De todas la bandas provenientes de la oleada "alternativa" que triunfaron en los 90 The Black Crowes es la que guarda menor relación con dicha tendencia. Su música es puro y clásico Rock & Roll Americano, pudieron haber surgido en 1970 y muy pocos se habrían dado cuenta de ello en 1990. Aunque inspirados en bandas clásicas Británicas como Led Zeppelin, Humble Pie, Rolling Stones, The Faces, Free y en sus propias raíces Sureñas, The Crowes no son una imitación de sus influencias y tras 20 años de carrera nos han dejado una de las discografías más coherentes, vibrantes e imprescindibles de las últimas décadas. Por segunda vez en su historia la banda ha suspendido sus actividades por tiempo indefinido pero dejando la puerta abierta a un futuro retorno; Black Crowes han alcanzado un estatus en el que ya no tienen que demostrarle nada a nadie, son toda una leyenda y subirse al escenario sigue siendo para ellos una necesidad vital, no una obligación. Sus orígenes se remontan a 1984 cuando los hermanos Chris y Rich Robinson (vocalista y guitarrista respectivamente) forman en su ciudad natal Atlanta (Georgia) la agrupación Mr. Crowe's Garden. Para 1988 son un quinteto que incluye a los hermanos Robinson, el guitarrista Jeff Cease, el bajista Johnny Colt y el baterista Steve Gorman; una noche George Drakoulias (agente de artistas y repertorio del sello independiente Def American) los vé tocar en Nueva York y los contrata de inmediato. Los chicos se cambian el nombre a Black Crowes y al año siguiente entran en los estudios para grabar su primer album con la colaboración de Chuck Leavell (ex Allman Brothers) a los teclados. Lanzado en Enero de 1990 Shake Your Money Maker fue todo un éxito impulsado por los singles 'Hard To Handle' (versión de Otis Redding) y 'She Talks To Angels' (la primera melodía que Chris escribió a los 17 años). A finales de ese mismo año The Black Crowes fueron declarados "mejor nueva banda Norteamericana" por la prestigiosa revista Rolling Stone. En 1992 confirman su calidad con el album The Southern Harmony And Musical Companion, disco en el que incorporan a un sexto miembro (el tecladista Eddie Harsch) y remplazan a Jeff Cease por Marc Ford. El tour Europeo como teloneros de Los Stones en 1994 hizo que su tercer album Amorica (1994)  se convirtiera en un gran suceso internacional;  la consolidación defintiva llegó en 1996 con el lanzamiento de Three Snakes and One Charm. A pesar del éxito su relación con Def American se había deteriorado, según ellos Rick Rubin (presidente de Def American y legendario productor) se entrometía en los aspectos musicales de la banda; la ruptura llegó cuando en 1997 el sello se negó a lanzar el quinto album de Black Crowes titulado Band (en 1993 Rubin también les había vetado el album Tall). Cuando en 1998 Def American fue absorbido por Columbia Black Crowes prefieron irse con la multinacional quienes para sorpresa de todos les ofrecieron completa libertad y control sobre su música (una rara concesión de los grandes conglomerados). Poco antes de entrar a los estudios echaron a Marc Ford (cuya adicción a la heroína se había tornado un problema) y el bajista Johnny Colt decidió marcharse; con Sven Pipien al puesto de Colt y Chris Robinson tocando todas las guitarras Black Crowes pasó todo el año 1998 grabando el que sería su quinto album oficial lanzado en Enero de 1999 con el título de By Your Side. El disco representaba por un lado el retorno a las fuentes del primer album (Hard Rock & Boogie duro y directo) pero por el otro exploraba las raíces Soul de los hermanos Robinson. Este aspecto es en mi muy personal opinión lo más resaltante de un gran disco como se refleja en 'By Your Side', 'Only A Fool', 'Welcome To The Goodtimes', 'Diamond Ring' y 'Then She Said My Name', temas cargados de Soul en la mejor tradición del sello Stax/Volt, secciones de viento poniendo el contrapunto, coros deliciosamente Gospel, el estupendo órgano Hammond de Eddie Harsch de una solemnidad secular y Chris Robinson demostrando ser un vocalista como pocos quedan. Sin embargo The Crowes no olvidan su lado más visceral:  'Go Faster' y 'Kickin´ My Heart Around' abren el disco formando un auténtico terremoto sónico con la dura sección rítmica Pipien/Gorman golpeando como un martillo neumático, Rich Robinson desdoblándose entre afilados riffs y metálicos punteos (la parte de guitarra con slide en 'Kickin´ My Heart Around' es de antología) y la incisiva armónica de Chris en vuelo rasante. Las estupendas 'Horsehead' y 'Heavy' tienen aires a lo Zeppelin y son las piezas más heavies del album. 'Go Tell The Congregation' conjuga acertadamente todos los elementos anteriores mientras 'Virtual And Vice' cierra con broche de oro ofreciendo un soberbio contraste entre el lirismo del piano de Eddie y la aspereza de la guitarra de Rich. By Your Side no fue recibido con el mismo entusiasmo unánime de los 4 albumes anteriores pues mientras unos celebraban su renovada energía primaria y gran musicalidad otros los acusaron de copiar el Exile On Main Street de Los Stones en lo musical y a Rod Stewart en lo vocal además de catalogar sus incursiones en el R&B como "blandas"... por cierto que Rod alabó públicamente el disco calificándolo como brillante y comentando que lo había dejado literalmente noqueado. Es como un karma que persigue a todos los grandes del Rock, me refiero el ver como los mismos críticos musicales que inicialmente los encumbraron intentan posteriormente derribarlos del pedestal, solo que en el caso de Black Crowes estamos hablando de una banda que está muy por encima de modas y clichés superando en manera más que convincente el paso del tiempo y dejando para la posteridad albumes como este que jamás sonarán desfasados.



Categoría: 90's | Vistas: 619 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 14-Sep-2011


Blues Traveler son sin duda los herederos legítimos de las grandes jams bands de la historia del Rock como The Allman Brothers Band y Grateful Dead. Si bien es cierto que a finales de los 80 ya existía en EUA una oleada de bandas jóvenes que trabajaban en esa dirección fueron Blues Traveler los artífices para que la "jam" en el Rock dejara de ser sólo un recurso para convertirse en todo un movimiento. Fue idea de ellos la creación en 1992 del H.O.R.D.E. (Horizons Of Rock Developing Everywhere), un festival itinerante  para que bandas con pocos medios económicos o carentes de apoyo corporativo pudieran presentarse en anfiteatros y locales de gran capacidad en Norteamérica. Esta iniciativa llevó a una nueva generación de melómanos a familiarizarse con el sonido de las jam bands (caracterizadas por dar extensos recitales alargando los temas con solos e improvisaciones colectivas) y fue determinante en la consolidación de agrupaciones como Widespread Panic, Phish, Gov't Mule, Moe y tantas otras. La historia se remonta a mediados de los años 80 cuando John Popper y Brendan Hill ambos estudiantes de secundaria en Princeton (Nueva Jersey) forman una agrupación llamada The Establishment Blues Band. Cuando en 1987 pasan a llamarse Blues Traveler ya habían consolidado su lineup ideal con Popper (cantante, armónica, guitarra), Hill (batería), Chan Kinchla (guitarra solista) y Bobby Sheehan (bajo). Tras graduarse el cuarteto fija su residencia en Brooklyn y comienza a tocar asiduamente por toda el area de Nueva York haciendo amistad con David Graham hijo del legendario promotor Bill Graham quien los toma bajo su protección y le organiza sus primeras giras por la costa este. Gracias a su creciente reputación sobre los escenarios reciben un día la visita (y respectiva propuesta) de un cazatalentos de A&M Records con quienes graban en 1990 su primer album homónimo que incluye el tema 'But Anyway', todo un hit en el circuito de las radios universitarias. A pesar del limitado impacto comercial Blues Traveler comienza a dar que hablar hasta el punto que su segundo album Travelers and Thieves (1991) cuenta con la colaboración de Gregg Allman en el tema 'Mountain Cry'. Debutan en el Show de David Letterman, espacio del que serán asiduos visitantes dada la admiración pública que les profesa el temperamental animador y esto les proporciona gran proyección en el horario estelar de la TV Norteamericana, sin embargo necesitan mucho más para llegar al gran público, especialmente tras la muerte de su mentor Bill Graham. Fue así como en 1992 inspirados en el éxito del Lollapalooza Festival de Perry Farrell crean el concepto de H.O.R.D.E. una asociación entre Blues Traveler y otras jam bands (Widespread Panic, The Samples, Spin Doctors, Aquarium Rescue Unit y Phish) para salir de gira juntos; el plan era tocar en recintos de gran capacidad a nivel nacional pero compartiendo los gastos para mantener bajo el precio de las entradas y así atraer mucha gente. La idea fue todo un éxito y Blues Traveler obtuvieron su primer suceso importante con el tercer registro Save His Soul (1993) pero la consagración llegaría con Four (1994) impulsado también por la apoteósica presentación del cuarteto en Woodswtock '94 que terminó por convertirlos en un espectáculo de masas y en una de las más importantes agrupaciones de los 90. Musicalmente Blues Traveler están arraigados en el típico sonido Americano de finales de los 60 con elementos de Folk, Blues, Psicodelia y Southern Rock pero sin sonar retros; sus canciones están muy bien construidas con buenas melodías y excelente ejecución sin embargo es en los recitales donde alcanzan su real dimensión. Es por ello que tras el exitoso tour de 1995 (ya como cabezas de cartel) el paso lógico era sacar un album en vivo que los mostrara en su ambiente natural, cosa que hicieron el 1996 con este estupendo doble CD titulado Live From The Fall. A pesar de estar muy bien compenetrados como banda cada músico sabe brillar con su propia estrella: John Popper es el elemento más reconocible gracias a su quejumbrosa voz pero sobre todo por su inventiva con la armónica, un instumento con un rango muy limitado pero que en sus manos y boca se convierte casi en un teclado de donde extrae los más ingeniosos sonidos. Chan Kinchla es un guitarra muy completo, su estilo es sólido e incisivo  con preferencia por las distorsiones pero sin renunciar a las rápidas ráfagas de corte Jazzístico. Si te gustan los buenos bajistas seguro terminarás poniendo a Bobby Sheehan en tu lista de favoritos, un músico extraordinario que parece a veces un guitarra más en el contexto sónico. Brendan Hill no se queda atrás con su versatilidad como baterista, impecable en los cambios de ritmo y magnífico en la dupla con el bajista Sheehan. El repertorio es excelente y son por supuesto las piezas más largas los puntos álgidos donde la agrupación muestra su virtuosismo instrumental y capacidad para improvisar como en 'Closing Down The Park', 'Mountain Cry', 'Alone', 'Low Rider' (original de War, la banda de Soul/Rock fundada originalmente por Eric Burdon) y 'Sweet Talking Hippie' sin olvidar su buen hacer en los temas más concretos como 'But Anyway' o la versión de 'Imagine' que grabaron para el album homenaje a John Lennon Working Class Hero. Lamentablemente Blues Traveler sufrieron un duro golpe con la muerte de Bobby Sheehan en 1999 que los condujo a un semi-retiro que propició su explusión de A&M; volverían en 2003 con un nuevo bajista (Tad Kinchla, hermano de Chan) y el tecladista Ben Wilson manteniendo viva su leyenda hasta nuestros días aunque con ventas más moderadas. Otra gran banda de los 90 que merece ser tomada en cuenta por los seguidores de Rock más clásico.



Categoría: 90's | Vistas: 548 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 07-Sep-2011


Entre las bandas amparadas bajo el mal llamado "sonido Alternativo" y que a partir de los años 90 escribieron nuevas páginas brillantes en la historia del Rock no podemos dejar pasar el nombre de Counting Crows. Procedentes de Berkeley (uno de los grandes bastiones intelectuales y culturales de EUA) pero asentados en San Francisco Counting Crows pertenece a la élite de bandas noventeras que se deslindaron de los clichés del Grunge para emerger con un estilo propio que reivindicaba el sonido clásico del Rock de los 60 y 70 pero sin anacronismos y con la suficiente calidad para trascender en el tiempo. CC se iniciaron en 1991 como dúo acústico integrado por el cantante/compositor Adam Duritz y el guitarrista David Bryson, dando recitales por Berkeley y San Francisco con el acompañamiento ocasional del multinstrumentista David Immerglück; tras probar otros músicos logran estabilizarse en 1993 con Duritz, Bryson, Matt Malley (bajo), Steve Bowman (batería) y Charlie Gillingham (teclados, acordeón) estableciéndose definitivamente en Frisco (Immerglück rechazó integrarse como miembro oficial aunque aparecería en las grabaciones) y fichando con Geffen Records quienes quedaron gratamente impresionados tras escuchar un demo con 13 canciones del quinteto. Siendo aún unos desconocidos saltaron al ruedo mediático cuando ese mismo año de 1993 fueron elegidos para tocar en la ceremonia de inducción de Van Morrison al Rock & Roll Hall Of Fame, tras el lanzamiento en Septiembre de su primer album August And Everything After la banda se embarca en varios tours como teloneros pero el suceso del tema 'Mr. Jones' (N° 2 a nivel nacional gracias al respectivo video clip en la rotación de MTV) empujó el disco al N° 4 con 7 millones de copias vendidas convirtiendo a Counting Crows en una de las revelaciones del momento. El precio del éxito sería alto para Adam Duritz cuyo temperamento frágil lo llevó a sufrir más de un colapso nervioso pero la banda supo administrarse con sabiduría grabando de manera espaciada y alternando los tours con largos períodos de descanso, esta política les ha permitido llegar al 2011 con su potencial intacto dejando tras de sí una corta pero excelente discografía. August And Everything After es una obra impecable que, como todos los grandes discos en la historia, ha superado muy bien el paso del tiempo. La personalidad de Counting Crows descansa en la figura de Adam Duritz quien lleva la marca de los grandes cantautores Norteamericanos. Sus largas letras con ecos de Bob Dylan, Paul Simon, Van Morrison y Bruce Springsteen conforman un fascinante catálogo de historias y personajes de donde surgen perdedores, marginados o simplemente seres que no encajan en la sociedad,  con temas que giran alrededor de la soledad, la incomunicación y la débil esperanza por un futuro incierto. La música del quinteto es el soporte perfecto a las historias que Duritz canta con su histriónica y expresiva voz, sin solismos pero con brillantes desarrollos que se adaptan mágicamente al tono sombrío de las composiciones. Para quienes no los conozcan Counting Crows pueden sonar como una versión noventera de The Band con elementos de REM: Rock solenmne, rico en detalles pero lleno de vida; David Bryson teje emotivas y multicolores figuras con su guitarra que ocasionalmente se elevan en densos y sólidos punteos muy bien controlados, la pulsación rítmica de Matt Maley & Steve Browman son el punto de equilibrio que impide que los temas se desboquen o se hundan en los fosos de la depresión, el órgano Charlie Gillingham es de una sencillez y una solemnidad casi seculares que refuerza el tono melancólico de las ejecuciones mientras que el miembro no oficial David Immerglück pone el toque "Americano" con su gama de instrumentos tradicionales (mandolinas, pedal steel, dobro). El disco cuenta además con la brillante producción de T-Bone Burnett, cantautor Norteamericano con una larga carrera de culto desde 1972. Citar temas en un album tan parejo resulta dificil: el peso específico está en las piezas más oscuras ('Perfect Blue Buildings', 'Sullivan Street', 'Ghost Train', 'Raining In Baltimore') con otras más vitales que hacen un contraste muy efectivo ('Omaha', 'Anna Begins', 'Rain King'); en lo personal me fascinan las piezas que arrancan lentamente y van ganando altura en la medida que se desarrolla la historia ('Round Here' que abre el disco, la maravillosa 'Time And Time Again' y el tema de cierre 'A Murder Of One') sin olvidar por supuesto la contagiosa alegría de 'Mr. Jones', un clásico del Rock donde lo pongan. ¿Piensas que exagero poniéndolos por el cielo al nivel de los grandes?, pues escúchalos y verás. Como escribió una vez el editor de Allmusic Stephen Thomas Erlewine: "una de las pocas bandas alternativas capaces de gustar a los que piensan que el Rock & Roll murió en 1972".



Categoría: 90's | Vistas: 691 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 02-Sep-2011


En los 80 la prensa musical pareció obsesionarse con las etiquetas catalogando con términos curiosos cualquier nueva tendencia en el Rock. Así el Jangle Pop surgió como un género dentro del Rock alternativo para referirse a las bandas que combinaban el sonido áspero y crudo del Punk con melodías Pop, armonías vocales, elementos Country/Folk y juegos guitarrísticos de inspiración Byrdsiana, de hecho el término "Jangle" (extraído de Mr. Tambourine Man) hacía referencia al tintinear de la guitarra eléctrica de 12 cuerdas introducido por The Beatles en A Hard Day's Night pero difundido por The Byrds con sus 4 primeros y legendarios registros. Gin Blossoms fue una de las bandas más características del género con una carrera exitosa entre 1992 y 1996 que se cortaría abruptamente en 1997 por razones extra musicales. Procedentes de Tempe (Arizona) Gin Blossoms se formaron en 1987 estabilizando su lineup en 1989 con el cantante Robin Wilson, los guitarristas Doug Hopkins & Jesse Valenzuela, el bajista Bill Leen y el baterista Phil Rhodes. Con Hopkins y Valenzuela proveyendo la mayor parte del material Gin Blossoms sorprenden gratamente en 1989 con un album producido y editado de manera independiente por ellos mismos (Dusted) llamando la atención de la multinacional A&M que terminó fichándolos en 1990. El extended Play Up And Crumbling (1991) y su primer album oficial New Miserable Experience (1992) son la catapulta hacia el éxito masivo, sin embargo las sesiones de este último fueron una pesadilla: Doug Hopkins sufría de depresión y se pasó casi todo el tiempo borracho, A&M amenazó con cancelar el album y Gin Blossoms tomó la difícil decisión de prescindir de su amigo y principal autor remplazado por Scott Johnson quien sin embargo no tocó en el disco aunque se le incluyó en los créditos. New Miserable Experience llegó al puesto 30 de Billboard (otros charts lo ponían en el N° 1 pero lo que diga Billboard es palabra santa en EUA) y colocó 6 singles en el top 40 (uno de ellos 'Found Out About You' entró 2 veces en 1993 y 1995), sin embargo el suceso quedó opacado cuando Hopkins se suicidó en 1993 marcando el futuro de sus ex compañeros para siempre. Las sesiones para el trabajo sucesor fueron un desastre y los únicos temas rescatables salieron en el extended-play Shut Up And Smoke (1994) hasta que 1996 la banda logró culminar su segundo album Congratulations I'm Sorry, su trabajo más exitoso (top 10 a nivel nacional); desgraciadamente Gin Blossoms jamás se recuperaron por la pérdida de Hopkins, el precio de la fama los hizo caer en una espiral de alcohol y drogas y en 1997 anunciaron su disolución aunque volvieron en 2002 grabando 3 nuevos albumes (uno de ellos en vivo) y manteniéndose activos en 2011 con una formación remozada. A pesar de las críticas que los acusaban de repetirse Congratulations I'm Sorry fue un muy buen album, no al nivel de su obra maestra pero lleno de estupendas melodías que han resistido muy bien el paso del tiempo. El brillante single 'Day Job' abre el album de la mejor manera ofeciendo una ejecución sólida, compacta llena de garra y 'punch' al igual que la excelente 'Follow You Down', puro Power-Pop de carretera con punzantes guitarras y deliciosos acentos Sureños de parte de la armónica. La herencia Byrds es innegable en 'Highwire', 'Not Only Numb' y 'As Long As It Matters', 3 piezas melódicamente perfectas con algunas de las mejores armonías vocales grabadas en los 90. Pero tras la deliciosa 'Perfectly Still' el nivel decae: 'My Car', 'Virginia' y 'Whitewash' son temas sólidos de buena factura pero muy similares entre sí y que para muchos no fueron más que el reflejo del enorme vacío compositivo dejado por Doug Hopkins. Por fortuna el disco toma altura nuevamente en el tramo final (aunque sin el impacto de la primera mitad) con la colorida 'I Can´t Figure You Out', el sabor Country de 'Memphis Time', 'Competition Smile' y la hermosa 'Til I Hear It From You' grabada un año antes para el soundtrack de la película Empire Records y solamente incluida en sucesivas rediciones de este segundo album. En resumen Congratulations I'm Sorry no será precisamente un clásico pero sí un disco que 15 años después aún suena fresco y está a cientos de años luz en comparación con el mediocre Rock de este nuevo milenio.




Categoría: 90's | Vistas: 846 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 27-Ago-2011


En mi opinión los años 90 (específicamente el período 1990-1998) fue el último momento de esplendor que vivió el Rock. Habiendo perdido Gran Bretaña la posición hegemónica que detentaba desde la aparición de Los Beatles, Estados Unidos de América se convirtió en un vivero de bandas jóvenes llenas de vitalidad y rebosantes de ideas, bandas que dejaron el más valioso y perdurable legado musical de las últimas 2 décadas. A diferencia de los Punks 15 años antes esta nueva oleada se caracterizaba por reivindicar el clásico sonido del Rock de los 70 y el éxito que obtuvieron fue determinante en la revalorización y remitificación de leyendas como Led Zeppelin, Black Sabbath, David Bowie, Velvet Underground, Neil Young o Bob Dylan. Varios de esos entonces nuevos artistas dejaron su sello en la historia del Rock a base de grandes discos llenos de estupendas canciones y sin duda que el nombre de Blind Melon es uno de los de más grata recordación. Se formaron en la ciudad de Los Angeles en 1989 con músicos provenientes de diferentes zonas del país: el cantante Shannon Hoon llegó procedente de Indiana, el guitarrista Christopher Thorn de Pensilvania; los otros 3 miembros el también guitarrista Rogers Stevens, el bajista Brad Smith y el baterista Glenn Graham eran sureños originarios de Mississippi. Como cada vez que ha surgido una nueva corriente en el Rock, Blind Melon fueron a parar involuntariamente en el mismo saco de Nirvana, Pearl Jam, Alice In Chains, etc. catalogados como Grunges o Alternativos, sin embargo ellos navegaban contra la corriente con un estilo muy personal de corte neo-psicodélico donde se entrecruzaban el Hard Rock de Led Zeppelin, sonidos de la Costa Oeste (Grateful Dead, Jefferson Airplane) y la herencia Folk/Blues sureña de Allman Brothers y Lynyrd Skynyrd. Después de grabar una demo que infructuosamente recorrió varias disqueras la gran oportunidad les llego de rebote: Shannon Hoon y el pesado+pretencioso de Axl Rose eran amigos de la infancia y éste invitó a aquél a las sesiones de Use Your Illusion en 1991; Hoon puso su voz en 'Don´t Cry' y apareció en el respectivo video clip, de repente las más importantes casas discográficas en California se los peleaban y Blind Melon terminó firmando con Capitol. El homónimo album debut salió en el otoño de 1992 e inicialmente no tuvo gran impacto, pero el sucesivo éxito del tema 'No Rain' convirtió a Blind Melon en una de las bandas de moda pasando de teloneros (Lenny Kravitz, Neil Young, Ozzy Osborne) a encabezar sus propios espectáculos, tocando en los espacios más codiciados de la TV Norteamericana y recibiendo nominaciones a los premios Grammy. En 1994 la banda comienza a grabar su segundo album y las sesiones se interrumpen varias veces por razones tan diversas como la aparación de Blind Melon en la réplica del Woodstock Festival, su papel de teloneros en parte de la gira Norteamericana de Los Rolling Stones y la rehabilitación de Shannon de su adicción a las drogas. Soup salió en el verano de 1995 y en contra de la opinión de los médicos que lo atendieron en su rehabilitación Hoon se empeñó en salir de gira para promocionarlo; todo marchaba bien pero, tras regresar de un breve tour Europeo, el 21 de Octubre de 1995 el destino les da un portazo en la cara cuando Shannon apareció muerto en el bus de la gira de un paro cardíaco debido a una sobredosis de cocaína. En 1996 la banda saca el CD Nico con decartes de estudio y tras un hiato de 3 años anuncian su separación para reaparecer en 2006 con nuevo cantante (Travis Warren) y en 2008 con nuevo album (For My Friends). Al igual que el album debut Soup tuvo una fría recepción pero tras la muerte de Hoon las ventas se dispararon, y a pesar de las críticas dispares que recibió en su momento se trata de un gran album, el mejor de los dos que hizo BM en los 90 y una obra que merece ser recordada por siempre. Aquí el sonido vibrante del primer disco se enriquece con cierta experimentación y mayor apertura a la raíces Folk/Psicodélicas de Blind Melon. El material está más condensado en "canciones" con menos espacios para las jams instrumentales pero con melodías más sólidas y esmero en los detalles. Hay una contraposición de elementos eléctricos y acústicos muy bien lograda con armónica, madolina, banjo, contrabajo, cello y vientos contrastando el sólido trabajo de Stevens & Thron a las guitarras y la musculosa sección rítmica de aires Funk/Jazz que aportan Smith y Graham; Shannon tiene una voz metálica con inflexiones de Rhythm & Blues que por momentos suena como un instrumento más. Las canciones son, repito, muy variadas con letras que expresan sentimientos y situaciones opuestas a la música y reflejan en parte el caos por el que pasaba Hoon: así '2x4' hace apología a los efectos de la heroína, 'Skinned', 'Car Seat' y 'St. Andrew´s Fall' descubren escabrosos personajes de la vida real tristemente célebres como asesinos y suicidas, pero también manifiesta alegría y esperanza por el nacimiento de su hija en 'New Life'. El album se grabó bajo la producción de Andy Wallace en la ciudad de Nueva Orleans y eso explica el porqué inicia y termina con una melodía de Jazz callejero de los años 20 típico de esa ciudad. El último tema 'Lemonade' tras un silencio de casi 3 minutos culmina con una efectiva jam semi-acústica que incomprensiblemente fue amputada en sucesivas rediciones del CD. En mi humilde opinión Soup es una obra maestra del Rock de los últimos 20 años. Si te gusta Led Zeppelin III por la sugestiva combinación de sonidos Hard Rock y Folk seguramente te sentirás a gusto con Soup.



Categoría: 90's | Vistas: 688 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 21-Ago-2011


Curiosa trayectoria la de J.J. Cale. A pesar de una larga carrera que sobrepasa los 50 años durante los cuales ha adquirido de manera más que merecida el estatus de leyenda, Cale es sin embargo un artista de culto, un músico talentoso reservado a una "inmensa minoría". Lo más cercano que Cale ha estado del éxito comercial fue con el tema 'Crazy Mama' en 1972 manteniéndose desde entonces como espectador del éxito de sus canciones en manos de otros: Eric Clapton ('After Midnight' y la más que célebre 'Cocaine'), Lynyrd Skynyrd ('Call Me The Breeze' y 'I Got The Same Old Blues'), Santana (Sensitive Kind') y un largo etcétera que incluye a gente tan disímil como Bryan Ferry, Kansas, Dr. Hook, Waylon Jennings, Johnny Cash, The Band, Allman Brothers y Captain Beefheart. En términos de influencia J.J. Cale dejó una marca profunda en el cambio de estilo que Eric Clapton adoptó con su album 461 Ocean Boulevard de 1975, cuando Dire Straits sorprendieron al mundo en 1978 con su espléndido disco debut muy pocos advirtieron que Mark Knopfler (líder de la agrupación) era la versión Británica (mas no una copia) de J.J. Cale en cuanto al estilo de guitarra y manera de cantar, mientras que el "sonido J.J. Cale" ha dejado huella en gente como Neil Young,Tom Petty & The Heartbreakers y The Jayhawks así como bandas y artistas más cercanos en el tiempo (Sheryl Crow, Counting Crows, Lucinda Williams). Pero ante todo J.J. Cale pasará a la historia como un músico honesto e íntegro, un artista fiel a sus principios, completamente ajeno a las modas, imposiciones de las casas discográficas y obligaciones promocionales (cuando en 1972 'Crazy Mama' comenzó a subir en las listas Dick Clark lo contrató para aparecer en American Bandstand, sin embargo Cale rechazó la oportunidad de proyectarse a nivel nacional cuando el director del programa le informó que él y su banda no podían tocar en vivo sino doblar la canción). Sus entrevistas han sido contadísimas, la vida estable derivada de las ganancias que recibe por concepto de derechos de autor le ha permitido grabar libre de presiones y ataduras, y aunque habría podido llevar una vida más glamorosa, Cale ha sido feliz viviendo en su casa rodante aparcada en las afueras de la ciudad de turno... en fin, estamos hablando de un auténtico ser humano, un artista con los pies bien puestos sobre la tierra y que jamás renunció a su don de gente para convertirse en una inalcanzable Rockstar. John Weldon Cale nació el 5 de Diciembre de 1938 en Oklahoma City pero de niño su familia se mudó a Tulsa; como muchos jóvenes blancos Sureños Cale se interesó desde muy joven por la música aprendiendo a tocar la guitarra influído por Chet Atkins, Les Paul, Chuck Berry y escuchando Bluesmen locales como Clarence "Gatemouth" Brown y Billy Butler. A finales de los 50 Cale comenzó a moverse por la escena Rock & Roll de Tulsa trabando amistad con futuros colaboradores y leyendas: Leon Russell, Carl Radle, David Gates (fundador de Bread) y Jimmy Karstein (por años su baterista). En 1964 Cale se traslada a Los Angeles, toca regularmente en el club Whiskey A-Go-Go (donde el dueño, Elmer Valentine, lo bautiza J.J. Cale sin razón aparente) y allí conoce a Snuff Garrett, jefe de Artistas y Repertorio del sello Liberty, quien lo contrata para una disquera que estaba formando (Viva Records). En 1966 Cale arma con algunos amigos una banda llamada The Leathercoated Minds y Viva les lanza el album de orientación psicodélica A Trip Down The Sunset Strip que es rotundamente ignorado. Durante los siguientes 4 años Cale se dedicó a trabajar como asistente de producción (primero con Garrett y luego con el socio de este llamado Audie Harsworth), tocar y grabar demos con sus propias canciones; el momento decisivo llega cuando su amigo el bajista Carl Radle le pone a Eric Clapton una cinta con la demo del tema de J.J. 'After Midnight', estusiasmado Eric graba la pieza y la incluye en su primer album solista homónimo en 1970. Dispuesto a aprovechar la coyuntura Audie Harsworth convence a Cale de regrabar el tema con miras a un album y convertido en su mánager logra que Shelter Records (una nuva disquera formada por Leon Russell y el Británico Denny Cordell) lo contrate. Musicalmente El debut de J.J. Cale titulado Naturally (1972) inaugura el llamado "Tulsa Sound" que combina Rock & Roll, Country, Blues y R&B con elementos Jazzísticos y Cajún, el tema 'Crazy Mama' llega al puesto N° 22 a nivel nacional pero el album tiene una recepción muy modesta. Sin embargo el talento de Cale no pasaría desapercibido, muchos artistas comenzaron a grabar sus composiciones y su estilo a la guitarra (una especie de rasgueo/punteo ralentizado bautizado por el propio Cale con el término laid-back) sería ampliamente imitado. Consciente de esta realidad J.J. Cale se limitó en los años sucesivos a hacer albumes espaciados en el tiempo sin condicionamientos comerciales, obras estupendas que cimentaron su leyenda como uno de los más grandes cantautores Americanos (Really en 1973, Okie en 1974, Troubadour en 1976, 5 en 1978, Shades en 1981, Grasshopper en 1982 y 8 en 1983) tras las cuales nuestro héroe, quien ciertamente no necesitaba grabar para mantenerse, entra en un período de reclusión roto en 1990 por el album Travel Log y que se extiende hasta nuestros días con su talento intacto y mayor predisposición a hablar con la prensa y tocar en vivo especialmente en Europa donde sus discos siempre fueron mejor recibidos. El presente doble CD Anyway The Wind Blows es la mejor introducción a la música de J.J. Cale, 50 temas remasterizados que cubren toda su carrera hasta entonces; todos sus clásicos están aquí junto a piezas menos conocidas y 6 temas completamente inéditos por lo demás magníficos. El libreto de 28 páginas es también excelente con un largo texto biográfico e información sobre el material incluido. No voy a entrar en detalles sobre las canciones, baste con decir que si has escuchado alguna vez 'Call Me The Breeze', 'After Midnight', 'Magnolia', 'Cocaine' o 'I´ll Make Love To You Anytime' sería bueno que conocieras al autor de estas y otras maravillas y descubras de dónde otros han sacado sus ideas.



Categoría: 90's | Vistas: 703 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 14-Ago-2011




Tras su gloriosa etapa 1969-1976 The Allman Brothers volvieron a la carga en 1979 con cambios en la formación produciendo tres albumes bastante dignos (Enlightened Rogues, Reach for the Sky y Brothers of the Road), pero incapaces de insertarse en la nueva escena del Rock se separaron nuevamente en 1982. A finales de los 80 sus antiguos miembros estaban metidos en diversos proyectos hasta que casualmente tanto la Greg Allman Band como la Dickey Betts Band coincidieron en Epic Records. Ese acercamiento hizo que Greg y Dickey superaran sus diferencias y llamaran a Jaimoe y Butch Trucks para una gira conmemorativa por los 20 años de su formación. Los conciertos fueron tan bien que en 1990 Allman Brothers volvieron a los estudios y grabaron Seven Turns, el album que los puso nuevamente en la ruta del éxito y el reconocimiento, ganando nuevas generaciones de fans y estableciéndose hasta nuestros días como una de las grandes bandas activas, especialmente por sus fabulosos directos. Buena parte del éxito se debió a la incorporación de 2 músicos sureños que parecían hechos a su medida: el guitarrista Warren Haynes y el bajista Allen Woody. Haynes era miembro de la Dickey Betts Band donde estableció junto a Betts un soberbio tándem muy similar al que este tenía en los 70 con Duane Allman; Woody tocaba en la Artimus Pyle Band (ex baterista de Lynyrd Skynyrd) y entró en los Allman a instancias de Butch Trucks. En 1991 la banda confirmó su buen momento con el estupendo album Shades of Two Worlds y en 1992 apareció An Evening With The Allman Brothers Band [First Set] tomado de tres recitales en Macon (1991), Boston y New York (1992) y que documenta el óptimo estado de salud de Allman Brothers en su ambiente natural: sobre el escenario. Para entonces Butch Trucks convenció a sus compañeros para incorporar un nuevo miembro oficial, el percusionista Neoyorkino Marc Quiñones, una opción aparentemente supérflua en una banda con dos bateristas pero que a la larga enriqueció aún más el legendario entramado rítmico de Trucks y Jaimoe. El repertorio, sobra decirlo, es maravilloso, los temas de Shades of Two Worlds conviven en perfecta armonía con los viejos clásicos: la inicial 'End Of The Line' es una pieza llena de garra con magníficos solos de Haynes/Betts, vibrante tapete percusivo y la excelente vocalización de Greg menos potente que en el pasado pero más "soulful", 'Get On With Your Life' es un delicioso Blues original sin nada que envidiarle a 'It´s Not My Cross To Bear' o 'Stormy Monday' mientras que los 15 minutos de 'Nobody Knows' son toda una orgía de percusiones y guitarras, una 'Mountain Jam' pasada por la licuadora a alta velocidad capaz de dejarte exhausto. 'Midnight Blues' es una relaboración del clásico Blues de Blind Willie McTell 'Blues Around Midnight'  tocada por Warren/Dickey a las guitarras acústicas y alternándose en las voces, Allen al bajo y el invitado Thom Deucette a la armónica en una interpretación mágica y sublime. Los viejos clásicos incluyen temas casi nunca o jamás interpretados: 'Blue Sky', 'Melissa' y 'Revival' superan las originales por amplio margen gracias al inventivo trabajo de las guitarras tanto en los solos como en los duetos (el break conjunto al final de 'Melissa' es toda una maravilla), 'Southbound' cuenta con un brillante impacto rítmico que compensa la ausencia del solo de piano en la original mientras que la inmortal 'Dreams' ... estoy seguro que Duane se habría sentido orgulloso de sus "hermanos" por la manera como bordaron uno de los mejores temas de la discografía Allman. En 1995 Epic puso en circulación An Evening With The Allman Brothers Band [2nd Set], otro directo que combinaba material del tour 1992 con temas provenientes de los recitales para la promoción de su entonces reciente trabajo en estudio Where It All Begins (1994), otro gran album que alcanzó el disco de oro y dejó para la posteridad uno de los temas Allman más populares, 'Soulshine'. Aunque distantes en el tiempo ambos sets se complementan tan bien que ciertamente pudieron haber formado un doble CD. Aquí son los temas de Where It All Begins los que dominan el panorama: 'Sailin´ ´Cross The Devil´s Sea' tiene una estructura Hard Rock inusual para los Allman pero deja muy buena impresión por la voz de Greg, el efectivo duelo de guitarras y Quiñones destacando por sobre el tapete percusivo; 'Soulshine' era (y aún es) uno de los momentos cumbre de los recitales, una brillante y estupenda balada cantada por Haynes con un estribillo para la historia; 'Back Where It All Begins' brinda la oportunidad para que toda la banda se luzca en otra de sus ya clásicas jams, al igual que en 'No One To Run With', pieza cargada de Rhythm & Blues y sólidas guitarras multicolores. 'The Same Thing' es una versión del Bluesman Willie Dixon en clave Funk donde Marc y Jaimoe intercambian sus instrumentos por una vez. Pero son las tres piezas de su repertorio más antiguo la guinda del pastel: una 'You Don´t Love' más corta que en el pasado pero que igual nos lleva mentalmente a los viejos tiempos del Fillmore East, una GENIAL interpretación acústica de  'In Memory Of Elizabeth Reed' a cargo de Warren, Dickie y Allen (este último descargando un soberbio solo de bajo), y una maratónica  'Jessica' de 16 minutos llena de deliciosas variantes que la banda jamás había ensayado antes con esta pieza. Ambos albumes fueron brillantemente producidos por Tom Dowd quien no trabajaba con la banda desde 1979 y siguió ligado a ellos hasta su muerte en 2002. Dos CD's indispensables para los fans y ampliamente recomendados a los amantes del clásico sonido Americano de los 70 con ese sabor añejo que jamás caduca.



Categoría: 90's | Vistas: 1080 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 08-Jun-2011


Dejando de lado el aspecto mercantil (pues esta clase de lanzamientos tienen un fin puramente comercial y la mayoría de las veces son hechos por las discográficas al margen de los artistas) existen 2 clases de discos recopilatorios: los hechos con el mismo criterio de un cerdo seleccionando entre su bazofia y los que siguen una línea temática para darle al producto final una unidad y entidad propias. Esta pequeña antología del maestro Frank Zappa pertenece a la segunda categoría. Unos de los atributos característicos del universo Zappiano fueron la irreverencia y la ironía; el aporte de Frank Zappa a la cultura popular ha sido discutido, analizado y tergiversado de todas las maneras posibles a lo largo de los años, en mi opinión Zappa elevó la sátira social a una forma de arte insertándola en un contexto musical donde confluían por igual elementos de la música popular de la post-guerra (Rock And Roll, Doo-Wop, Jazz, R&B) y de las corrientes "cultas" (clasisismo, barroquismo, vanguardismo) y desnudando los tabués de la conservadora sociedad Americana ante los ojos del nuevo público joven; hace años leí una cita donde definían a Frank Zappa como un cruce entre Beethoven y Lenny Bruce, y la verdad que la referencia es menos absurda de lo que parece. Have I Offended Someone? recoge 15 temas del período 1973-1985 que tienen en común el haber resultado ofensivos para algún sector de la sociedad Norteamericana a lo largo de ese lapso de tiempo. Nadie se salva en este disco: niñas ricachonas, feministas, gays, pseudo-intelectuales, ejecutivos discográficos, católicos, satanistas, especímenes de discoteca, moralistas, punks... todos son pasados sin piedad por las armas de la fina ironía Zappiana y el resultado es espléndido. La recopilación fue obra del propio Zappa (uno de sus últimos trabajos antes de su lamentable muerte en 1993) quien seleccionó los temas y dejó específicas instrucciones respecto a las mezclas. Durante buena parte de su carrera Zappa se sintió inconforme por la manera como algunos de sus más emblemáticos albumes fueron mezclados, aunque parezca increíble Frank Zappa fue uno de los artistas más perjudicados por la dictadura de las discográficas; el contrato que firmó originalmente con Verve en los 60 le daba control sobre la grabación mas no sobre la mezcla la cual era realizada a criterio de los productores. Esa es la razón por la que el acuerdo entre Frank y Rykodisc para la redición masiva de su catálogo en CD estipulaba que algunos títulos serían completamente remezclados (Hot Rats, por ejemplo, es diferente al vinilo original) y también el motivo por el que el autor decidiera "actualizar" algunas piezas con miras a este lanzamiento: por ejemplo 'Bobby Brown Goes Down', 'We´re Turning Again' y 'Yo Cats' fueron remezcladas, 'Disco Boy' y 'Dinah-Moe Humm' se presentan como "reconstruidas", 'Goblin Girl' fue re-equalizada a velocidad menor y tanto 'Dumb All Over' como 'Tinsell Town Rebellion' son versiones en vivo nunca antes incluidas en un album. El libreto contiene un texto de Ed Sanders (gran amigo de Zappa y ex miembro de The Fugs, comuna musical Neoyorkina que en los 60 tenía claras afinidades con la visión artística de Frank) algo denso y complejo pero que analiza acertadamente el marco conceptual de este trabajo. En conclusión estamos ante un CD que trasciende su condición de mera recopilación para pasar a considerarse una pieza vital en la colección de cualquier fan de nuestro siempre recordado Francis Vincent Zappa. Por último quiero dedicar este post a mi amigo Julio, colaborador del blog Las Galletas de María y una autoridad en la música de Frank Zappa.



Categoría: 90's | Vistas: 857 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 19-Abr-2011

La inesperada muerte de Gary Moore el pasado 6 de Febrero (un ataque cardíaco mientras dormía durante unas vacaciones en Málaga) nos dejó sin otro de los grandes guitarristas vivientes. Dotado de una técnica alucinante, velocidad, versatilidad y un dominio absoluto de las escalas y los tonos, su talento sin embargo no ha sido valorado en su justa dimensión. Me gustaría que algún erudito me explicase qué tienen Joe Satriani, Steve Vai, Edward Van Halen o el difunto Randy Rhoads que no tuviera Gary Moore, por qué si bien se le reconocen sus hablidades nunca se le cita en el selecto grupo de los grandes. No obstante este Irlandés tuvo una carrera tan brillante como coherente demostrando no sólo su virtuosismo sino también sus dotes como compositor y cantante, tanto en Skid Row (los originales, no los vulgares hard rockeros de los 90), Thin Lizzy y Colosseum II como al frente de su propia banda. Después de separarse definitivamente de Thin Lizzy tras el soberbio album Black Rose en 1979 y tras un breve paso por la banda de Greg Lake (ex bajista y cantante de ELP) a principios de los 80, Gary concentró todas sus fuerzas en su carrera solista produciendo muy buenos discos de Hard Rock marcados por su torrencial estilo, pero tras el album After The War de 1989 Moore redescubre su pasión por el Blues, grabando uno de sus discos más conocidos (el soberbio Still Got The Blues), formando una nueva banda llamada Midnight Blues Band con quienes se dedicaría a recorrer los escenarios del mundo para demostrar que lo suyo no se limita a las vertiginosas carreras por el mástil de la guitarra sino que también es un intérprete cargado de sensibilidad y expresividad. Blues Alive esta tomado de algunos conciertos en Los Angeles, París y Londres como parte de su gira mundial de 1992 y es el disco que más me gusta recomendar de este caballero; una vibrante combinación de temas propios y clásicos del Blues respaldado por una extraordinaria banda donde se dan cita algunos viejos zorros del British Blues (el tecladista Tommy Eyre, el bajista Andy Pyle, el baterista Graham Walker) junto a una trepidante sección de vientos y un par de chicas haciendo coros. El tema 'Cold Day In Hell' inicia los trámites por todo lo alto con la sección de vientos poniendo el contrapunto perfecto a los feroces punteos de Gary. La entrada de guitarra en 'Walking By Myself' del inmortal Jimmie Rodgers deja en claro cual es el nivel de Moore. Algunas de sus propias composiciones suenan tan auténticas que resulta difícil distinguirlas de los clásicos del Blues, tal es el caso de 'Story Of The Blues', 'Since I Met You Baby' y 'King Of The Blues' (dedicada a su ídolo Albert King). Su versión de 'The Sky is Crying' es una de las más intensas de este viejo clásico e incluso rescata a uno de los más injustamente olvidados héroes del Blues Inglés, el fallecido Duster Bennett, con el tema 'Jumpin´At Shadows'. En 'So Tired' (original de Johnny "Guitar" Watson) Gary hace dúo con el legendario guitarrista de Blues Albert Collins (quien sinceramente no sale muy bien parado al tratar de seguirle el paso a la escurridiza guitarra de Gary). En un par de oportunidades nos cuela 2 de las sensibileras baladas que de vez en cuando escribe, pero el solo en 'Parisienne Walkways' es tan impresionante que le perdonamos eso y más. Si te gusta el Blues Rock en vivo no dejes pasar este magnífico disco.



Categoría: 90's | Vistas: 1088 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 25-Mar-2011

Más que una banda Fairport Convention son toda una institución musical. Su aplicación de la rica tradición Folklórica Inglesa en el contexto del Rock de su tiempo los convirtió en la primera banda Británica de Folk Rock. Su discografía es tan variada como imprescindible para comprender la evolución del nuevo Folk Británico. Por sus filas han pasado las mayores leyendas del género, comenzando con la maravillosa y eternamente recordada Sandy Denny y siguiendo con nombres como Ashley "Tiger” Hutchings, Richard Thompson (más futura esposa Linda Peters), Simon Nicol, Dave Swarbrick, Dave Mattacks, Dave Pegg, Trevor Lucas (esposo de Sandy), Gerry Conway y Jerry Donahue entre otros; gente que tras su paso por el grupo madre tuvieron carreras destacadas, algunos como solistas, otros fundando bandas igualmente claves (Steeleye Span y Albion Band por Hutchings) y otros como acompañantes de lujo en agrupaciones consagradas (Pegg, Conway y Mattacks con Jethro Tull, por ejemplo). Pero lo más grande de esta gente radica en que a pesar de los constantes cambios de músicos (casi de disco a disco) su esencia e influencia jamás se vieron alteradas; no sería descabellado afirmar que Fairport Convention fueron al Folk Británico lo mismo que los Bluesbreakers de John Mayall al Blues Inglés: unos auténticos catalizadores de todo el movimiento. Este estupendo doble CD Meet On The Ledge es la mejor recopilación existente sobre los Fairport. El primer CD cubre la que suele considerarse la etapa de oro de la banda plasmada en sus 3 albumes más valorados: What We Did On Our Holydays, Unhalfbricking y Liege & Lief (los 3 en 1969), aunque también se incluye una pieza del primer album homónimo (1968) con la cantante original Judy Dyble, cuando FC sonaban más rockeros y ligeramente psicodélicos. El segundo CD marca el alejamiento de Sandy Denny (para formar Fotheringay) dejando a FC sin su mágica e inigualable voz; las tareas vocales quedarían repartidas entre los miembros restantes y si bien este pasaría a ser el flanco débil de su música, lo compensaban con creces gracias a un mayor virtuosismo instrumental y una mayor apertura a la tradición Folk. Este CD se cierra con el regreso temporal de Sandy a la formación en 1975 abriendo la posibilidad a su reincorporación definitiva que se truncó abruptamente con su muerte accidental en 1978 al resbalar en la escaleras de su casa. La colección se complementa con un estupendo libreto y algunas rarezas no incluidas en los albumes oficiales. Una pieza imprescindible para quienes deseen introducirse en la música de una de las grandes bandas Británicas de todos los tiempos.



Categoría: 90's | Vistas: 1013 | Agregado por: Aldoux | Fecha: 17-May-2010

1 2 »
close