mejor tradición del sello Stax/Volt, secciones de viento poniendo el contrapunto, coros deliciosamente Gospel, el estupendo órgano Hammond de Eddie Harsch de una solemnidad secular y Chris Robinson demostrando ser un vocalista como pocos quedan. Sin embargo The Crowes no olvidan su lado más visceral: 'Go Faster' y 'Kickin´ My Heart Around' abren el disco formando un auténtico terremoto sónico con la dura sección rítmica Pipien/Gorman golpeando como un martillo neumático, Rich Robinson desdoblándose entre afilados riffs y metálicos punteos (la parte de guitarra con slide en 'Kickin´ My Heart Around' es de antología) y la incisiva armónica de Chris en vuelo rasante. Las estupendas 'Horsehead' y 'Heavy' tienen aires a lo Zeppelin y son las piezas más heavies del album. 'Go Tell The Congregation' conjuga acertadamente todos los elementos anteriores mientras 'Virtual And Vice' cierra con broche de oro ofreciendo un soberbio contraste entre el lirismo del piano de Eddie y la aspereza de la guitarra de Rich. By Your Side no fue recibido con el mismo entusiasmo unánime de los 4 albumes anteriores pues mientras unos celebraban su renovada energía primaria y gran musicalidad otros los acusaron de copiar el Exile On Main Street de Los Stones en lo musical y a Rod Stewart en lo vocal además de catalogar sus incursiones en el R&B como "blandas"... por cierto que Rod alabó públicamente el disco calificándolo como brillante y comentando que lo había dejado literalmente noqueado. Es como un karma que persigue a todos los grandes del Rock, me refiero el ver como los mismos críticos musicales que inicialmente los encumbraron intentan posteriormente derribarlos del pedestal, solo que en el caso de Black Crowes estamos hablando de una banda que está muy por encima de modas y clichés superando en manera más que convincente el paso del tiempo y dejando para la posteridad albumes como este que jamás sonarán desfasados. |
 Blues Traveler son sin duda los herederos legítimos de las grandes jams bands de la historia del Rock como The Allman Brothers Band y Grateful Dead. Si bien es cierto que a finales de los 80 ya existía en EUA una oleada de bandas jóvenes que trabajaban en esa dirección fueron Blues Traveler los artífices para que la "jam" en el Rock dejara de ser sólo un recurso para convertirse en todo un movimiento. Fue idea de ellos la creación en 1992 del H.O.R.D.E. (Horizons Of Rock Developing Everywhere), un festival itinerante para que bandas con pocos medios económicos o carentes de apoyo corporativo pudieran presentarse en anfiteatros y locales de gran capacidad en Norteamérica. Esta iniciativa llevó a una nueva generación de melómanos a familiarizarse con el sonido de las jam bands (caracterizadas por dar extensos recitales alargando los temas con solos e improvisaciones colectivas) y fue determinante en la consolidación de agrupaciones como Widespread Panic, Phish, Gov't Mule, Moe y tantas otras. La historia se remonta a mediados de los años 80 cuando John Popper y Brendan Hill ambos estudiantes de secundaria en Princeton (Nueva Jersey) forman una agrupación llamada The Establishment Blues Band. Cuando en 1987 pasan a llamarse Blues Traveler ya habían consolidado su lineup ideal con Popper (cantante, armónica, guitarra), Hill (batería), Chan Kinchla (guitarra solista) y Bobby Sheehan (bajo). Tras graduarse el cuarteto fija su residencia en Brooklyn y comienza a tocar asiduamente por toda el area de Nueva York haciendo amistad con David Graham hijo del legendario promotor Bill Graham quien los toma bajo su protección y le organiza sus primeras giras por la costa este. Gracias a su creciente reputación sobre los escenarios reciben un día la visita (y respectiva propuesta) de un cazatalentos de A&M Records con quienes graban en 1990 su primer album homónimo que incluye el tema 'But Anyway', todo un hit en el circuito de las radios universitarias. A pesar del limitado impacto comercial Blues Traveler comienza a dar que hablar hasta el punto que su segundo album Travelers and Thieves (1991) cuenta con la colaboración de Gregg Allman en el tema 'Mountain Cry'. Debutan en el Show de David Letterman, espacio del que serán asiduos visitantes dada la admiración pública que les profesa el temperamental animador y esto les proporciona gran proyección en el horario estelar de la TV Norteamericana, sin embargo necesitan mucho más para llegar al gran público, especialmente tras la muerte de su mentor Bill Graham. Fue así como en 1992 inspirados en el éxito del Lollapalooza Festival de Perry Farrell crean el concepto de H.O.R.D.E. una asociación entre Blues Traveler y otras jam bands (Widespread Panic, The Samples, Spin Doctors, Aquarium Rescue Unit y Phish) para salir de gira juntos; el plan era tocar en recintos de gran capacidad a nivel nacional pero compartiendo los gastos para mantener bajo el precio de las entradas y así atraer mucha gente. La idea fue todo un éxito y Blues Traveler obtuvieron su primer suceso importante con el tercer registro Save His Soul (1993) pero la consagración llegaría con Four (1994) impulsado también por la apoteósica presentación del cuarteto en Woodswtock '94 que terminó por convertirlos en un espectáculo de masas y en una de las más importantes agrupaciones de los 90. Musicalmente Blues Traveler están arraigados en el típico sonido Americano de finales de los 60 con elementos de Folk, Blues, Psicodelia y Southern Rock pero sin sonar retros; sus canciones están muy bien construidas con buenas melodías y excelente ejecución sin embargo es en los recitales donde alcanzan su real dimensión. Es por ello que tras el exitoso tour de 1995 (ya como cabezas de cartel) el paso lógico era sacar un album en vivo que los mostrara en su ambiente natural, cosa que hicieron el 1996 con este estupendo doble CD titulado Live From The Fall. A pesar de estar muy bien compenetrados como banda cada músico sabe brillar con su propia estrella: John Popper es el elemento más reconocible gracias a su quejumbrosa voz pero sobre todo por su inventiva con la armónica, un instumento con un rango muy limitado pero que en sus manos y boca se convierte casi en un teclado de donde extrae los más ingeniosos sonidos. Chan Kinchla es un guitarra muy completo, su estilo es sólido e incisivo con preferencia por las distorsiones pero sin renunciar a las rápidas ráfagas de corte Jazzístico. Si te gustan los buenos bajistas seguro terminarás poniendo a Bobby Sheehan en tu lista de favoritos, un músico extraordinario que parece a veces un guitarra más en el contexto sónico. Brendan Hill no se queda atrás con su versatilidad como baterista, impecable en los cambios de ritmo y magnífico en la dupla con el bajista Sheehan. El repertorio es excelente y son por supuesto las piezas más largas los puntos álgidos donde la agrupación muestra su virtuosismo instrumental y capacidad para improvisar como en 'Closing Down The Park', 'Mountain Cry', 'Alone', 'Low Rider' (original de War, la banda de Soul/Rock fundada originalmente por Eric Burdon) y 'Sweet Talking Hippie' sin olvidar su buen hacer en los temas más concretos como 'But Anyway' o la versión de 'Imagine' que grabaron para el album homenaje a John Lennon Working Class Hero. Lamentablemente Blues Traveler sufrieron un duro golpe con la muerte de Bobby Sheehan en 1999 que los condujo a un semi-retiro que propició su explusión de A&M; volverían en 2003 con un nuevo bajista (Tad Kinchla, hermano de Chan) y el tecladista Ben Wilson manteniendo viva su leyenda hasta nuestros días aunque con ventas más moderadas. Otra gran banda de los 90 que merece ser tomada en cuenta por los seguidores de Rock más clásico. |
 Entre las bandas amparadas bajo el mal llamado "sonido Alternativo" y que a partir de los años 90 escribieron nuevas páginas brillantes en la historia del Rock no podemos dejar pasar el nombre de Counting Crows. Procedentes de Berkeley (uno de los grandes bastiones intelectuales y culturales de EUA) pero asentados en San Francisco Counting Crows pertenece a la élite de bandas noventeras que se deslindaron de los clichés del Grunge para emerger con un estilo propio que reivindicaba el sonido clásico del Rock de los 60 y 70 pero sin anacronismos y con la suficiente calidad para trascender en el tiempo. CC se iniciaron en 1991 como dúo acústico integrado por el cantante/compositor Adam Duritz y el guitarrista David Bryson, dando recitales por Berkeley y San Francisco con el acompañamiento ocasional del multinstrumentista David Immerglück; tras probar otros músicos logran estabilizarse en 1993 con Duritz, Bryson, Matt Malley (bajo), Steve Bowman (batería) y Charlie Gillingham (teclados, acordeón) estableciéndose definitivamente en Frisco (Immerglück rechazó integrarse como miembro oficial aunque aparecería en las grabaciones) y fichando con Geffen Records quienes quedaron gratamente impresionados tras escuchar un demo con 13 canciones del quinteto. Siendo aún unos desconocidos saltaron al ruedo mediático cuando ese mismo año de 1993 fueron elegidos para tocar en la ceremonia de inducción de Van Morrison al Rock & Roll Hall Of Fame, tras el lanzamiento en Septiembre de su primer album August And Everything After la banda se embarca en varios tours como teloneros pero el suceso del tema 'Mr. Jones' (N° 2 a nivel nacional gracias al respectivo video clip en la rotación de MTV) empujó el disco al N° 4 con 7 millones de copias vendidas convirtiendo a Counting Crows en una de las revelaciones del momento. El precio del éxito sería alto para Adam Duritz cuyo temperamento frágil lo llevó a sufrir más de un colapso nervioso pero la banda supo administrarse con sabiduría grabando de manera espaciada y alternando los tours con largos períodos de descanso, esta política les ha permitido llegar al 2011 con su potencial intacto dejando tras de sí una corta pero excelente discografía. August And Everything After es una obra impecable que, como todos los grandes discos en la historia, ha superado muy bien el paso del tiempo. La personalidad de Counting Crows descansa en la figura de Adam Duritz quien lleva la marca de los grandes cantautores Norteamericanos. Sus largas letras con ecos de Bob Dylan, Paul Simon, Van Morrison y Bruce Springsteen conforman un fascinante catálogo de historias y personajes de donde surgen perdedores, marginados o simplemente seres que no encajan en la sociedad, con temas que giran alrededor de la soledad, la incomunicación y la débil esperanza por un futuro incierto. La música del quinteto es el soporte perfecto a las historias que Duritz canta con su histriónica y expresiva voz, sin solismos pero con brillantes desarrollos que se adaptan mágicamente al tono sombrío de las composiciones. Para quienes no los conozcan Counting Crows pueden sonar como una versión noventera de The Band con elementos de REM: Rock solenmne, rico en detalles pero lleno de vida; David Bryson teje emotivas y multicolores figuras con su guitarra que ocasionalmente se elevan en densos y sólidos punteos muy bien controlados, la pulsación rítmica de Matt Maley & Steve Browman son el punto de equilibrio que impide que los temas se desboquen o se hundan en los fosos de la depresión, el órgano Charlie Gillingham es de una sencillez y una solemnidad casi seculares que refuerza el tono melancólico de las ejecuciones mientras que el miembro no oficial David Immerglück pone el toque "Americano" con su gama de instrumentos tradicionales (mandolinas, pedal steel, dobro). El disco cuenta además con la brillante producción de T-Bone Burnett, cantautor Norteamericano con una larga carrera de culto desde 1972. Citar temas en un album tan parejo resulta dificil: el peso específico está en las piezas más oscuras ('Perfect Blue Buildings', 'Sullivan Street', 'Ghost Train', 'Raining In Baltimore') con otras más vitales que hacen un contraste muy efectivo ('Omaha', 'Anna Begins', 'Rain King'); en lo personal me fascinan las piezas que arrancan lentamente y van ganando altura en la medida que se desarrolla la historia ('Round Here' que abre el disco, la maravillosa 'Time And Time Again' y el tema de cierre 'A Murder Of One') sin olvidar por supuesto la contagiosa alegría de 'Mr. Jones', un clásico del Rock donde lo pongan. ¿Piensas que exagero poniéndolos por el cielo al nivel de los grandes?, pues escúchalos y verás. Como escribió una vez el editor de Allmusic Stephen Thomas Erlewine: "una de las pocas bandas alternativas capaces de gustar a los que piensan que el Rock & Roll murió en 1972". |
 En los 80 la prensa musical pareció obsesionarse con las etiquetas catalogando con términos curiosos cualquier nueva tendencia en el Rock. Así el Jangle Pop surgió como un género dentro del Rock alternativo para referirse a las bandas que combinaban el sonido áspero y crudo del Punk con melodías Pop, armonías vocales, elementos Country/Folk y juegos guitarrísticos de inspiración Byrdsiana, de hecho el término "Jangle" (extraído de Mr. Tambourine Man) hacía referencia al tintinear de la guitarra eléctrica de 12 cuerdas introducido por The Beatles en A Hard Day's Night pero difundido por The Byrds con sus 4 primeros y legendarios registros. Gin Blossoms fue una de las bandas más características del género con una carrera exitosa entre 1992 y 1996 que se cortaría abruptamente en 1997 por razones extra musicales. Procedentes de Tempe (Arizona) Gin Blossoms se formaron en 1987 estabilizando su lineup en 1989 con el cantante Robin Wilson, los guitarristas Doug Hopkins & Jesse Valenzuela, el bajista Bill Leen y el baterista Phil Rhodes. Con Hopkins y Valenzuela proveyendo la mayor parte del material Gin Blossoms sorprenden gratamente en 1989 con un album producido y editado de manera independiente por ellos mismos (Dusted) llamando la atención de la multinacional A&M que terminó fichándolos en 1990. El extended Play Up And Crumbling (1991) y su primer album oficial New Miserable Experience (1992) son la catapulta hacia el éxito masivo, sin embargo las sesiones de este último fueron una pesadilla: Doug Hopkins sufría de depresión y se pasó casi todo el tiempo borracho, A&M amenazó con cancelar el album y Gin Blossoms tomó la difícil decisión de prescindir de su amigo y principal autor remplazado por Scott Johnson quien sin embargo no tocó en el disco aunque se le incluyó en los créditos. New Miserable Experience llegó al puesto 30 de Billboard (otros charts lo ponían en el N° 1 pero lo que diga Billboard es palabra santa en EUA) y colocó 6 singles en el top 40 (uno de ellos 'Found Out About You' entró 2 veces en 1993 y 1995), sin embargo el suceso quedó opacado cuando Hopkins se suicidó en 1993 marcando el futuro de sus ex compañeros para siempre. Las sesiones para el trabajo sucesor fueron un desastre y los únicos temas rescatables salieron en el extended-play Shut Up And Smoke (1994) hasta que 1996 la banda logró culminar su segundo album Congratulations I'm Sorry, su trabajo más exitoso (top 10 a nivel nacional); desgraciadamente Gin Blossoms jamás se recuperaron por la pérdida de Hopkins, el precio de la fama los hizo caer en una espiral de alcohol y drogas y en 1997 anunciaron su disolución aunque volvieron en 2002 grabando 3 nuevos albumes (uno de ellos en vivo) y manteniéndose activos en 2011 con una formación remozada. A pesar de las críticas que los acusaban de repetirse Congratulations I'm Sorry fue un muy buen album, no al nivel de su obra maestra pero lleno de estupendas melodías que han resistido muy bien el paso del tiempo. El brillante single 'Day Job' abre el album de la mejor manera ofeciendo una ejecución sólida, compacta llena de garra y 'punch' al igual que la excelente 'Follow You Down', puro Power-Pop de carretera con punzantes guitarras y deliciosos acentos Sureños de parte de la armónica. La herencia Byrds es innegable en 'Highwire', 'Not Only Numb' y 'As Long As It Matters', 3 piezas melódicamente perfectas con algunas de las mejores armonías vocales grabadas en los 90. Pero tras la deliciosa 'Perfectly Still' el nivel decae: 'My Car', 'Virginia' y 'Whitewash' son temas sólidos de buena factura pero muy similares entre sí y que para muchos no fueron más que el reflejo del enorme vacío compositivo dejado por Doug Hopkins. Por fortuna el disco toma altura nuevamente en el tramo final (aunque sin el impacto de la primera mitad) con la colorida 'I Can´t Figure You Out', el sabor Country de 'Memphis Time', 'Competition Smile' y la hermosa 'Til I Hear It From You' grabada un año antes para el soundtrack de la película Empire Records y solamente incluida en sucesivas rediciones de este segundo album. En resumen Congratulations I'm Sorry no será precisamente un clásico pero sí un disco que 15 años después aún suena fresco y está a cientos de años luz en comparación con el mediocre Rock de este nuevo milenio. |
 En mi opinión los años 90 (específicamente el período 1990-1998) fue el último momento de esplendor que vivió el Rock. Habiendo perdido Gran Bretaña la posición hegemónica que detentaba desde la aparición de Los Beatles, Estados Unidos de América se convirtió en un vivero de bandas jóvenes llenas de vitalidad y rebosantes de ideas, bandas que dejaron el más valioso y perdurable legado musical de las últimas 2 décadas. A diferencia de los Punks 15 años antes esta nueva oleada se caracterizaba por reivindicar el clásico sonido del Rock de los 70 y el éxito que obtuvieron fue determinante en la revalorización y remitificación de leyendas como Led Zeppelin, Black Sabbath, David Bowie, Velvet Underground, Neil Young o Bob Dylan. Varios de esos entonces nuevos artistas dejaron su sello en la historia del Rock a base de grandes discos llenos de estupendas canciones y sin duda que el nombre de Blind Melon es uno de los de más grata recordación. Se formaron en la ciudad de Los Angeles en 1989 con músicos provenientes de diferentes zonas del país: el cantante Shannon Hoon llegó procedente de Indiana, el guitarrista Christopher Thorn de Pensilvania; los otros 3 miembros el también guitarrista Rogers Stevens, el bajista Brad Smith y el baterista Glenn Graham eran sureños originarios de Mississippi. Como cada vez que ha surgido una nueva corriente en el Rock, Blind Melon fueron a parar involuntariamente en el mismo saco de Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains, etc. catalogados como Grunges o Alternativos, sin embargo ellos navegaban contra la corriente con un estilo muy personal de corte neo-psicodélico donde se entrecruzaban el Hard Rock de Led Zeppelin, sonidos de la Costa Oeste (Grateful Dead, Jefferson Airplane) y la herencia Folk/Blues sureña de Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd. Después de grabar una demo que infructuosamente recorrió varias disqueras la gran oportunidad les llego de rebote: Shannon Hoon y el pesado+pretencioso de Axl Rose eran amigos de la infancia y éste invitó a aquél a las sesiones de Use Your Illusion en 1991; Hoon puso su voz en 'Don´t Cry' y apareció en el respectivo video clip, de repente las más importantes casas discográficas en California se los peleaban y Blind Melon terminó firmando con Capitol. El homónimo album debut salió en el otoño de 1992 e inicialmente no tuvo gran impacto, pero el sucesivo éxito del tema 'No Rain' convirtió a Blind Melon en una de las bandas de moda pasando de teloneros (Lenny Kravitz, Neil Young, Ozzy Osborne) a encabezar sus propios espectáculos, tocando en los espacios más codiciados de la TV Norteamericana y recibiendo nominaciones a los premios Grammy. En 1994 la banda comienza a grabar su segundo album y las sesiones se interrumpen varias veces por razones tan diversas como la aparación de Blind Melon en la réplica del Woodstock Festival, su papel de teloneros en parte de la gira Norteamericana de Los Rolling Stones y la rehabilitación de Shannon de su adicción a las drogas. Soup salió en el verano de 1995 y en contra de la opinión de los médicos que lo atendieron en su rehabilitación Hoon se empeñó en salir de gira para promocionarlo; todo marchaba bien pero, tras regresar de un breve tour Europeo, el 21 de Octubre de 1995 el destino les da un portazo en la cara cuando Shannon apareció muerto en el bus de la gira de un paro cardíaco debido a una sobredosis de cocaína. En 1996 la banda saca el CD Nico con decartes de estudio y tras un hiato de 3 años anuncian su separación para reaparecer en 2006 con nuevo cantante (Travis Warren) y en 2008 con nuevo album (For My Friends). Al igual que el album debut Soup tuvo una fría recepción pero tras la muerte de Hoon las ventas se dispararon, y a pesar de las críticas dispares que recibió en su momento se trata de un gran album, el mejor de los dos que hizo BM en los 90 y una obra que merece ser recordada por siempre. Aquí el sonido vibrante del primer disco se enriquece con cierta experimentación y mayor apertura a la raíces Folk/Psicodélicas de Blind Melon. El material está más condensado en "canciones" con menos espacios para las jams instrumentales pero con melodías más sólidas y esmero en los detalles. Hay una contraposición de elementos eléctricos y acústicos muy bien lograda con armónica, madolina, banjo, contrabajo, cello y vientos contrastando el sólido trabajo de Stevens & Thron a las guitarras y la musculosa sección rítmica de aires Funk/Jazz que aportan Smith y Graham; Shannon tiene una voz metálica con inflexiones de Rhythm & Blues que por momentos suena como un instrumento más. Las canciones son, repito, muy variadas con letras que expresan sentimientos y situaciones opuestas a la música y reflejan en parte el caos por el que pasaba Hoon: así '2x4' hace apología a los efectos de la heroína, 'Skinned', 'Car Seat' y 'St. Andrew´s Fall' descubren escabrosos personajes de la vida real tristemente célebres como asesinos y suicidas, pero también manifiesta alegría y esperanza por el nacimiento de su hija en 'New Life'. El album se grabó bajo la producción de Andy Wallace en la ciudad de Nueva Orleans y eso explica el porqué inicia y termina con una melodía de Jazz callejero de los años 20 típico de esa ciudad. El último tema 'Lemonade' tras un silencio de casi 3 minutos culmina con una efectiva jam semi-acústica que incomprensiblemente fue amputada en sucesivas rediciones del CD. En mi humilde opinión Soup es una obra maestra del Rock de los últimos 20 años. Si te gusta Led Zeppelin III por la sugestiva combinación de sonidos Hard Rock y Folk seguramente te sentirás a gusto con Soup. |
 Curiosa trayectoria la de J.J. Cale. A pesar de una larga carrera que sobrepasa los 50 años durante los cuales ha adquirido de manera más que merecida el estatus de leyenda, Cale es sin embargo un artista de culto, un músico talentoso reservado a una "inmensa minoría". Lo más cercano que Cale ha estado del éxito comercial fue con el tema 'Crazy Mama' en 1972 manteniéndose desde entonces como espectador del éxito de sus canciones en manos de otros: Eric Clapton ('After Midnight' y la más que célebre 'Cocaine'), Lynyrd Skynyrd ('Call Me The Breeze' y 'I Got The Same Old Blues'), Santana (Sensitive Kind') y un largo etcétera que incluye a gente tan disímil como Bryan Ferry, Kansas, Dr. Hook, Waylon Jennings, Johnny Cash, The Band, Allman Brothers y Captain Beefheart. En términos de influencia J.J. Cale dejó una marca profunda en el cambio de estilo que Eric Clapton adoptó con su album 461 Ocean Boulevard de 1975, cuando Dire Straits sorprendieron al mundo en 1978 con su espléndido disco debut muy pocos advirtieron que Mark Knopfler (líder de la agrupación) era la versión Británica (mas no una copia) de J.J. Cale en cuanto al estilo de guitarra y manera de cantar, mientras que el "sonido J.J. Cale" ha dejado huella en gente como Neil Young,Tom Petty & The Heartbreakers y The Jayhawks así como bandas y artistas más cercanos en el tiempo (Sheryl Crow, Counting Crows, Lucinda Williams). Pero ante todo J.J. Cale pasará a la historia como un músico honesto e íntegro, un artista fiel a sus principios, completamente ajeno a las modas, imposiciones de las casas discográficas y obligaciones promocionales (cuando en 1972 'Crazy Mama' comenzó a subir en las listas Dick Clark lo contrató para aparecer en American Bandstand, sin embargo Cale rechazó la oportunidad de proyectarse a nivel nacional cuando el director del programa le informó que él y su banda no podían tocar en vivo sino doblar la canción). Sus entrevistas han sido contadísimas, la vida estable derivada de las ganancias que recibe por concepto de derechos de autor le ha permitido grabar libre de presiones y ataduras, y aunque habría podido llevar una vida más glamorosa, Cale ha sido feliz viviendo en su casa rodante aparcada en las afueras de la ciudad de turno... en fin, estamos hablando de un auténtico ser humano, un artista con los pies bien puestos sobre la tierra y que jamás renunció a su don de gente para convertirse en una inalcanzable Rockstar. John Weldon Cale nació el 5 de Diciembre de 1938 en Oklahoma City pero de niño su familia se mudó a Tulsa; como muchos jóvenes blancos Sureños Cale se interesó desde muy joven por la música aprendiendo a tocar la guitarra influído por Chet Atkins, Les Paul, Chuck Berry y escuchando Bluesmen locales como Clarence "Gatemouth" Brown y Billy Butler. A finales de los 50 Cale comenzó a moverse por la escena Rock & Roll de Tulsa trabando amistad con futuros colaboradores y leyendas: Leon Russell, Carl Radle, David Gates (fundador de Bread) y Jimmy Karstein (por años su baterista). En 1964 Cale se traslada a Los Angeles, toca regularmente en el club Whiskey A-Go-Go (donde el dueño, Elmer Valentine, lo bautiza J.J. Cale sin razón aparente) y allí conoce a Snuff Garrett, jefe de Artistas y Repertorio del sello Liberty, quien lo contrata para una disquera que estaba formando (Viva Records). En 1966 Cale arma con algunos amigos una banda llamada The Leathercoated Minds y Viva les lanza el album de orientación psicodélica A Trip Down The Sunset Strip que es rotundamente ignorado. Durante los siguientes 4 años Cale se dedicó a trabajar como asistente de producción (primero con Garrett y luego con el socio de este llamado Audie Harsworth), tocar y grabar demos con sus propias canciones; el momento decisivo llega cuando su amigo el bajista Carl Radle le pone a Eric Clapton una cinta con la demo del tema de J.J. 'After Midnight', estusiasmado Eric graba la pieza y la incluye en su primer album solista homónimo en 1970. Dispuesto a aprovechar la coyuntura Audie Harsworth convence a Cale de regrabar el tema con miras a un album y convertido en su mánager logra que Shelter Records (una nuva disquera formada por Leon Russell y el Británico Denny Cordell) lo contrate. Musicalmente El debut de J.J. Cale titulado Naturally (1972) inaugura el llamado "Tulsa Sound" que combina Rock & Roll, Country, Blues y R&B con elementos Jazzísticos y Cajún, el tema 'Crazy Mama' llega al puesto N° 22 a nivel nacional pero el album tiene una recepción muy modesta. Sin embargo el talento de Cale no pasaría desapercibido, muchos artistas comenzaron a grabar sus composiciones y su estilo a la guitarra (una especie de rasgueo/punteo ralentizado bautizado por el propio Cale con el término laid-back) sería ampliamente imitado. Consciente de esta realidad J.J. Cale se limitó en los años sucesivos a hacer albumes espaciados en el tiempo sin condicionamientos comerciales, obras estupendas que cimentaron su leyenda como uno de los más grandes cantautores Americanos (Really en 1973, Okie en 1974, Troubadour en 1976, 5 en 1978, Shades en 1981, Grasshopper en 1982 y 8 en 1983) tras las cuales nuestro héroe, quien ciertamente no necesitaba grabar para mantenerse, entra en un período de reclusión roto en 1990 por el album Travel Log y que se extiende hasta nuestros días con su talento intacto y mayor predisposición a hablar con la prensa y tocar en vivo especialmente en Europa donde sus discos siempre fueron mejor recibidos. El presente doble CD Anyway The Wind Blows es la mejor introducción a la música de J.J. Cale, 50 temas remasterizados que cubren toda su carrera hasta entonces; todos sus clásicos están aquí junto a piezas menos conocidas y 6 temas completamente inéditos por lo demás magníficos. El libreto de 28 páginas es también excelente con un largo texto biográfico e información sobre el material incluido. No voy a entrar en detalles sobre las canciones, baste con decir que si has escuchado alguna vez 'Call Me The Breeze', 'After Midnight', 'Magnolia', 'Cocaine' o 'I´ll Make Love To You Anytime' sería bueno que conocieras al autor de estas y otras maravillas y descubras de dónde otros han sacado sus ideas. |
 Masterplan es una disquera independiente "especializada" en ediciones semi-oficiales mayormente en DVD con recitales de los grandes del Rock. Lo pongo entre comillas porque si bien los títulos que ofrecen son interesantes la calidad es terrible; no me explico cómo tiendas virtuales tan prestigiosas (Amazon, CD Universe) ofrezcan el catálogo de Masterplan sin tan siquiera una pequeña advertencia sobre la calidad; las secciones de comentarios de estos lanzamientos muestran la decepción de los muchos incautos que han pagado por ellos y tampoco entiendo como los artistas no los han demandado aún. No obstante entre tanta basura puede encontrarse algún título decente como el DVD Boogie With Stevie con un recital de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble efectuado en Daytona Beach (Florida) en 1987; si bien la imagen es mediocre el sonido es muy bueno alcanzando precios prohibitivos debido a lo difícil que es conseguirlo hoy en día. En 2007 Masterplan sacó la respectiva versión en CD agregando como bonus un segundo compacto con parte del recital que SRV & DT dieron en la convención anual de Columbia Records efectuada en Honolulu (Hawaii) en 1984. El recital de Daytona Beach incluye la misma formación de Double Trouble que grabó el album Soul To Soul (1985) con el tecladista Reese Wynans como nuevo miembro, en aquella época Stevie y el bajista Tommy Shannon estaban recuperándose de sus adicciones a la cocaína y el alcohol y la banda se dedicó a tocar sin parar para cubrir las enormes deudas que había contraído. El sonido es muy bueno (aunque algo menos claro que en el DVD) y nos presenta a unos Double Trouble en plena forma tocando buena parte del repertorio de Soul To Soul; estupendas son la intensa interpretación del Blues original 'Ain´t Gone 'n' Give Up on Love', 'Couldn´t Stand the Weather', 'Willie The Wimp' (una habitual de su repertorio aunque jamás grabada en estudio) y la potente y eléctrica cover de 'Superstition' de Stevie Wonder, sin embargo todo el concierto es impecable. Honolulu '84 ya es otra historia: el sonido es como máximo regular, con fluctuaciones y un infame corte a la mitad de 'Stang´s Swang' que te hará acordarte de la madre del presidente de Masterplan, pero ecualizándolo adecuadamente vale la pena escucharlo pues se trata de una performance soberbia; parte de las piezas provienen de Couldn´t Stand the Weather (el segundo album del trío apenas puesto en circulación) y cuenta con la presencia de ilustres invitados: el guitarrista Jimmie Vaughan (hermano mayor de Stevie y líder de The Fabulous Thunderbirds) en 6 temas, la cantante Texana Angela Strehli (que en los 70 militó con Stevie en Paul Ray & The Cobras) en 3 piezas, y el legendario e inmortal Jeff Beck en las últimas 4. A pesar de la calidad sonora hay magníficas interpretaciones tales como el Blues 'Things That I Used to Do' (con Stevie y Jimmie a dúo), Angela Strehli exhibiendo su excelente voz de "Lady Blues" en 'You Were Wrong', 'Lonely Teadrops' (del recordado cantante de R&B Jackie Wilson) y el Blues 'Don´t Fall For Me Baby' y la participación de Jeff Beck en los instrumentales 'Wham!' y 'Jeff´s Boogie' rescatada de su época Yardbirds. Astutamente Masterplan dejó fuera los 2 únicos temas de este recital disponibles oficialmente en la caja SRV con el fin, supongo, de evitar demandas (el mosaico formado por 'Little Wing' y 'Third Stone From The Sun' ambas de Jimi Hendrix). Resulta difícil de creer que no existan master tapes de estas 2 actuaciones y ojalá que en un futuro cercano sus herederos se decidan a lanzarlas con sonido a la altura. Un CD estrictamente para fans del gran y siempre recordado Stevie Ray Vaughan. |
 El extenso Texas Flood tour que recorrió Norteamérica y gran parte de Europa dejó muchos estupendos recitales de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble para la posteridad, uno de los más legendarios tuvo lugar el día 11 de Julio de 1983 en el club El Mocambo ubicado en la ciudad de Toronto (Canadá). Abierto en 1850 El Mocambo jugó un papel determinante en la difusión de la música popular en la metropoli Canadiense alcanzando su máximo status en la década de los 70 del siglo XX cuando se convirtió en bastión del Blues (en la época en que esta música vivía sus horas bajas en cuanto a popularidad) y albergó en 1977 a los Rolling Stones en un célebre recital parcialmente plasmado en su album en vivo Love You Live. El album Texas Flood había logrado gran popularidad y los comentarios sobre la explosiva química que SRV y su banda tenían sobre el escenario había creado gran expectativa por verlos. Fue así como ante un club repleto en su modesto aforo Stevie Ray Vaughan & Double Trouble ofrecieron una actuación corta con un despliegue escénico y sonoro normal dada las dimensiones del lugar pero que despejaba toda duda respecto a un artista nacido para escribir nuevas páginas brillantes en la historia del Rock y el Blues. Los ánimos se encienden desde el mismo incio con dos instrumentales a manera de abreboca que reflejan el poder del trío: 'Testify' (que ya había tomado su lugar como tema de apertura en casi todas las apariciones) y el explosivo inédito 'So Excited', sobre todo el primero donde Stevie, Tommy & Chris trabajan por separado pero logrando a la vez una cohesión alucinante. De allí en adelante se van sucediendo 6 temas del primer album: 'Pride And Joy', 'Tell Me', 'Mary Had a Little Lamb' y 'Love Struck Baby' ya de por sí excelentes en el disco pero que alcanzan su real dimensión sobre el escenario con un magnetismo tal que hace vibrar la música en tu interior. El extásis del público puede percibirse claramente en los dos momentos de máxima compenetración entre Stevie y banda, la abrasiva 'Texas Flood' con un break de guitarra absolutamente fantástico en uno de los grandes Blues jamás ejecutados por una banda de Rock (me vienen a la mente los ejemplos de 'Machine Gun' de Hendrix y 'Since I´ve Been Loving You' de Zeppelin) y la melancólica 'Lenny' donde los músicos y la gente crean una atmósfera casi mística como si de una experiencia religiosa se tratase. Intercaladas con el material conocido se escuchan 4 piezas favoritas de Stevie: el tributo a su admirado Jimi Hendrix con una vibrante 'Voodoo Child' (Slight Return)' y una espectacular 'Third Stone From The Sun' donde SRV despliega todo su arsenal de recursos guitarrísticos mientras Tommy & Chris lo siguen brillantemente en una sincronización casi telepática, junto a una 'Hug You, Squeeze You' de John Lee Hooker (una fija en casi todos los recitales) y 'Wham!' de Lonnie Mack en un homenaje a uno de sus primeros ídolos en el que Stevie demuestra su gusto por el Rock instrumental de los primeros años 60; según el guitarrista declaró en varias ocasiones fue el primer disco que compró en su vida y lo puso tantas veces que su padre, harto, lo hizo añicos lanzándolo contra la pared. Live At The El Mocambo no ha sido nunca lanzado en CD pero sí en DVD y el aquí presente es el audio extraído de mi DVD original; espero haya quedado bien y que sea de su completo agrado. Una actuación sencillamente imperdible tanto para fans como para curiosos. |
 En mi opinión muy personal Stevie Ray Vaughan fue el último de los grandes guitarristas clásicos del Rock, el último "true original". Esta afirmación puede sonar exagerada teniendo en cuenta que Stevie compartió la escena de los 80 con figuras tales como Eddie Van Halen, Randy Rhoads, Joe Satriani, Steve Vai o Yngwie Malmsteen, virtuosos indiscutibles poseedores de talento natural y una técnica depuradísima pero que les faltaba lo que a Stevie Ray le sobraba: expresividad, emoción y sensibilidad. SRV nació en Dallas (Texas) en 1954 y al igual que otro de los grandes "guitar slingers" de la región (su paisano Johnny Winter) se formó dentro del llamado Texas Blues, variante que combinaba el más puro Blues del sur con el Western Swing y caracterizada por cierto gusto por la improvisación. Siendo 10 años menor que Johnny, Stevie se nutrió de la escena musical de los 60, sentía gran admiración por la elegancia y el sentimiento de Eric Clapton y sobre todo por la inventiva de Jimi Hendrix, lo que junto a su pasión por el Blues (T-Bone Walker, Freddie King, Albert King, Otis Rush, Buddy Guy) y otras influencias dispares (el Rockabilly instrumental de Lonnie Mack, el Jazz de Kenny Burrell, el Soul de Johnny "Guitar" Watson) lo empujó a experimentar con las tonalidades hasta dar con su propio estilo original e inimitable. Al igual que otros guitarristas Stevie estableció un vínculo casi espiritual con su instrumento, una Fender Stratocaster adaptada para lograr "el sonido" que siempre había buscado bautizada Lenny (el nombre de su esposa) y de aspecto único con gran parte de la capa de pintura desprendida y las siglas SRV en letras brillantes. Tras probar suerte con diversas bandas durante casi todos los 70 Stevie forma Double Trouble en 1979 como quinteto pero no sería hasta 1981 que la formación se consolidaría como trío con Tommy Shannon (ex bajista de Johnny Winter) y el baterista Chris Layton constituyendo uno de los grandes power trios de todos los tiempos. Aún sin un disco en la calle SRV & DT se estaban convirtiendo en un fénómeno: en 1981 dieron un recital privado para Los Rolling Stones en Nueva York, en 1982 fueron los primeros artistas sin un album en el mercado que tocaban en el Jazz Festival de Montreux (Suiza) y en 1983 Stevie fue seleccionado por David Bowie para tocar en su album Let's Dance; estos sucesos hicieron que el debut discográfico de SRV & Double Trouble lanzado en Junio de 1983 con el título de Texas Flood estuviera rodeado de gran expectativa. El momento parecía el menos propicio, el Synth-Pop o Techno-Pop dominaba la escena, el Rock con sabor añejo era visto con cierta repugnancia y se auguraba que las guitarras eléctricas sucumbirían ante el avance de los sintetizadores (de hecho muchos Rockeros comenzaron a usar guitarras sintetizadas)... pero eso no fue impedimento para que Texas Flood se convirtiera en todo un éxito, haciendo renacer de sus cenizas al auténtico sonido del Rock (ese que nunca morirá), llevando el Blues hacia altas cotas creativas y de popularidad jamás soñadas y estableciendo a Stevie Ray Vaughan como el más grande guitarrrista de su tiempo. Aprovechando al máximo las 72 horas de grabación que Jackson Browne les regaló en sus propios estudios (en Noviembre de 1982) Stevie, Tommy y Chris grabaron a la vieja usanza (los 3 juntos y en pocas tomas) sin embargo Stevie no quedó satisfecho con su voz y las partes vocales se regrabaron en Enero de 1983; sea como sea el resultado fue una auténtica obra maestra. Básicamente Texas Flood era un reflejo del repertorio que el trío tocaba en sus recitales. el tema de apertura 'Love Struck Baby' es toda una declaración de intenciones, una pieza de estructura Blues con un ritmo Shuffle casi marcial y riffs de guitarra al mejor estilo de Chuck Berry que demuestran la gran versatilidad de Stevie a la hora de desplegar su abanico de influencias. La trepidante versión instrumental de 'Testify' (original de The Isley Brothers) es una excelente tarjeta de presentación para las habilidades de Stevie y de hecho se convertiría en la apertura de casi todos sus recitales. 'Rude Mood' es un torbellino rítmico de Boogie muy cercano al Rockabilly sobre el cual Stevie suelta rápidas figuras guitarrísticas de sabor Jazzístico. En el Blues original 'Dirty Pool' Stevie demuestra nuevamente su talento con una ejecución muy limpia, casi acústica exhibiendo un impresionante rasgueo de guitarra como si de un llanto se tratase. Dado que 'Pride And Joy' y 'I´m Cryin´' son prácticamente iguales (según leí son en efecto la misma canción con algunos cambios) quedémonos con la primera, uno de los temas más populares de Stevie Ray Vaughan & Double Trouble, Blues en uptempo estupendamente conducido por Stevie con un par de solos que literalmente hacen arder los oídos. 'Lenny' (el cierre del album dedicado a su esposa) propone el lado más relajado e intimista de Stevie en una de sus más hermosas ejecuciones, un instrumental tranquilo y evocador donde nuestro héroe traza deliciosas figuras Jazzísticas que permanecen flotando en el aire incluso después de haber dejado de sonar. Los 3 temas restantes son versiones donde SRV rinde tributo a sus raíces Bluesísticas; el tema homónimo fue escrito y grabado originalmente en 1958 por un desconocido Bluesman Texano llamado Larry Davis, una de las máximas influencias de Stevie especialmente en la manera de cantar; 'Texas Flood' es un estupendo Blues que en vivo se convertiría uno de los momentos cumbre gracias al fantástico break instrumental con punzantes solos en los que Stevie extrae de su guitarra los más increíbles sonidos a la vez que exhibe sus dotes de frontman haciendo el solo central poniendo la guitarra a sus espaldas. Las versiones de 'Tell Me' de Howlin' Wolf y 'Mary Had A Little Lamb' de Buddy Guy mantienen su estructura original pero en las manos de Stevie & Double Trouble suenan más vibrantes y exhuberantes, especialmente la primera donde Stevie demuestra poseer también una estupenda voz de Bluesman. Tras el lanzamiento el trío de enfrascó en un extenso tour de 7 meses que con el apoyo de los video clips promocionales de 'Love Struck Baby' y 'Pride And Joy' en la rotación de MTV empujó el album que debutó en el puesto N° 38 de los charts Americanos hasta alcanzar el millón de copias vendidas solo en EUA, recibido por la prensa especializada como un impacto monumental en la revitalización del Blues y con Stevie Ray Vaughan saludado como lo más grande salido de Texas desde Johnny Winter. La aquí incluida es la edición remasterizada en 1999 y ampliada con 5 bonus tracks: un extracto de una entrevista con Stevie, un excelente Blues descartado de las sesiones ('Tin Pan Alley') y 3 temas grabados en vivo en el Hollywood Palace el 22 de Agosto de 1983. Un disco grandioso, el incio de la leyenda de SRV y un clásico imperedecero del Blues Rock. |
 No creo que a estas alturas sea necesario explicar quien fue Stevie Ray Vaughan, baste decir que nos estamos refiriendo a uno de los músicos más importantes de las últimas décadas. La historia lo recuerda como fenomenal guitarrista y renovador del Blues eléctrico en los ochenta al frente de Double Trouble, lo cual es cierto, sin embargo corresponde a una visión bastante simplista de su papel como artista. Al igual que su paisano Johnny Winter, Stevie Ray Vaughan transcendió la cuestión racial para erigirse en auténtico Bluesman sin embargo su aporte fue mucho más allá: SRV fue el artista que le dió al Blues popularidad masiva y le otorgó un estatus dentro del mainstream. Aunque emparentado con el Rock & Roll por línea directa el Blues era algo lejano para la juventud en los inicios de la cultura Rock, los fenómenos del British Blues en Gran Bretaña y el Blues sureño en EUA crearon un puente entre los viejos Bluesmen y la juventud blanca a través de artistas que habían bebido de esas fuentes primarias (John Mayall, Eric Clapton, Fleetwood Mac, Mike Bloomfield, Paul Butterfield, Allman Brothers, etc.), como resultado el Blues y el Rock se enraizaron en un híbrido que combinaba la energía eléctrica del Rock And Roll con los elementos característicos del Blues (la estructura de 12 compases, los fraseos de guitarra, las voces desgarradas y polvorientas) que alcanzó su clímax en los 70 con gente como el ya citado Johnny Winter, Mountain o Rory Gallagher... no obstante el Blues como tal seguía siendo un objeto de culto. Cuenta la leyenda que Stevie & Double Trouble estuvieron a punto de firmar con Rolling Stones Records en 1981 sin embargo Mick Jagger vetó la operación argumentando que "el Blues no era vendible", y no le faltaba razón pues el disco que hicieron en 1970 acompañando al Bluesman Howlin' Wolf fue un fracaso en ventas; de modo que no la tenía nada fácil Stevie cuando en 1983 salió su primer album Texas Flood en un época dominada por el Heavy Metal, el AOR (Adult Oriented Rock), el Synth-Pop y en la que los viejos sonidos del Rock eran tachados peyorativamente de "anticuados" y "anacrónicos". Sin embargo Texas Flood fue el incio de una carrera corta pero brillante que llevó a Stevie & Double Trouble a coleccionar tres albumes de doble platino y otros tres de platino, un single N° 1 y videos en la rotación regular de MTV venciendo la cultura de los 80 con sus propias armas y reivindicando el Blues ante una nueva generación que crecería con clara conciencia de lo que aquel género significaba para la cultura musical. Todo esto tuvo otras secuelas positivas al reverdecer la carrera de muchos viejos maestros que se volvieron más populares que nunca (B.B. King, John Lee Hooker, Buddy Guy), favorecer la aparición de jóvenes cultores del estilo (Robert Cray, Eric Gales) y ayudando a otros a redescubrir viejas pasiones (Eric Clapton, Gary Moore, Elvin Bishop). Como muchos artistas que vinieron a este mundo a dejar un huella indeleble el paso de Stevie fue fulgurante; nació en Dallas (Texas) en 1954 y murió trágicamente en 1990, empezó a tocar la guitarra inspirado en su hermano mayor Jimmie (líder fundador de The Fabulous Thunderbirds)forjando su estilo personal en base a las lecciones de los viejos maestros del Blues y su profunda admiración por Eric Clapton & Jimi Hendrix, consolidó la banda perfecta con Double Trouble (Tommy Shannon al bajo, Chris Layton a la batería y a partir de 1985 Reese Wynans a los teclados), dejó 6 albumes para la historia (Texas Flood, Couldn't Stand The Weather, Soul To Soul, Live Alive, In Step y Family Style, este último a dúo con su hermano) amén de múltiples colaboraciones e interminables tours, estuvo casi 3 años sin grabar por sus adicciones y cuando se aprestaba a afrontar el futuro ya recuperado y sano las muerte tocó a su puerta: tras un recital en Alpine Valley, Winconsin, Stevie rentó un helicóptero que lo llevara rápidamente a Chicago para su siguiente actuación pero la nave se perdió en una espesa niebla y chocó con una torre de alta tensión matando a sus cuatro ocupantes. Obviamente un músico de este calibre ha sido objeto de la revisión de su catálogo en forma de rediciones, recopilaciones y lanzamientos con material de archivo y entre todo este maremágnum de homenajes no podía faltar el tradicional boxset, que en el caso de Stevie hace plena justicia a su leyenda. SRV contiene 3 CD's y un DVD incluidos en un hermoso estuche empastado junto a un espectacular libreto de 72 páginas que hará las delicias de los fans de Stevie; los 3 CD's traen 49 temas de los cuales cerca de 40 son inéditos y rarezas con abundancia de material en vivo donde Stevie Ray Vaughan & Double Trouble alcanzaban su máxima gloria. Difícil hacer un elenco entre tantas maravillas pero vale la pena citar su primera grabación de 1977 como miembro de Paul Ray & The Cobras, sesiones radiofónicas, apariciones televisivas, descartes de estudio y colaboraciones con Johnny Copeland (grande del Blues Texano y uno de los favoritos de Stevie), Albert King, AC Reed y su ídolo de la infancia Lonnie Mack. El material en vivo cubre muchos de los momentos clave de su carrera como la sospresiva aparición en el Montreux Jazz Festival en 1982, el recital en El Mocambo Club de Toronto (Canadá) en 1983, el concierto en el Carnegie Hall de Nueva York en 1984, el tour con Jeff Beck en 1989, el set acústico para el programa MTV Unplugged en 1990 y parte de su último recital en Alpine Valley a pocas horas de su muerte y que culminó en una espactacular jam junto a Eric Clapton, Buddy Guy, Robert Cray y su hermano Jimmie Vaughan. Siendo Stevie gran devoto del sonido Hendrix, a lo largo de su carrera ofreció reinterpretaciones memorables e insuperadas de clásicos Hendrxianos: 'Come On Pt. III' (en la emisora KUT-FM de Austin en 1979), 'Manic Depression' (Houston 1981), un collage entre 'Little Wing' y 'Third Stone From The Sun' (durante la convención anual de Columbia Records en Hawaii, 1984) que te hará preguntarte de qué planeta provino este hombre, y 'Voodoo Chile Slight Return' (Carnegie Hall, 1984). El DVD contiene parte del conocido recital que Stevie & Double Trouble dieron en el programa de TV Austin City Limits en 1989; la otra mitad había aparecido oficialmente en el DVD Live From Austin, Texas (1995) y juntas permiten disfrutar por pimera vez del concierto completo. Temas seleccionados, sonido y presentación gráfica impecables, en fin, toda una maravilla, una de las mejores cajas recopilatorias que se hayan hecho. |
 Aunque originarios de Worcester (Massachusetts) el estilo de The J. Geils Band tiene mucha similitud con el de bandas sureñas con ellos contemporáneas como Wet Willie o Black Oak Arkansas, bandas que ejecutaban un duro y caliente Boogie Rock infestado de Blues y Rhythm & Blues. The J. Geils Band se forman en 1966 en la citada ciudad de Worcester como trío de Blues acústico integrado por el guitarrista John Geils, el bajista Danny Klein (a.k.a. Dr. Funk) y el armonicista Richard Salwitz (a.k.a. Magic Dick), en 1967 Geils se interesa por la guitarras eléctricas y la banda muta al Rock agregando al ex Disc Jockey y cantante Peter Wolf, el baterista Stephen Jo Bladd y bautizándose como The J. Geils Blues Band. En 1968 aceptan como sexto miembro a uno de sus fans, el organista Seth Justman, pasando a llamarse definitivamente The J. Geils Band y tras un par de años de rodaje firman un contrato para grabar con Atlantic Records. Sus dos primeros albumes The J. Geils Band (1970) y The Morning After (1971) recibieron buenas críticas y a pesar que las ventas no fueron muy alentadoras sirvieron de base para sus excitantes recitales, difundiendo su nombre en las ciudades del noreste de EUA especialmente Detroit donde adquirieron gran popularidad. También supieron ganarse el respeto de sus colegas; en Boston, por ejemplo, impresionaron a los mismos Allman Brothers quienes los invitaron a acompañarlos en los recitales programados para el cierre del Fillmore East en Junio de 1971. Siendo una banda hecha para tocar en vivo The J. Geils Band decidieron mostrarse en su tercer album tal y como eran sobre el escenario; tomado de 2 presentaciones en el Cinderella Ballroom de Detroit el 21-22 de Abril de 1972, "Live" Full House es un fiel compendio de las virtudes de esta agrupación: el sonido es vibrante y compacto y la grabación/producción de Geoffrey Haslam (Velvet Underground, Cactus) recrea perfectamente el ambiente de los recitales (sin overdubs ni retoques) ante un público devoto y entregado. A pesar de ser un guitarrista con buenos recursos John Geils tiene un estilo sobrio que rehúye del solismo en favor del colectivo formando un estupendo tridente con Magic Dick y los teclados de Seth Justman respaldados por la exuberante sección rítmica Klein/Bladd. Peter Wolf tiene un carisma único, determinante para establecer el puente de comunicación entre el público y la banda, amén de una buena voz forjada en el R&B; Magic Dick supone la mayor novedad sónica de JGB gracias a su innovador uso de la armónica convirtiéndose en el primer armonicista en ocupar una posición de solista en el Rock con una línea de influencia que llegaría hasta los años 90 con John Popper de Blues Traveler. El repertorio es corto pero demoledor, basado en clásicos poco conocidos del R&B como la inicial 'First I Look at the Purse' (grabada originalmente por The Contours) en una enérgica y cautivadora versión que se funde casi inmediatemente con 'Homework' de Otis Rush; el más puro y excitante Boogie se hace presente en 'Pack Fair And Square' de Big Walter Price y sobre todo en 'Whammer Jammer' un estupendo instrumental que sirve para que Magic Dick exhiba sus dotes; sin tiempo para tomar respiro la banda ataca directamente con 'Hard Drivin´ Man', el único tema original de la colección donde Wolf demuestra su capacidad para galvanizar al público mientras Seth provee un estupendo piano "stride". A pesar de no ser una banda dada a las jams y exhibiciones solistas, el sexteto se desenvuelve brillantemente en una versión de 'Serves You Right To Suffer' de John Lee Hooker con cortos y precisos solos instrumentales y una tensión que no decrece a lo largo de sus casi 10 minutos demostrando tener la capacidad para barrer del escenario a cualquier banda que se atreviera a retarlos. la bluesística 'Cruisin' For A Love' (de Juke Joint Jimmy, amigo y colaborador de la banda que también compuso 'Whammer Jammer') y el Soul intenso de 'Looking For A Love (de The Valentinos) son el broche de oro apoteósico, enlazadas sin pausa en un final que deja a la gente extasiada y exhausta. Lanzado en Septiembre de 1972 el album sólo llegó al puesto N° 54 de los charts Estadounidenses pero con los años recibió el disco de oro por sus ventas acumuladas y por supuesto ha adquirido un estatus legendario. En lo sucesivo JGB siguió haciendo buenos albumes y en 1981 les llegó el merecido éxito masivo con el album Freeze Fame y el tema 'Centerfold' (aunque a costa de comercializar su estilo), pero son albumes como este Full House por los que el nombre de J. Geils Band será siempre recordado. |
 Les confieso que nunca tragué a estos tipos. Me irritaba su racismo a ultranza, su apoyo a George Wallace (el fascistoide político del sur), su soberbia y la actitud del vocalista y líder Ronnie Van Zandt. Muchos sostienen que aquellos eran sólo clichés para alimentar su imagen de sudistas con fines publicitarios, de hecho en las fotos del disco puede verse a un chico negro en primera fila (a parte que Ronnie, fanático y practicante del boxeo, tenía a Cassius Clay entre sus ídolos), pero si lo que buscaban entonces con todo eso era joderle la paciencia a algunos, al menos conmigo lo lograron. Para aumentar mi antipatía, en 1976 compartieron cartel con Los Rolling Stones en el Festival de Knebworth (Inglaterra) y cuando regresaron a EUA anunciaron con bombos y platillos que habían "barrido a Los Stones del escenario", algo que documentalmente está probado como falso. Pero con los años aprendí a desprenderme de mis prejuicios y a apreciarlos, al fin y al cabo, fueron junto a los Allman Brothers la banda más representativa del Southern Rock, tenían uno de los mejores directos de su época (excitante y demoledor) y contaban con un gran compositor y frontman en Ronnie Van Zandt a pesar de su pinta de camionero patán. La historia comienza en 1965 cuando Ronnie Van Zandt forma con sus amigos Allen Collins y Gary Rossington (ambos guitarristas) una banda denominada The Noble Five en su natal ciudad de Jacksonville (Florida). Ronnie era un chico con una pésima reputación de busca pleitos, fanfarrón y bebedor, incluso se ha dicho que Allen y Gary aceptaron la propuesta de Ronnie no por sus cualidades vocales sino por miedo a una golpiza si se negaban. Sea como sea los tres rodaron por Florida y alrededores durante el resto de los años sesenta con cambios en el nombre y la formación hasta que en 1970 pasan a llamarse Lynyrd Skynyd (variante fonética del nombre de su antiguo profesor de educación fisica en la secundaria, Leonard Skinner) bajo el cual van poco a poco asentando su propio estilo, encontrando un lineup estable y haciéndose un nombre no sólo por su música sino también por las peleas a puñetazo limpio que protagonizaban con todo mundo (a veces entre ellos mismos). En 1972 el legendario Al Kooper atraído por la escena Sureña recorrió algunas zonas en busca de nuevos talentos para su propia productora independiente llamada "Sounds Of The South" y descubrió a Lynyrd Skynyrd en un bar de Atlanta. Horrorizado por su comportamiento pero impresionado por su sonido, Kooper los ficha y les consigue un contrato con MCA Records, debutando en 1973 con el album Pronounced 'Leh-'nérd 'Skin-'nérd. Aunque enraizada en el Country y el Blues, la música de LS se deslindaba de la finura de Allman Brothers para abordar un arrollador Boogie Rock conducido por las guitarras de Rossington & Collins y apoyado por la sólida sección rítmica más el contrapeso del pianista Billy Powell; un tema del album llamado 'Free Bird' se ubicó en el puesto N° 19 y se convirtió en su caballo de batalla en los recitales. En 1974 lanzan Second Helping con su tema más exitoso de todos los tiempos 'Sweet Home Alabama' entrando en el top 10. El tercer album Nuthin' Fancy (1975) cimenta su fama a nivel nacional e internacional pero tras su lanzamiento Al Kooper abandona la producción del sexteto harto de sus borracheras y mal comportamiento en lo estudios. El siguiente Gimme Back My Bullets (1976) representó un descenso creativo a pesar de la producción de Tom Dowd, así que deciden recuperar terreno pocos meses después con un doble en vivo que los presentara tal y como eran en el escenario llamado One More From The Road. Grabado en el Fox Theatre de Atlanta los días 7, 8 y 9 de Julio de 1976, este album fue y sigue siendo uno de los mejores discos en vivo de los 70 y el muestrario definitivo de Lynyrd Skynyrd en su máximo esplendor, con su incendiario sonido sureño cercano al Hard Rock, la flemática voz de Ronnie pasada por el alcohol y los cigarrillos, el estupendo tridente de guitarras formado por Allen Collins, Gary Rossington y el entonces recién incorporado Steve Gaines, el sólido y a la vez melódico estilo del bajista Leon Wilkeson, la contundencia del loco baterista Artimus Pyle (una especie de Keith Moon sudista), el lirismo del pianista Billy Powell y los coros femeninos de The Honkettes (Leslie Hawkins, Cassie Gaines y JoJo Billingsley). Todos sus grandes clásicos están aquí: 'Saturday Night Special', 'Travellin´Man' con su clásica entrada de bajo y estribillo, 'Whiskey Rock-A-Roller', 'The Needle And The Spoon', la melancólica 'Tuesday´s Gone' de aires Gospel (mi tema favorito de LS), la infaltable 'Sweet Home Alabama', sus magníficas versiones de 'Call Me The Breeze' (J.J. Cale), 'T For Texas' (Jimmie Rodgers), 'Crossroads' (del padre del Blues moderno Robert Johnson pero tocada con el arreglo de Cream) y una apoteósica 'Free Bird' de 14 minutos. Lamentablemente la fatalidad se atravesó en la carrera de LS y justo cuando pudieron convertirse en una banda de éxito masivo sobrevino el trágico accidente de aviación en 1977 (apenas 3 días después de la edición del album Street Survivors) que cobró la vida de Ronnie, Steve, su hermana Cassie y uno de los road managers, dejando a los demás con heridas graves y poniendo abrupto punto final a la etapa clásica de la agrupación. La presente Deluxe Edition del sello Universal Group mejora en todo a la versión en vinilo: se limpiaron las cintas matrices para transferirlas adecuadamente al medio digital, se remezclaron los temas para recrear el sonido real de la banda en vivo, se eliminaron los 'overdubs' de guitarra agregados por Tom Down en la producción, los temas se colocaron en el mismo orden que fueron ejecutados en esos conciertos, se restauraron todos los "edits" (partes cortadas) y lo mejor de todo, se añadieron 10 bonus tracks procedentes de las mismas tres noches, tres de los cuales son completamente inéditos. Y de la presentación gráfica ni hablar (digipack con libreto de 24 páginas). Si buscas un sólo disco de Lynyrd Skynyrd para conocerlos este es sin duda el más representativo. |
  Tras su gloriosa etapa 1969-1976 The Allman Brothers volvieron a la carga en 1979 con cambios en la formación produciendo tres albumes bastante dignos (Enlightened Rogues, Reach for the Sky y Brothers of the Road), pero incapaces de insertarse en la nueva escena del Rock se separaron nuevamente en 1982. A finales de los 80 sus antiguos miembros estaban metidos en diversos proyectos hasta que casualmente tanto la Greg Allman Band como la Dickey Betts Band coincidieron en Epic Records. Ese acercamiento hizo que Greg y Dickey superaran sus diferencias y llamaran a Jaimoe y Butch Trucks para una gira conmemorativa por los 20 años de su formación. Los conciertos fueron tan bien que en 1990 Allman Brothers volvieron a los estudios y grabaron Seven Turns, el album que los puso nuevamente en la ruta del éxito y el reconocimiento, ganando nuevas generaciones de fans y estableciéndose hasta nuestros días como una de las grandes bandas activas, especialmente por sus fabulosos directos. Buena parte del éxito se debió a la incorporación de 2 músicos sureños que parecían hechos a su medida: el guitarrista Warren Haynes y el bajista Allen Woody. Haynes era miembro de la Dickey Betts Band donde estableció junto a Betts un soberbio tándem muy similar al que este tenía en los 70 con Duane Allman; Woody tocaba en la Artimus Pyle Band (ex baterista de Lynyrd Skynyrd) y entró en los Allman a instancias de Butch Trucks. En 1991 la banda confirmó su buen momento con el estupendo album Shades of Two Worlds y en 1992 apareció An Evening With The Allman Brothers Band [First Set] tomado de tres recitales en Macon (1991), Boston y New York (1992) y que documenta el óptimo estado de salud de Allman Brothers en su ambiente natural: sobre el escenario. Para entonces Butch Trucks convenció a sus compañeros para incorporar un nuevo miembro oficial, el percusionista Neoyorkino Marc Quiñones, una opción aparentemente supérflua en una banda con dos bateristas pero que a la larga enriqueció aún más el legendario entramado rítmico de Trucks y Jaimoe. El repertorio, sobra decirlo, es maravilloso, los temas de Shades of Two Worlds conviven en perfecta armonía con los viejos clásicos: la inicial 'End Of The Line' es una pieza llena de garra con magníficos solos de Haynes/Betts, vibrante tapete percusivo y la excelente vocalización de Greg menos potente que en el pasado pero más "soulful", 'Get On With Your Life' es un delicioso Blues original sin nada que envidiarle a 'It´s Not My Cross To Bear' o 'Stormy Monday' mientras que los 15 minutos de 'Nobody Knows' son toda una orgía de percusiones y guitarras, una 'Mountain Jam' pasada por la licuadora a alta velocidad capaz de dejarte exhausto. 'Midnight Blues' es una relaboración del clásico Blues de Blind Willie McTell 'Blues Around Midnight' tocada por Warren/Dickey a las guitarras acústicas y alternándose en las voces, Allen al bajo y el invitado Thom Deucette a la armónica en una interpretación mágica y sublime. Los viejos clásicos incluyen temas casi nunca o jamás interpretados: 'Blue Sky', 'Melissa' y 'Revival' superan las originales por amplio margen gracias al inventivo trabajo de las guitarras tanto en los solos como en los duetos (el break conjunto al final de 'Melissa' es toda una maravilla), 'Southbound' cuenta con un brillante impacto rítmico que compensa la ausencia del solo de piano en la original mientras que la inmortal 'Dreams' ... estoy seguro que Duane se habría sentido orgulloso de sus "hermanos" por la manera como bordaron uno de los mejores temas de la discografía Allman. En 1995 Epic puso en circulación An Evening With The Allman Brothers Band [2nd Set], otro directo que combinaba material del tour 1992 con temas provenientes de los recitales para la promoción de su entonces reciente trabajo en estudio Where It All Begins (1994), otro gran album que alcanzó el disco de oro y dejó para la posteridad uno de los temas Allman más populares, 'Soulshine'. Aunque distantes en el tiempo ambos sets se complementan tan bien que ciertamente pudieron haber formado un doble CD. Aquí son los temas de Where It All Begins los que dominan el panorama: 'Sailin´ ´Cross The Devil´s Sea' tiene una estructura Hard Rock inusual para los Allman pero deja muy buena impresión por la voz de Greg, el efectivo duelo de guitarras y Quiñones destacando por sobre el tapete percusivo; 'Soulshine' era (y aún es) uno de los momentos cumbre de los recitales, una brillante y estupenda balada cantada por Haynes con un estribillo para la historia; 'Back Where It All Begins' brinda la oportunidad para que toda la banda se luzca en otra de sus ya clásicas jams, al igual que en 'No One To Run With', pieza cargada de Rhythm & Blues y sólidas guitarras multicolores. 'The Same Thing' es una versión del Bluesman Willie Dixon en clave Funk donde Marc y Jaimoe intercambian sus instrumentos por una vez. Pero son las tres piezas de su repertorio más antiguo la guinda del pastel: una 'You Don´t Love' más corta que en el pasado pero que igual nos lleva mentalmente a los viejos tiempos del Fillmore East, una GENIAL interpretación acústica de 'In Memory Of Elizabeth Reed' a cargo de Warren, Dickie y Allen (este último descargando un soberbio solo de bajo), y una maratónica 'Jessica' de 16 minutos llena de deliciosas variantes que la banda jamás había ensayado antes con esta pieza. Ambos albumes fueron brillantemente producidos por Tom Dowd quien no trabajaba con la banda desde 1979 y siguió ligado a ellos hasta su muerte en 2002. Dos CD's indispensables para los fans y ampliamente recomendados a los amantes del clásico sonido Americano de los 70 con ese sabor añejo que jamás caduca. |
 The Allman Brothers pasó los 6 meses siguientes al lanzamiento de Eat A Peach en un maratónico tour por Norteamérica que fue una especie de terapia emocional. En el entorno Allman siempre se ha hablado del importante papel que jugó el bajista Berry Oakley en evitar que la banda se desintegrara tras la muerte de Duane, él era el alma de la agrupación y el que más se preocupó por fomentar ese espíritu fraternal que los mantenía unidos, de hecho el calificativo de "Allman Brothers" abarcaba no solo a los hermanos Duane y Greg sino a todo el resto de la banda incluyendo roadies y técnicos. Cuando Duane murió Berry asumió en cierta manera el liderazgo especialmente en los conciertos manteniendo en alto el ánimo de todos con su entusiasmo. La incorporación del pianista Chuck Leavell resultó todo un acierto, su estilo fluido y elegante inyectó nuevas energías y su integración en el contexto musical era perfecta. Con los seis músicos en plena forma y con el mejor de los ánimos The Allman Brothers se instalaron en los nuevos estudios de Capricorn Records en Octubre de 1972 para grabar su primer album con nuevo material desde Idlewild South. Pero cuando apenas habían terminado dos temas la muerte volvió a visitarlos llevándose esta vez a Berry. El y Duane eran grandes amigos y la desaparición de este lo dejó profundamente afectado, en los últimos meses Berry había tenido algunos accidentes menores con su motocicleta pero el 11 de Noviembre de 1972 no tuvo tanta suerte: Oakley colisionó con un camión que venía en sentido contrario sobre la misma curva y salió despedido por los aires golpeándose la cabeza en la caída, sin embargo se levantó, se negó a ir al hospital asegurando sentirse bien y se fue para su casa; pero varias horas después comenzó a quejarse de fuertes dolores de cabeza y mareos, su esposa lo llevó al hospital donde los médicos intentaron operarlo pero ya era tarde y Berry murió de hemorragia cerebral. Si lo de Duane fue trágico este nuevo golpe fue devastador, era como si el destino se hubiese ensañado cruelmente con ellos, mas conscientes del riesgo que suponía el detenerse aunque fuese pocas semanas retomaron inmediatamente las sesiones con el bajista Lamar Williams (viejo amigo de Jaimoe) como sustituto. Completado a finales de Diciembre Brothers And Sisters resultó ser un disco con bastantes diferencias respecto a los anteriores. Greg Allman aparece menos involucrado en el aspecto creativo, en parte quizá por el bajón anímico consecuencia de las tragedias aunque también tuvo algo que ver la preparación de su primer album solista, esto brindó a Dickey Betts la oportunidad de imponer el estilo y el tono del disco; las canciones están cargadas de buenas vibraciones y orientadas hacia el Folk y el Country en contraposición al áspero sonido Blues de los inicios. Y aunque a algunos fans no les guste mucho, Brothers And Sisters resultó una obra crucial que cimentó la popularidad y la leyenda de los Allman. De los siete temas cuatro están firmados por Dickey, sólo dos por Greg y el otro es una versión de un Blues tradicional. Chuck Leavell realiza un estupendo trabajo entrelazándose con la guitarra de Betts, sus solos de piano son limpios, cristalinos y transmiten una sensación relajada que suena casi balsámica para los oídos. Al quedar como único guitarrista Dickey gozó de mayor espacio para exhibir su gran talento y se consolidó como una de las grandes guitarras en su estilo; el tándem percusivo Butch Trucks & Jaimoe brilla como nunca antes al ocupar una posición más prominente en el espectro sonoro no así el bajo carente de robustez y relegado a un segundo plano en la mezcla, a pesar de lo cual podemos apreciar por última vez el hermoso toque melódico de Berry en las dos primeras piezas y el sutil soporte de Williams en las demás. El órgano de Greg suena más solemne que de costumbre pero su voz aporta interesantes matices que sinceramente no le conocíamos. Tres piezas en particular ingresaron a la posteridad: 'Ramblin´ Man' es un tema Country cantado por Dickey que se convirtió en la canción más popular de los Allman con la participación del guitarrista de sesión Les Dudek doblando la parte que le habría correspondido a Duane, especialmente en la sublime coda de esas que se dejan escuchar hasta el infinito. 'Southbound' es lo mejor del disco, todo un derroche de maestría, su estructura abierta y elástica dejaba muchos espacios para los solos, espacios que la banda supo aprovechar sabiamente en los recitales convirtiéndola en uno de sus grandes caballos de batalla; el solo de piano de Chuck es genial, la guitarra de Dickey arrasa los oídos, Butch & Jaimoe vuelan con sus baterías perfectamente acopladas y Greg ofrece una magistral interpretación vocal. La instrumental 'Jessica' es la otra joya del album, similar a 'Southbound' en su estructura de amplios espacios pero más emotiva gracias a su hermosa melodía. El resto del material es también muy bueno, variado e injustamente subestimado, en especial la inicial 'Wasted Words' con un excelente dueto entre Dickey y Chuck y la voz de Greg explorando nuevos territorios. 'Jelly Jelly' (incorrectamente atribuido a Greg) es el único momento de máximo brillo para Allman, un estupendo Blues interpretado con gran elegancia, magníficos solos de Allman & Leavell y un finísimo punteo de Betts al final. 'Come And Go Blues' conjuga todos los elementos del sonido Allman en una pieza que comienza sin grandes pretensiones pero que va ganando tensión emotiva en la medida que avanza. 'Pony Boy' cierra el album conjugando Blues rural con el más puro Boogie Sureño y ofreciendo un divertido break con el dobro de Dickey y el piano de Chuck enfrascados en un duelo. Para Enero de 1973 el album estaba listo sin embargo la banda postergó el lanzamiento y se embarcó en otro mastodóntico tour, fue una buena jugada pues cuando finalmente salió a la venta en Agosto de 1973 el público ya conocía las canciones empujando el disco al N° 1 y 'Ramblin´ Man' al N° 2 a nivel nacional convirtiéndose además en estrellas internacionales (a pesar que entonces sólo tocaron una vez fuera de Norteamérica). Las actuaciones fueron también un rotundo éxito (en Julio se presentaron en el festival de Watkins Glen compartiendo cartel con Grateful Dead y The Band ante una audiencia record de 600,000 personas) pero a pesar de ello Allman Brothers estaban heridos de muerte y el sentimiento de hermandad que los unía se fue diluyendo; Greg lanzó su primer album solista (Laid Back) seguido por un tour que quedó plasmado en el disco The Greg Allman Tour (1974), Dickey Betts también hizo lo propio en 1974 con su album Highway Call mientras que Chuck Leavell, Jaimoe & Lamar Williams empezaron a tocar juntos (como teloneros de los propios Allman) bajo el nombre de Sea Level. Quizá Brothers And Sisters no sea una obra maestra pero sí es un album lleno de vitalidad que aumenta en kilates con cada nueva audición. Edición remasterizada en 1997. |
 Aunque no tengo los números que lo corroboren Allman Brothers debe ser junto a Grateful Dead la banda que más escenarios ha pateado a lo largo de su carrera. Para los Allman las giras no eran un compromiso promocional sino un estilo de vida, su séquito incluia no sólo a roadies y técnicos sino también esposas, novias, hijos y amigos, una comuna itinerante que recorría Norteamérica de costa a costa haciendo más llevadero y divertido lo que para otros artistas era un suplicio, y ese ha sido sin duda el secreto para aguantar tantas décadas en la carretera. Bajo estas circunstancias era obvio que Allman Brothers grabaran su material durante las giras, y fue así como en Septiembre de 1971 la banda se instaló unos días en los Criteria Studios de Florida para preparar su siguiente album. Siempre dispuestos a mostrar otras facetas de su estilo, las nuevas canciones reflejaban el lado más lírico y relajado de su música, explorando sus raíces Folk y Country en piezas cargadas de guitarras acústicas pero sin perder la esencia del sonido Allman. En Octubre se tomaron unos días de merecido descanso en Macon pero el 29 de ese mismo mes su suerte cambaría abruptamente con el accidente que le costó la vida a Duane. Fue un durísimo golpe para la "familia" Allman y para el mundo de la música, pues a diferencia de gente como Janis Joplin y Jim Morrison que trazaron desde el principio el camino de su autodestrucción Duane Allman se fue (al igual que Jimi Hendrix) justo cuando todo un mundo de nuevas posibilidades se abría ante él. Duane fue enterrado pocos días después en el cementerio de Macon (Georgia), a su funeral acudieron 300 personas, los Allman junto al armonicista Thom Deucette dieron un corto recital justo frente al féretro colocando el estuche de su guitarra Gibson Les Paul en el lugar donde este solía pararse; Dr. John y Bobby Caldwell se les unieron en uno de los temas mientras amigos como Aretha Franklin, Delaney & Bonnie, Boz Scaggs y Greg Allman le dijeron adiós con una canción cada uno. Aunque devastados la banda regresó inmediatamente a las actuaciones, sin embargo no volvieron al estudio hasta Enero de 1972 para terminar el album. Este se lanzó en Febrero de 1972 bajo el título Eat A Peach (a sugerencia del propio Duane), un doble LP que combinaba las sesiones de Florida con parte del material que no pudo incluirse en el anterior At Fillmore East. Los seis temas grabados en estudio pudieron haber parecido decepcionantes comparados con el abrasivo sonido Blues de los 2 primeros discos, no obstante demuestran como la enorme versatilidad de los Allman no se limita al plano instrumental. La agria melancolía de 'Ain´t Wastin´ Time No More' es toda una declaración de principios donde Greg canta sobre recoger los pedazos y seguir adelante a pesar del dolor, mientras Dickey dá su personal tributo tocando una estupenda slide al mejor estilo de Duane. El largo instrumental 'Les Brers in A Minor' nació en una de las tantas jams que la banda solía tocar y es deudora de la admiración de los Allman por John Coltrane, el espíritu del tema es puramente Coltraniano con la introducción de una majestuosidad casi espiritual y un desarrollo que rebosa sensualidad; Berry conduce magistralmente el ritmo con su bajo pero tristemente la ausencia de Duane se nota en el break a pesar del excelente solo de Betts. 'Melissa' es una hermosa balada Folk Rock con una buena interpretación de Greg a la voz, el piano y la guitarra acústica mientras Dickey pone estupendos acentos con la guitarra eléctrica. 'Stand Back' tiene un andar serpentino y lujurioso ligeramente Funk sobre el cual toda la banda dá lo mejor de sí especialmente Duane con su alucinante dominio de la slide. 'Blue Sky' fue el primer tema Allman en meterse en las listas de éxitos (aunque falló el top 10), una pieza de aires Country compuesta y cantada por Dickey donde este y Duane ofrecen otra de sus magistrales interpretaciones a doble guitarra sea alternándose o punteando al unísono. 'Little Martha' es de una delicadeza casi barroca, un dueto entre Duane y Dickey a las guitarras acústicas muy bien logrado pero que deja en el aire un halo de tristeza siendo la despedida de Duane en los discos de su querida banda. 'Mountain Jam' es una larguísima jam (valga la redundancia) construida a partir de la melodía de 'There Is a Mountain' de Donovan; conscientes de haber grabado algo único e irrepetible los Allman lucharon para incluirla en At Fillmore East pero su duración (cerca de 34 minutos) hizo inviable el deseo. En mi opinión este es el tema más representativo del enorme poder instrumental y creativo de Allman Brothers, además de la mejor jam jamás grabada por una banda de Rock. Tras una bellísima introducción de la melodía a cargo de las guitarras la pieza vá tomando altura y se lanza en vuelo en un maravilloso viaje sónico, un increíble paisaje musical conducido por los 6 músicos: Duane y Dickey descargan una auténtica sinfonía de guitarras cediéndose el paso mutuamente, cruzándose y uniéndose de manera constante, Jaimoe y Butch tejen una compleja trama percusiva y se enfrascan en un solo de doble batería que es lo más compacto que jamás haya yo escuchado en materia de percusión. Berry suelta un solo de bajo muy melódico pero donde más brilla es en el entramado de Dickey y Duane insertándose casi como una tercera guitarra mientras Greg mantiene el hilo conductor con su órgano a lo largo de toda la pieza. Los otros temas en vivo son una vibrante 'Don´t Keep Me Wonderin' y la versión de 'One Way Out' de Elmore James grabada también en el Fillmore pero 3 meses después (Junio de 1971), sin embargo yo prefiero escuchar estas 3 piezas en el contexto de The Fillmore Concerts integradas al resto del repertorio. Eat A Peach se vendió muy bien impulsado quizá por el morbo colectivo que sucede a la muerte de algún artista de gran talla, sin embargo esto no quita que se trate de uno de los más grandes clásicos en la discografía de los Allman. Tras su lanzamiento los Allman volvieron a las giras y poco después se ampliaron nuevamente con la entrada del pianista Chuck Leavell. Existe una Deluxe Edition del sello Universal con parte del recital de Junio 1971 antes mencionado, sin embargo este remaster convencional es bastante bueno. Por cierto que las ediciones en CD cambian radicalmente el orden de los temas aunque para mejor pues en el LP original 'Mountain Jam' estaba repartida entre las caras 2 y 4 lo que a mi juicio rompía con el frenesí de una obra maestra que hay que escuchar de un sólo tirón. |
 Raras veces en la historia del Rock un artista ha logrado la consagración comercial y musical con un disco en vivo y esta fue una de las pocas y más gloriosas excepciones. Los 2 primeros albumes de Allman Brothers fueron una excelente muestra de su talento y calidad, pero los Allman eran una banda nacida para los escenarios y estaban convencidos que sus recitales eran la mejor tarjeta de presentación para conquistar al público Norteamericano. Por esa razón el tercer disco de Allman Brothers fue un album en vivo, su mejor disco y uno de los 4 o 5 mejores directos de la historia. Grabado en el célebre Fillmore East de Nueva York los días 12-13 de Marzo de 1971, At Fillmore East es testimonio del ilimitado potencial de ABB en su ambiente natural. Allman Brothers eran en esencia una banda de Blues y su origen sureño añadía al cocktail elementos Folk y Country, pero además ellos eran grandes fanáticos del Jazz (admiraban a Miles Davis y John Coltrane especialmente) y en virtud de ello desarrollaron un profundo sentido por la improvisación haciendo de sus interpretaciones un completo tour-de-force instrumental, pero a diferencia de bandas como por ejemplo Cream, las jams de los Allman no eran ejercicios gratuitos de virtuosismo o exhibicionismo. Obviamente los solistas tenían sus momentos de brillo (sobre todo Duane y Dickey) pero siempre dentro de un espíritu colectivo, el aporte de cada músico era indispensable para crear esa atmósfera mágica que no sólo deslumbraba al público sino que lo integraba a ella manteníendolos pendientes del más mínimo detalle, no en vano ABB son una de las pocas bandas (y no sólo del Rock) que pueden darse el lujo de improvisar durante 40 minutos seguidos sin espacio para el tedio o el aburrimiento. Nuevamente fue Tom Dowd el productor realizando un estupendo trabajo; no la tuvo fácil pues se trataba de sintetizar en 2 LPs el repertorio de una banda cuyos recitales no bajaban de las 2 horas y media con jams de hasta 35 minutos, y si bien tuvo que editar (recortar) algunas piezas el resultado no minimiza la magia, fuerza e inventiva de los Allman. Estos atributos se ponen de manifiesto en el mismo tema de apertura, una versión de 'Statesboro Blues' de Blind Willie McTell donde Duane exhibe su impresionante estilo a la silde; ningún guitarrista en la historia del Blues y el Rock ha tocado la slide con tanta versatilidad y musicalidad, ni siquiera sus más venerados maestros negros... aunque Dickey tampoco se queda atrás con su solo potente y soulful a la vez. El prodigio se repite en una nueva cover, esta vez 'Done Somebody Wrong' de Elmore James con estupendos solos del invitado Thom Deucette (armónica), Dickey y Duane. La magnífica versión de 'Stormy Monday' de T-Bone Walker rezuma otra clase de intensidad, un mágico momento de calma y melancolía en el que toda la banda brilla por igual: la estupenda vocalización de Greg, el largo break instrumental con solos de Dickey, Greg (sobre un cambio de ritmo Jazzístico), Duane y Thom Deucette (su intervención había sido editada del album original pero recuperada para la ocasión). Todo el buen hacer de los Allman está plasmado en la siguiente pieza, una jam de casi 20 minutos construida alrededor de 'You Don´t Love Me', compuesta por Willie Cobbs, popularizada por el guitarrista de Blues Junior Wells y posteriormente versionada por medio mundo; otra vez Allman Brothers la extienden con estupendos solos de guitarra, órgano, armónica y cambios de ritmo junto al impecable soporte de Berry Oakley, Jaimoe y Butch Trucks. 'Hot ´Lanta' es una corta jam que se desarrolla a un ritmo trepidante dando tregua sólo en los segundos finales. El broche de oro lo ponen los dos temas más populares y esperados de este y todos sus recitales: 'In Memory Of Elizabeth Reed' y 'Whippin´ Post'. La primera es muy similar a la original de Idlewild South pero a partir del cambio de ritmo a la mitad la tensión se dispara con abrasivos intercambios instrumentales que alcanzan cotas de máxima excelencia, en especial Duane quien finaliza su solo con un pull-off (técnica que consiste en pasar de un nota alta a otra baja tirando de la cuerda con el dedo en lugar de pulsarla logrando un efecto percusivo) que te hace preguntarte cómo es posible que exista un ser humano capaz de tocar así. 'Whippin´ Post' arranca con la célebre intro a cargo de Berry Oakley y poco a poco se desprende de su desarrollo original para sumergirse en un viaje sonoro de casi 23 minutos donde los músicos llevan sus capacidades hasta el límite tanto en lo individual como en lo colectivo. Una mención especial merece para mí la labor de Butch Trucks y Jaimoe: el primero toca con gran soltura en un estilo más convencional mientras el segundo lo complementa con un respaldo sutil casi Jazzístico logrando confluir ambos un tapete percusivo multicolor y tan perfectamente sincronizado que parece sobrenatural. El album se lanzó en Julio de 1971 llegando al N° 13 de Billboard, por desgracia la alegría y los buenos auspicios de este éxito se nublaron con la muerte de Duane Allman el 29 de Octubre de 1971 en Macon durante una pausa para descansar de las sesiones de grabación del siguiente album; Duane se estrelló contra un camión irónicamente tratando de maniobrar su Harley-Davidson para evitar chocar con aquel, fue llevado al hospital más cercano y operado pero murió varias horas después a pocas semanas de su vigésimo quinto cumpleaños. Con los años At Fillmore East ha adquirido un estatus de leyenda tan grande como el de la propia banda y se convirtió en el libro de texto para todas las jam-bands surgidas desde entonces, su importancia es tal que en 2004 fue seleccionado para su inclusión en el registro nacional de grabaciones de la librería del Congreso de los Estados Unidos. Para conmemorar los 20 años de su lanzamiento en 1992 salió este doble CD The Fillmore Concerts integrado por el album original con los temas restaurados a su duración real, tres temas de los mismos recitales que sólo se incluyeron en el siguiente Eat A Peach ('Mountain Jam', 'One Way Out' y 'Trouble No More'), 'Drunken Hearted Boy' (tocada en el bis del recital del 13 de Marzo acompañados por Elvin Bishop a la voz solista y Steve Miller al piano) proveniente de la caja Dreams y una magnífica versión de 'Don't Keep Me Wonderin´' nunca antes disponible. Existe también una Deluxe Edition del sello Universal que agrega al material anterior una interpretación inédita de 'Midnight Rider' y mejor sonido (dicen) aunque con la versión de 'Stormy Monday' recortada del album original. Uno de esos clásicos que todo aficionado al Rock clásico debe tener. |
 El debut homónimo de The Allman Brothers (Noviembre de 1969) es uno de los albumes más importantes e influyentes de su tiempo. No sólo constituyó una ventana a los nuevos sonidos provenientes del sur de EUA sino también una obra capital en la evolución del Blues blanco en Norteamérica. Si bien artistas como Paul Butterfield, Mike Bloomfield o John Hammond Jr. ya venían trabajando en la difusión del Blues usando el Rock como plataforma, su labor se centraba en la vertiente eléctrica y urbana del blues venida de Chicago; en cambio gente como Johnny Winter o los Allman traían una nueva música arraigada en la rica tradición del sur e impregnada de la más pura esencia del Blues sureño y la expandieron por todo lo ancho y largo del territorio Norteamericano. Si bien la producción del Inglés Adrian Barber (ingeniero de sonido que había grabado a Buffalo Springfield, Cream y Velvet Underground) no satisfizo a los músicos, la calidad del material y de las interpretaciones subsanan con creces ese detalle además de introducir soluciones novedosas como el uso de dos guitarras solistas y dos bateristas. Aunque con estilos distintos Duane Allman y Dickey Betts se complementaban a la perfección tocando al unísono (mucho del repertorio Allman se inicia con su característico doble punteo de guitarra más tarde explotado por gente tan dispar como Wishbone Ash, Thin Lizzy o Iron Maiden), alternándose en los solos o simplemente cubriéndose mutuamente. Butch Trucks y "Jaimoe" Johanson también tocaban en perfecta sincronía como si el uno fuera el segundo brazo del otro logrando un soporte multicolor que se ampliaba cuando Jaimoe se pasaba a las congas dándole a la música un aire involuntariamente Santanesco. Greg Allman era el cantante, principal autor y tocaba el órgano con estilo solemne y secular que amalgamaba el trabajo de los solistas mientras que Berry Oakley tocaba el bajo con precisión, solidez y un gran sentido melódico. El incio de album es espectacular con una versión instrumental de 'Don´t Want You No More' (original del Spencer Davis Group) donde confluyen todos los elementos característicos del sonido Allman (la entrada al unísono de las guitarras, el solo de órgano de Greg, lo solos alternados de Duane y Dickey, la doble batería y la percusión de Jaimoe todos con el eficaz respaldo de Berry) y que enlaza magistralmente con el siguiente tema, un lento e intenso Blues original ('It´s Not My Cross To Bear') con Greg exhibiendo su poderosa voz llena de inflexiones negroides y el contraste de los estilos de Dickey y Duane en los solos (más crudo el primero, más elegante el segundo). 'Black Hearted Woman' y 'Every Hungry Woman' son muy similares con las guitarras dobles volando sobre el trepidante tapete percusivo, los riffs del órgano y la voz rocosa de Greg. La versión de 'Trouble No More' de Muddy Waters es otro de los grandes momentos con su sinuoso andar, el potente solo de Dickey a la mitad y Duane respondiendo a la voz de Greg con estupendos fraseos de slide. La maravillosa 'Dreams' es el punto álgido del disco, toda una lección de trabajo colectivo, una estructura Jazzística y tempo de vals sobre la cual Duane ofrece una de sus más finas e inolvidables interpretaciones sacando de su guitarra sonidos de una belleza etérea y alcanzando cotas casi espirituales. 'Whipping Post' cierra el disco con la inconfundible entrada cargo de Berry, todo un derroche de fuerza que se convertiría en un clásico inamovible del repertorio por sus infinitas posibilidades en términos de solos e improvisación. Publicado casi un año después (Septiembre de 1970) el segundo album Idlewild South fue un notable avance respecto al anterior, las virtudes del sonido Allman siguen ahí pero la producción del legendario Tom Dowd es estupenda logrando un sonido igual de vibrante pero con mayores matices. El debut de Dickey Betts como compositor aporta más variedad al material: la inicial 'Revival' es la mayor novedad del disco, un tema de raíces Folk y Country cargado de guitarras acústicas, armonías vocales y un break donde cada músico hace un brevísimo solo con su instrumento. La otra pieza de Dickey es 'In Memory Of Elizabeth Reed', otro de los grandes caballos de batalla en los recitales, magnífico instrumental inspirado en el Jazz (en varias partes he leído que fue un tributo a Miles Davis) con un efectivo cambio de ritmo en clave Funk/Latino e impecable trabajo colectivo. Para no quedarse atrás Greg aporta algunas de su más célebres composiciones: 'Don´t Keep Me Wondering' se graba en la mente gracias a los fraseos de armónica del invitado Thom Doucette, la brillante slide de Duane y el crescendo del órgano en el estribillo. 'Midnight Rider' es de una belleza indescriptible, otra pieza de sabor Country hermosamente cantada por Greg y Berry en las armonías que se convertiría en el tema más versionado del catálogo Allman. La versión de 'Hoochie Coochie Man' de Willie Dixon es una de las mejores covers de un clásico del Blues jamás grabadas, el trabajo de la banda es impecable logrando una tensión sónica casi asfixiante y la vocalización de Berry es absolutamente perfecta llena de garra y feeling. La solemne 'Please Call Home' y la vibrante polirritmia de 'Leave My Blues At Home' cierran el disco de manera magistral dejando en el aire la promesa de grandes cosas por venir. Si bien vendieron muy modestamente fuera de las zonas del Sur, ambos albumes fueron la base de sus estupendas presentaciones, recitales que hicieron correr el nombre Allman Brothers de boca en boca por toda la nación, y en este aspecto la afición de la banda por las largas giras sería determinante. En 1973 ambos albumes fueron reditados en un doble LP titulado Beginnings para llenar el vacío que hubo entre la muerte de Berry y el lanzamiento de Brothers And Sisters, entonces Allman ya era toda una leyenda y ambos discos tuvieron la enorme recepción que ya merecían en su momento. Quizá muchos preferirán tener los dos albumes individualmente pero para mí ambos son inseparables y tenerlos en un solo CD es toda una bendición. |