 Aunque parezca increíble Renaissance nació de la misma escisión que también produjo a los futuros Led Zeppelin. Todo el mundo se sorprendió con este giro estilístico de Keith Relf (voz, guitarra) y Jim Mc Carty (batería), aunque sus raíces ya estaban presentes en las grabaciones de Los Yardbirds: los temas ‘Farewell’ y ‘Only The Black Rose’ mostraban ya su inclinación hacia los suaves sonidos del nuevo Folk Británico (Fairport Convention, Incredible String Band), mientras que en ‘Still I´m Sad’ y ‘Turn Into Earth’ hacían su aparición los cantos gregorianos y algunos elementos barrocos. Una vez separados The Yardbirds, ambos músicos grabaron algunos temas bajo el pseudónimo de Together con la colaboración de Jane Relf (hermana de Keith) poseedora de una hermosa voz de mezzo-soprano. A este núcleo se agregaron el bajista Louis Cennamo (ex Jimmy Powell & The Five Dimensions) y el pianista con entrenamiento clásico John Hawken (Ex The Nashville Teens) naciendo formalmente Renaissance. Su Folk-Rock con elementos clásicos y jazzísticos llamó rápidamente la atención y les permitió grabar en poco tiempo su primer album titulado simplemente Renaissance (1969) producido por otro ex Yardbirds, Paul Sanwell-Smith. El disco fue muy bien recibido por el público y la prensa musical, y Renaissance se embarcó en un agotador tour por Estados Unidos que ayudó a disparar su prestigio. De regreso a Inglaterra entraron al estudio para grabar su segundo disco cuando su manager les avisó que debían salir nuevamente de gira esta vez por Europa para gran disgusto de Keith y Jim. Al fin y al cabo ellos dejaron The Yardbirds cansados de los largos y caóticos tours que acabaron con sus nervios y no estaban dispuestos a repetir la historia. Anunciaron que sólo trabajarían en el estudio y la gira tuvo que ser parcialmente anulada. Esta decisión de los líderes desencadenó discordias y discusiones que alteraron la marcha de las sesiones, el disco se completó a duras penas con la colaboración de diversos músicos que entraban y salían en forma itinerante. Illusions (1970) fue distribuído sólo por un sello Alemán y pasó prácticamente desapercibido. Uno de aquellos músicos fue el guitarrista Michael Dunford (ex compañero de Hawken en The Nashville Teens) que con la aprobación de Keith y Jim tomó las riendas de lo que quedaba de Renaissance y buscó nuevos músicos para seguir adelante; Renaissance inició así una nueva etapa sin Keith Relf ni Jim Mc Carty al frente (si bien este último siguió escribiendo canciones para ellos hasta 1975) grabando el album Prologue (1972), alcanzando la estabilidad con Annie Haslam (cantante), Joe Camp (bajo), John Tout (piano), Terry Sullivan (batería) y Michael Dunford, y perfilándose como una de las mejores y más populares bandas progresivas de su tiempo, gozando de enorme prestigio y excelentes ventas… no obstante mi devoción por todo lo que suene a Yardbirds me hace sentir una especial inclinación por los primeros y neo-hippies Renaissance. Este doble CD del sello Castle titulado Innocents & Illusions recoge esos 2 primeros albumes: el primero homónimo nos presenta una banda musicalmente brillante en el tope de su creatividad: ‘Kings & Queens’ y ‘Wanderer’ gozan de un estupendo tratamiento colectivo conducido por el virtuosismo de Hawken quien muestra influencias de los grandes pianistas del período clásico (Chopin, Listz) en la primera, y los maestros del barroco (Vivaldi, Bach) en la segunda. ‘Island’, la ya citada ‘Wanderer’ y el bonus track ‘The Sea’ son vehículo para la preciosa voz de Jane Relf cuya influencia sobre futuras cantantes en este estilo sería más que notable, mientras que ‘Bullett’ es un collage que conjuga magistralmente esoterismo musical y elementos Blues/Jazz junto a ingeniosas y cautivantes armonías vocales. El segundo disco (Illusion) carece del perfecto acabado del anterior y refleja el período de inestabilidad por el que pasaba Renaissance, no obstante alcanza cotas casi sublimes en ‘Golden Thread’ y ‘Face Of Yesterday’. ‘Life Goes On’ y ‘Love Is All’ son 2 hermosos temas de una inocencia casi Pop mientras que ‘Past Orbits Of Dust’ posee un tratamiento puramente Jazzístico. ‘Mr. Pine’ suena a retazos de varias piezas inacabadas y su parte central utiliza una melodía que reaparecerá en ‘Can You Understand?’, tema de los futuros herederos del sonido Renaissance. Este lanzamiento se completa con un detallado y revelador texto impreso en un desplegable y una buena selección de material adicional: el single ‘Island/The Sea’ que se lanzó como apoyo al primer album; ‘Shining Where The Sun Has Been’ es una demo que data de los últimos días de los Yardbirds; ‘Prayer For The Light’ y ‘Walking Away’ provienen de una fallida banda sonora que Keith y Jim estaban componiendo tras su desvinculación de la banda… y me he reservado para el final la legendaria ‘All The Fallen Angels’, un bello tema que Keith compuso para Renaissance y que a lo largo de los años trató de terminar sin lograr jamás una versión definitiva que lo dejara satisfecho. La aquí incluída es la última de las tantas que hizo y, según cuentan la grabó el mismo fatídico día de Marzo de 1976 en que murió tras recibir una descarga eléctrica de su guitarra. |
En los 60 y los 70 todos los grandes íconos del Rock Británico pasaron por los estudios de la BBC (Radio & TV) con fines primordialmente promocionales. The Moody Blues tuvieron una larga relación con la BBC, concretamente entre 1965 y 1970, sin embargo este doble CD recoge parte de las sesiones que la banda grabó durante el período 1967-1970, y constituye un gran muestrario de la evolución de los Moodies a lo largo de la recta final de los 60. Lo mejor de este Live At The BBC es el primer CD que cubre las apariciones radiales donde la banda regrababa su material es los estudios de la BBC para ser retransmitido en días posteriores. Las diferencias entre estas recreaciones y las originales no son tanto de forma cuanto de atmósfera y dejan claro la seriedad con la que Moody Blues se tomó estas presentaciones. Las 5 primeras piezas documentan el período de transición entre la refundación de la banda con la llegada de Justin Hayward y John Lodge y la grabación de la excelsa y legendaria obra conceptual ‘Days Of The Future Passed’: los temas de entonces (entre los que destacan ‘Flying High’, la cover del éxito de The Animals ‘Don´t Let Me Be Misunderstood’ y una versión primeriza de ‘Peak Hour’) muestran a unos Moodies aún anclados al R&B de sus inicios pero que ya apuntaban a la magnificiencia de los albumes por venir. A partir de la ejecución de su clásico ‘Night In White Satin’ entramos de lleno en la espiral evolutiva de unos Moody Blues que tocan y cantan con gran profesionalidad y entusiasmo, demostrando a través de varias sesiones radiales que ellos solos se bastaban para reproducir sin problemas el sonido orquestal de sus discos. El segundo CD está dedicado a las presentaciones televisivas, material de gran valor histórico pero que presenta algunos altibajos. En primer lugar el sonido (bueno pero no excelente) que opaca un poco algunas de las ejecuciones; en segundo lugar, los 7 temas grabados durante una presentación en Colour Me Pop (popular espacio televisivo dedicado a la música joven) donde los Moodies cantan en vivo sobre playback, hecho este que ha escandalizado a más de uno; y en tercer lugar, el que algunos temas finalicen cortados, algo que se tuvo que hacer para eliminar los diálogos de los presentadores. No obstante, este CD también tiene algunas joyas, como la intensa versión de ‘Nights In White Satin’ en el show de Tom Jones o el mini-recital este vez completamente en vivo ante un público en los estudios de las BBC (con una ‘Nights In White Satin’ mutilada por cuestiones de tiempo). En fin, una colección que tiene sus altas y sus bajas pero indispensable para los seguidores de esta legendaria banda.
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En 1977 The Moody Blues anunciaron su regreso a los estudios de grabación despúes de 5 años de inactividad, el lanzamiento en 1974 del recopilatorio This Is The Moody Blues demostró como el legado de la banda se mantenía con vida, hasta el punto que las ventas de este superaban a las de los discos solistas de sus miembros puestos juntos; para aprovechar la gran expectativa creada por la noticia del retorno de los Moodies, el productor Tony Clarke se sacó de la manga este doble LP titulado Caught Live + 5 con tres caras en vivo más una en estudio, y que fue recibido con los brazos abiertos por los fans. El material en vivo procede del recital que la banda dió el 12 de Diciembre de 1969 en el Royal Albert Hall de Londres y fue por años el único registro oficial de un concierto de los Moodies con la formación clásica -Ray Thomas (voz, flauta), Justin Hayward (guitarras, voz), John Lodge (bajo, voz), Mike Pinder (teclados, voz) y Graeme Edge (batería, voz)- hasta la reciente aparación del ‘Live At The Isle Of Wight’. Este recital del 69 muestra lo increíblemente buenos que eran los Moody Blues en vivo, y su capacidad para reproducir sobre el escenario los arreglos y las mágicas atmósferas de sus discos. La banda se encontraba entonces en el pico de su popularidad, considerados una de las entidades más innovadoras de le escena Británica e imitados por muchas de las nacientes estrellas del mal llamado Rock Sinfónico, como lo demuestran en las excelentes versiones de ‘Dr. Livingstone, I Presume’, ‘Tuesday Afternoon’, la eterna ‘Nights In White Satin’, ‘Legend Of A Mind’ (en mi humilde opinión una de las obras maestras del Rock de todos los tiempos), y la magnífica mini-suite que forman las 2 partes del tema ‘Have You Heard?’ con la pieza ‘The Voyage’. Los cinco temas en estudio son descartes de los 3 primeros albumes de esta formación clásica (recordemos que los Moodies ya habían editado un LP con su formación original cuando eran una banda de Rhythm & Blues blanco sin ninguna conexión de estilo con los posteriores); ‘Gimme A Little Somethin´’ (de John), ‘Please Think About It’ (Mike) y ‘Long Summer Days’ (Justin) son 3 buenas y correctas piezas que exhiben las diferentes personalidades compositivas que confluían en los Moodies, pero son los 2 últimos temas, ambos de Justin (‘King and Queen’ y ‘What Am I Doing Here?’) las verdaderas joyas de esta segunda parte de la colección, 2 piezas capaces de codearse en cualquiera de los 3 primeros discos y que dejan claro el gran ascendiente que Justin Hayward tenía como autor. Un gran disco que me atrevo a recomendar a cualquier persona que desee introducirse en el fantástico mundo de los Moody Blues.
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The Moody Blues pertenece a la élite de bandas que en los años 60 abrieron nuevas vertientes en el proceso de diversificación del Rock. Tal y como comentaba en el primer post dedicado a ellos, su segundo album Days Of Future Passed no sólo fue la primera obra conceptual de la era Pop, sino también la primera que utilizó una orquesta (en este caso la London Festival Orchestra) como un elemento más en la trama instrumental y no como un mero ornamento, sentando las bases de lo que más tarde sería conocido como Rock Sinfónico o Sinfonismo Pop. A pesar del enorme éxito de ese disco, la Decca no estaba dispuesta a seguir financiando proyectos con orquesta debido a los altos costos de producción, por lo que el tecladista de la banda Mike Pinder se volcó en el uso del melotrón, instrumento que conocía muy bien pues había trabajado para la casa que los fabricaba en Inglaterra. Fue así como a partir del segundo album In Search Of The Lost Chord, Moody Blues restructuraron su sonido adaptando el melotrón construído bajo las especificaciones de Pinder al esquema orquestal de sus canciones, e iniciaron su etapa dorada caracterizada por magníficos discos que combinaban Pop, Rock y Psicodelia con elementos clásicos, además de agotadores tours por todo el mundo, convirtiéndose en una de las bandas favoritas del público en el período 68-73. Pero tras la publicación del album Seventh Sojourn la banda decidió detenerse a descansar y dedicarse sus miembros a sus propios proyectos. Como el break era por tiempo indefinido, el productor Tony Clarke aprovechó la coyuntura para lanzar este doble recopilatorio llamado This is The Moody Blues que documenta la primera y más brillante etapa de los Moody Blues. Sin embargo no se trata del típico disco de grandes éxitos: en primer lugar, Clarke eligió las piezas de modo que los 5 miembros de la banda quedaran equitativamente representados como compositores (al igual que CSN&Y en EUA, los miembros de Moody Blues escribían por separado para luego juntar el rompecabezas que, curiosamente, sonaba como un trabajo colectivo). En segundo lugar el productor remezcló todas las canciones y las unió sin pausas entre ellas para dar la impresión de un album conceptual; el resultado fue unos de los recopilatorios más agradables de escuchar que se hayan editado, aún para el fan que tenga todos esas obras. El disco fue reditado en CD sólo una vez a finales de los 80 y lamentablemente no ha sido tomado en cuenta en las 2 ediciones remasterizadas de la discografía de los Moodies. Actualmente está fuera de catálogo, y la que aquí inlcuyo es la edición Alemana de 1989, con un excelente sonido (a pesar de no estar remasterizada) y un estupendo libreto. |
The Moody Blues fueron otro de los tantos productos de la esfervescente escena R&B Británica de los primeros 60. Provenientes de la ciudad industrial de Birmingham e integrados por Denny Laine (guitarra), Clint Warwick (bajo), Ray Thomas (cantante, armónica, saxo), Graeme Edge (batería) y Mike Pinder (órgano, piano) su estilo se acercaba más al sonido limpio de The Zombies o The Action que a la visceralidad de The Rolling Stones, Pretty Things o Them, pero en contraposición destacaban por tener una experticia instrumental superior al promedio. En 1964 firman contrato con Decca; su segundo single ‘Go Now’ (versión de un oscuro tema de R&B) se convierte en un repentino éxito al lograr el N° 1 en Gran Bretaña y el N° 10 en EUA; lamentablemente ninguno de sus siguientes singles tuvieron continuidad. Ante la falta de éxitos Laine y Warwick dejan la banda a mediados de 1966; sus sustitutos el guitarrista/cantante Justin Hayward y el bajista John Lodge se integran a la perfección en el nuevo contexto de unos Moodies que inspirados en la incipiente Psicodelia empezaron a componer piezas más ambiciosas. Al año siguiente Decca desarrolla un nuevo sistema de estereofonía llamado Deramic Stereo Sound (DSS) y para promocionarlo proponen a los Moodies grabar una versión moderna de la Sinfonía del Nuevo Mundo de Antonín Dvořák a cambio de saldar sus deudas económicas con la disquera. La banda se mete con entusiasmo en el trabajo, sin embargo logran convencer a Peter Knight (asignado por Decca para escribir los arreglos orquestales) a abandonar el proyecto inicial a favor de una sucesión de canciones propias que relataran el transcurrir de un día en la vida de un hombre común desde el amanecer hasta el anochecer. Con la participación de la London Festival Orchestra conducida por el propio Knight, Days Of Future Passed se convirtió en la primera gran obra conceptual del Rock, un maravilloso viaje sónico que fue el arquetipo de la fusión Rock & orquesta sinfónica e influyó notablemente en el naciente movimiento progresivo. Sin embargo lo que ayudó a impulsar el disco hacia lo más alto fue ‘Nights In White Satin’, un extracto ‘The Night’ (último movimiento de la obra) lanzado en single que resumía toda la magnificencia del album y pasaría a convertirse en uno de esos clásicos atemporales de la música Pop. Gracias a la concepción modular del album otros temas tuvieron vida propia al margen del mismo, como la incisiva ‘Pick Hour’, la exótica y sinuosa ‘The Sunset’ (primera parte del movimiento ‘Evening’) o la primera parte de ‘The Afternoon’ rebautizada en single como ‘Tuesday Afternoon’. El desempeño de la banda es simplemente impecable con Justin Hayward y Ray Thomas alternándose en las partes cantadas, Graeme Edge marcando las pautas con el recitado que abre y cierra la obra y los cinco Moodies logrando una simbiosis perfecta con la orquesta a la vez que demuestran una gran finura instrumental. Un clásico indiscutible del Rock que no debe faltar en ninguna colección.
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Editado a mediados de 1971, Broken Barricades fue la obra crucial de Procol Harum. Por un lado demuestra que el camino iniciado con el anterior album Home fue musicalmente el más acertado, al llenar el vacío dejado tras la partida de Matthew Fisher reduciendo el protagonismo de los teclados y dándole más peso a la guitarra de Robin Trower; el resultado se evidenció en un sonido más directo y áspero que contrastaba sugestivamente con las composiciones de Gary Brooker y Keith Reid. Pero paradójicamente la mayor presencia de Trower (quien a su vez co-escribe tres de las piezas) le dió la seguridad para decidirse a dejar Procol Harum e iniciar una carrera solista con la cual desplegar toda la extensión de su talento. Por tanto Broken Barricades es la confirmación del esplendor creativo de Procol Harum y a la vez el cierre de una era. De los ocho temas que componen el disco, cinco figuran entre los más sólidos de su producción: ‘Simple Sister’ irrumpe con un potente riff al cual se le ván añadiendo los demás hasta alcanzar un crescendo orquestal casi Spectoriano. ‘Memorial Drive’ es magistralmente conducida por la guitarra que sorpresivamente cede el protagonismo en el break central para un breve solo de piano por parte de Gary. ‘Power Failure’ es el simpático tributo a uno de los momentos de mayor tensión en los recitales de entonces cuando fallaba el fluido eléctrico y el baterista se encargaba de salvar la noche con un sólo de batería, aquí brillantemente ejecutado por BJ Wilson, corto pero preciso. ‘Playmouth Of The Mouth’ es reminescente del tema ‘Wishing Well’ del segundo album pero con una estructura más dinámica realzada por la sección de vientos y la incisiva guitarra de Robin. ‘Poor Mohammed’ cierra el disco con broche de oro y es una muestra del material que Trower desarrollaría posteriormente como solista. Sin embargo es en las piezas más lentas donde (al menos para mí) la música de Procol Harum roza el cielo: la elegíaca ‘Broken Barricades’ rezuma otro tipo de intensidad más sublime gracias a las hermosas figuras que Chris Copping traza con el sintetizador y que no se rompe a pesar del break de la batería de BJ al final. La letra es una muestra de la evolución de Keith Reid hacia una mayor sofisticación al utilizar imágenes interpretadas desde diversas ópticas. ‘Luskus Delph’ es de una rara e indescriptible belleza gracias al texto de Keith lleno de metáforas eróticas sobre una hermosa melodía nuevamente realzada por el sintetizador de Chris y una delicada sección orquestal. ‘Song For A Dreamer’ es la guinda del pastel: sin duda el más emotivo, más sentido y mejor logrado tributo a la memoria de Jimi Hendrix, gran amigo de la banda y la máxima influencia de Trower. El tema se basa en una melodía que Robin había escrito sin pensar precisamente en Jimi; cuando Keith la escuchó le presentó a Robin una letra que había escrito y que sin quererlo sonaba como una despedida del mundo terrenal ("Nos encontraremos de nuevo en el fondo del mar/nos esconderemos dentro del océano y de la intriga/nuestro amigo Arabe nos guiará mientras soñamos/nos encontraremos de nuevo en el fondo del mar”). Robin arregló la pieza con 2 pistas de guitarra dialogando entre ellas y diversos efectos sonoros y vocales dotándola de un maravilloso halo místico, etéreo y profundamente Hendrixiano. Poco depués de su lanzamiento Trower anunciaría su partida y PH se restructurarían con nuevo guitarrista (Dave Ball) y nuevo bajista (Alan Cartwright) dejando a Chris Copping fijo como organista. De esta manera PH volvería a la raíces de su sonido dejando a esta indiscutible obra maestra como un punto y aparte de su brillante discografía.
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 The First Four es un doble CD editado en Gran Bretaña en 2003 que recoge los 4 primeros albumes de Procol Harum, que junto con el siguiente Broken Barricades se suelen considerar sus mejores trabajos. Yo disiento un poco de esta afirmación pues los sucesivos Grand Hotel y Exotic Birds & Fruits estaban al mismo nivel, pero aquellos documentan el paso por la banda del gran Robin Trower y eso les otorga gran peso a la hora de valorarlos. Sea como sea, esos primeros 4 discos (Procol Harum, Shine On Brightly, A Salty Dog & Home) fueron la piedras fundacionales de la nueva música progresiva; las melodías de Gary Brooker inspiradas en motivos clásicos, el poco convencional pero imaginativo estilo de Keith Reid para las letras y la estructura orquestal de la banda (con 2 teclados, un virtuoso de la guitarra, un bajo más ocupado de la melodía que del ritmo y un portentoso baterista) fueron fundamentales para el asentamiento en los 70 de lo que se conoció como Rock Sinfónico o Sinfonismo Pop. El primer disco homónimo no tenía en su edición Inglesa el clásico inmortal ‘A Whiter Shades Of Pale’ (como sí lo tenía la versión EUA) pero ni falta que le hacía pues se trata de una maravilla de principio a fin, y si bien las ediciones en CD de este debut son todas en mono (las multitracks en stereo están desaparecidas) es una brillante tarjeta de presentación a la música de PH. Difícil destacar algún tema, pero les sugiero prestar atención a la explosión creativa de ‘(Outside The Gates Of) Cerdes’, con el incisivo órgano de Matthew Fisher y un par de solos de Trower que ponen los pelos de punta, y la estupenda Dylaniana ‘Salad Days (Are Here Again)’ donde Keith Reid demuestra porqué es uno de los mejores autores de letra del Rock. El segundo disco Shine On Brightly es recordado por ‘In Held Twas In I’, la mini suite en 5 movimientos que ocupó casi toda la segunda cara y que constituyó fuente de inspiración para muchos: partes recitadas, furiosas cabalgatas instrumentales alternadas con momentos más reposados, misticismo, dramatismo, Vaudeville, coros, psicodelismo barroco … no obstante la primera cara también tenía grandes temas (‘Quite Rightly So’, ‘Skip Softly’, ‘Wishing Well’). El tercer disco A Salty Dog fue una obra más ambiciosa por el uso de arreglos orquestales y un mayor abanico sonoro pero sin dejar de inyectar fuertes dosis de energía ni olvidar las raíces bluesísticas de la banda (‘The Milk Of Human Kindness’, ‘The Devil Came From Kansas’, ‘Juicy John Pink’, ‘Cruxifiction Lane’); lamentablemente este disco significó también la primera ruptura importante con la salida del bajista Dave Knights y el organista Matt Fisher. En el cuarto disco Home los puestos dejados por ambos son cubiertos por un sólo músico, Chris Copping (ex miembro de The Paramounts, la banda matriz de los Harum), lo que otorga a Robin Trower más espacio para desarrollar su talento, tal y como nos muestra en la dura y vibrante ‘Whisky Train’ que abre el album y donde también destaca el potente estilo de BJ Wilson, uno de los grandes y poco valorados bateristas de la historia. Este cambio estructural se resiente también sobre la dirección musical, más cercana al Hard Rock pero sin dejar de ser Procol Harum, como en la dramática ‘The Dead Man´s Dream’ y la ambiciosa ‘Whaling Stories’. En resumen, 4 albumes que son 4 joyas de una de las mejores bandas del Rock.
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Procol Harum es uno de los grandes del Rock con "G” mayúscula y enumerar sus méritos resulta casi redundante. Basta agregar que nos han regalado una de las mejores discografías de la música popular contemporánea; el uso de elementos clásicos, románticos y barrocos por parte de Gary Brooker junto a las elegantes y enigmáticas letras de Keith Reid redefinió el concepto de composición en el Rock y tuvo impacto directo en las futuras bandas progresivas, que también se inspiraron en su formación inicial con 2 teclados y el uso de estructuras orquestales para lograr esos muros sónicos típicamente sinfónicos. A & B The Singles es un triple CD del sello Alemán Repertoire que recoge todos los singles de PH desde 1967 hasta nuestros días y constituye un fantástico recorrido por la historia de la banda; desde su lineup clásico con ese genial guitarrista que fue y sigue siendo Robin Trower y el solemne sonido de órgano de Matthew Fisher, hasta su regreso en los años 90 pasando por la etapa post-Trower, quizá menos espectacular pero igual de brillante y saturada de un raro y hermoso clasicismo. Mucho del material aquí presente no se incluyó en los albumes originales, y buena parte del mismo no volvió a ser editado sino hasta la aparición de esta colección, lo que la convierte en una pieza de inapreciable valor tanto para los fans de la banda que deseen complementar su colección como a los que busquen el más completo y representativo de los recopilatorios. Las ediciones del sello Repertoire se caracterizan por el esmero en todos sus detalles, desde el magnífico sonido hasta la artística presentación rematada con un excelente libreto con texto de Chris Welch (decano de la prensa Rock en Inglaterra) y fotos inéditas.
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Segundo y (tristemente) último disco en estudio de los eternamente admirados y poco valorados The Zombies. El éxito mundial del tema ‘She´s Not There’ en 1964 puso en evidencia a unos magníficos autores e intérpretes con un promisorio futuro delante; muchos de sus contemporáneos como Pete Townshend y George Harrison se referían a ellos con los mejores elogios e incluso John Lennon mostró gran interés en producirlos. Lamentablemente ninguno de los singles que le siguieron lograron el mismo impacto a pesar de su calidad; la buena estrella del joven quinteto proveniente de St. Albans (Rod Argent al teclado, Chris White al bajo, Hugh Grundy a la batería, Paul Atkinson a la guitarra y Colin Blunstone a la voz solista) fue lentamente diluyéndose y en 1967 Decca decidió no renovarles el contrato: la separación parecía inminente. A pesar del fracaso comercial, The Zombies se encontraban en la cima de su creatividad y los cambios que ocurrían en la escena musical Inglesa los motivó a abrir un nuevo compás en su carrera. Firman un nuevo contrato con Columbia donde exigen completa libertad artística y comienzan a trabajar afanosamente en sus nuevas canciones. El resultado publicado en 1968 como Odessey And Oracle ("Odyssey" era la palabra correcta pero se dieron cuenta del error muy tarde cuando las portadas ya estaban impresas) es una maravilla, un disco brillante, elegante y rico en matices, donde la aparente sencillez de sus canciones esconde una producción luminosa y una gran madurez compositiva. Muchos lo llamaron a este disco el Pet Sounds Británico, expresión que dejando de lado el halago no les hacía justicia pues The Zombies mostraban una personalidad propia que los hacía reconocibles a los pocos segundos de escucharlos. Por desgracia el fracaso del single lanzado como avance marcó el final de The Zombies que se separó justo cuando el album salía al mercado, y ni siquiera el éxito póstumo del tema ‘Time Of The Season’ (N° 1 en EUA y top 10 en el resto del mundo) logró que reconsideraran su posición. Por fortuna el paso de los años les ha hecho justicia y hoy en día O&O se considera todo un clásico y uno de los mejores albumes de todos los tiempos. ‘Care Of Cell 44′ con su vivaz juego vocal/instrumental sobre una excelente melodía es lo que se llama abrir un album con el pié derecho; La barroca ‘A Rose For Emily’ es una de las piezas musicales más hermosas de la música Pop (la versión con sección de cuerdas incluida como bonus track es aún mejor y no entiendo como no se la incluyó en el album original); la solemnidad de ‘Maybe After He´s Gone’, los inusuales juegos vocales de ‘Changes’ y la atmósfera inquietante de ‘Butcher´s Tale’ evocando el horror de un soldado en el frente durante la primera guerra mundial sólo pueden definirse como magistrales. Y del ya citado ‘Time Of The Season’ baste decir que es uno de los mejores singles de los 60. La aquí presente es la edición Británica 30 aniversario de 1998, contiene el album en stereo y mono, 3 bonus tracks no disponibles en ninguna otra edición del disco y un excelente libreto con textos del productor Alec Palao, Rod Argent y Al Kooper; el empeño de este último para convencer a Columbia de lanzar el disco en EUA fue determinante. Una obra maestra en toda la extensión de la palabra.
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Entre las múltiples rediciones de material clásico de los 60 que abundan en el mercado, las del sello Inglés Decca brillan por su calidad sonora y buen gusto en las selecciones. Siendo Decca una compañía orientada a beneficiar los singles sobre los LP’s (al menos hasta 1967) y que mucho de sus artistas migraron a otras compañías donde los discos de 33rpm eran mejor valorados, estas colecciones se han convertido en indispensables para repasar los años formativos de gente como Animals, Them, Small Faces, David Bowie o Zombies. Respecto a estos últimos, el presente doble CD The Decca Stereo Anthology recoge todo lo grabado por The Zombies durante su estadía en Decca pero en auténtico y maravilloso sonido stereo. Es bueno recordar que para la época en que The Zombies y otros grabaron su primer material, el sonido monofónico o mono (como más comúnmente se conoce) era la norma en la Inglaterra Pop, a diferencia de USA donde el stereo fue rápidamente adoptado por la industria musical. Para la mayoría de los fans de The Zombies, las grabaciones originales en mono son las versiones definitivas, las mejores y las que más justicia hacen a sus excelentes canciones, pero esta preferencia no es casual ni caprichosa: en 1968 la banda lanzó su segundo album (y lamentablemente último) Odessey & Oracle que a pesar de su enorme calidad fue un fracaso comercial en Gran Bretaña. The Zombies se separan pero gracias a los buenos oficios de Al Kooper (legendario músico, productor y cazatalentos en CBS Columbia) el disco es editado en USA y el tema ‘Time Of The Season’ se convierte en un hit mundial. Para capitalizar este sorpresivo éxito (en especial ante la negativa del grupo a reunificarse) la CBS negocia con Decca el envío de versiones en stereo del catálogo Zombies para incluirlas en recopilaciones. Estas mezclas stereo simplemente no existían así que hubo que hacerlas sobre la marcha, sin mucho esmero y lo peor, dejando fuera parte de los sonidos contenidos en las multitracks; esa es la razón por la que a muchos fans las versiones en stereo le suenan vacías y faltas de color a pesar de la separación del espectro auditivo. Uno de los temas más sujeto a polémica era su clásico ‘She´s Not There’, cuya versión stereo no tiene el beat adicional de batería entre los versos que suena en su contraparte mono. Todo esto se corrigió en el 2002 cuando el productor Inglés radicado en California Alec Palao (el hombre detrás de la caja Zombie Heaven y de la serie Nuggets de Rhino) creó nuevas versiones en stereo de todo ese material a partir de las multitracks originales tratando en lo posible de replicar el espectro de las grabaciones mono pero con sonido de 2 canales, y de más está decir que los resultados son espléndidos (adicionalmente se incluyen algunas "false starts" y "backing tracks" como testimonio del método de trabajo del quinteto en los estudios). Para reproducir en stereo el polémico beat de ‘She´s Not There’ y como este no estaba en las multitracks el batería de Zombies Hugh Grundy tuvo que regrabarlo en el estudio privado de Rod Argent (tecladista y líder de The Zombies) para poder insertarlo en la nueva mezcla stereo. ¿Una profanación?… bueno, después que Ozzy tuviera los cojones de regrabar las partes de bajo y batería para los remasters de Blizzard Of Ozz & Diary Of A Madman ya nada resulta extraño, pero en el caso de los fantásticos Zombies este detalle no le quita mérito a esta no menos maravillosa colección. |
Para los "historiadores” del Rock la carrera de los Irlandeses Them terminó, tal como se reseñó en el post anterior, con la separación de Van Morrison y el inicio de su brillante carrera como solista que lo convertiría en uno de los grandes íconos de la música popular contemporánea. Algunos (muy pocos) hacen referencia casual a los Them post-Morrison pero sin ahondar lo más mínimo, casi como una nota a pié de página recordada a última hora, y en muchos casos presentándolos como una parodia de la vibrante formación de Rhythm & Blues blanco que una vez fueron. Lo que todos ignoran fué que Them siguió adelante por casi 3 años dejando como legado 2 brillantes discos: Now And Them en 1967 y éste Time Out! Time In For Them en 1968. Pero volvamos al comienzo: tras la exitosa gira Norteamericana culminada en Los Angeles (dónde la banda dió mucho de que hablar por el doble cartel que protagonizó con The Doors en el legendario club Troubadour) Van Morrison deja la fomación y se establece en California. De vuelta en Gran Bretaña los restantes músicos reclutaron a un tal Kenny Mc Dowell como cantante y marcharon de vuelta a Los Angeles, allí el prestigio que aún gozaba el nombre Them hizo que Capitol Records les ofreciera un contrato, editando un single y un LP, el ya citado Now And Them. Los cambios que se cocinaban en la escena de la costa oeste movieron a Them a replantear su estilo e inspirados en bandas como Electric Prunes y Chocolate Watchband, Them abrazan los nuevos sonidos de la psicodelia. Now And Them fué un prometedor disco que recibió buenas críticas pero Time Out! Time In fué la consolidación de los nuevos Them renacidos de sus cenizas combinando los retazos de su sonido original con fuertes tintes ácidos, pinceladas de Jazz e instrumentación Hindú (sitar en especial). Si bien su nuevo rumbo no produjo temas exitosos ni albumes super vendedores Them tuvieron una meritoria carrera que terminaría en 1969. Nuevamente de los restos de Them nacería una nueva agrupación llamada Truth que dejaría como recuerdo un buen y poco conocido disco, aunque al año siguiente el bajista Alan Henderson se alió con el multinstrumentista Americano Jerry Cole y juntos hicieron 2 discos utilizando el nombre Them. La presente edición remasterizada en 2003 contiene el album original + 8 bonus tracks, incluído el último single que grabaron ya sin Mc Dowell.
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Finales de los años 50: al igual que en el resto del Reino Unido, Irlanda (tanto la República de Eire como la fracción Británica del Ulster) no fue indiferente a los nuevos sonidos provenientes de Norteamérica asentandos en Inglaterra; al igual que las principales ciudades Británicas, Belfast era un hervidero de bandas juveniles que imitaban con mayor o menor fortuna a sus ídolos. De esas agrupaciones la que más rápido destacó fue un quinteto llamado Them liderados por un fantástico y talentoso cantante de nombre Van Morrison quien sonaba como la versión blanca de los grandes vocalistas negros de las décadas anteriores. A pesar de su enorme potencial Them alternaban excitantes presentaciones con otras que terminaban en desastre, no por falta de calidad sino de disciplina, agravada por el consumo de alcohol y matizada por el temperamental caracter Irlandés. Como guinda del pastel Belfast no era el sitio idóneo para dedicarse a la nueva música, los salones y auditorios estaban controlados por la iglesia de cada localidad y estas solían vetar cualquier acto musical que a su jucio fuese poco conveniente o inmoral. Con un público que los amaba y los detestaba a partes iguales y la falta de oportunidades, Them emigraron a Londres en busca de nuevos horizontes. Su sonido agresivo y visceral, la apabullante prestación escénica de Morrison y un sólido repertorio de covers y originales los convirtió en favoritos de la escena R&B Londinense llamando la atención de varios sellos discográficos; al final firmaron con Decca Records quienes no estaban muy convencidos de su rentabilidad, pero las ansias por sacudirse el estigma de ser la disquera que rechazó a Los Beatles los impulsó a echar mano de cualquier combo juvenil cuyo nombre sonara en el aire. Them en su primera etapa tuvo una carrera brillante pero breve y accidentada, plasmada en varios singles, Ep’s, 2 Lp’s y presentaciones en UK y Europa, y fueron una de las bandas clave en la expansión del R&B blanco que derivó en la explosión multicolor de la escena Británica en 1967. La indisciplina, peleas entre sus miembros y los constantes cambios en la formación (sólo el bajista Alan Henderson estuvo en todas las formaciones junto a Morrison) fueron caldo de cultivo para las más variadas leyendas urbanas, como la que asegura que casi todo lo que grabaron fue tocado por músicos de sesión, rumores no del todo ciertos aunque la presencia de Jimmy Page en el primer album está confirmada. En 1966 la banda realizó una triunfal gira Norteamericana ganando nuevos fans y estableciéndose como inspiradores del sonido Garage; la gira culminó en un apoteósico doble cartel con The Doors en el Trobadour de Los Angeles tras el cual Van y los otros tomarían caminos separados; el primero se quedaría en EUA dando inicio a una de las carreras solistas más gradiosas de la historia y los otros regresarían a Londres. The Story Of Them es un excelente doble CD que recopila todo el material publicado oficialmente con Van Morrison al frente, excepto por ‘Mighty Like a Rose’, tema del cual no se pudo conseguir un master con la mínima calidad sonora. El resto está todo aquí: sus mayores éxitos como la inmortal ‘Gloria’ (uno de los grandes himnos del Rock de todos los tiempos), ‘Mystic Eyes’ y ‘Here Comes The Night’; la narración autobiográfica ‘The Story Of Them’, estupendas baladas salpicadas de Blues (‘One More Time’, ‘If You And I Could Be As Two’, ‘I´m Gonna Dress in Black’, ‘You Just Cannot Win’); joyas poco conocidas (‘Philosophy’, ‘Just A Little Bit’, ‘Friday´s Child’, ‘Call My Name’), clásicos de los maestros de la música negra (‘I Got A Woman’, ‘Stormy Monday’, ‘Route 66′, ‘Bright Lights Big City’, una ultra abrasiva ‘Baby Please Don´t Go’) y magníficas versiones de sus contemporáneos donde la sensiblidad interpretativa de Morrison hace que ganen kilates respecto a las originales (‘Richard Cory’ de Simon & Garfunkel, ‘It´s All Over Now Baby Blue’ de Dylan). A pesar que el material proviene de fuentes dispares el sonido es en líneas generales muy bueno, y el artwork sencillo pero muy bien presentado con fotos y memorabilia. La colección está actualmente fuera de catálogo (en Amazon piden US$ 97 por un ejemplar nuevo y US$ 44 por uno usado) así que no se pierdan la opotunidad de (re)descubrir a una de las grandes bandas de los 60.
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La edición de Tommy en 1969 supuso el inicio de la etapa crucial en la carrera de The Who. Durante el Tommy tour (que duró más de año y medio) la banda marcó algunos hitos importantísimos: su participación en el Woodstock Festival a mediados de Agosto de 1969, la segunda edición del Isle Of Wight Festival apenas 2 semanas después; el célebre recital en la Universidad de Leeds en Febrero de 1970 y nuevamente la isla de Wight en Agosto de 1970. Dado que este Live At The Isle Of Wight Festival 1970 y Live At Leeds son los 2 únicos documentos sonoros oficiales de esa etapa, la tentación de comparar ambos registros resulta inevitable. El recital de Leeds se realizó a pocos meses de concluir el intenso tramo Americano del Tommy tour, The Who se encontraban física y emocionalmente exhaustos, no obstante ofrecieron una actuación estupenda y relajada, ante un público poco numeroso pero devoto y en un auditorio de dimensiones modestas y excelentes cualidades acústicas que permitió montar muy bien el sonido. En Wight 1970 la banda saltó al escenario a las 3:00am ante un público de medio millón de hippies drogados (bueno, no todos, pero esa era la actividad recreativa favorita de los asistentes a dichos eventos) y con un sonido no tan bueno; ante esta realidad The Who optaron por un set potente que sacara al público de su letargo, y si bien hubo algunos fallos individuales (sobre todo de Keith quien lucía algo desconcentrado) las canciones rezuman una energía casi sobrenatural, especialmente en la versión de Tommy marcada por los abrasivos y enloquecidos riffs de Pete y un Roger Daltrey más inspirado que nunca. El repertorio es más o menos el mismo, con ‘Heaven And Hell’ (del bajista John Entwistle) iniciando los trámites y algunos de sus clásicos flanqueando la versión reducida de Tommy preparada especialmente para el tour (20 temas con cambios en el orden respecto al album original), más la adición de algunas nuevas piezas inéditas pertenecientes al nuevo projecto en que Pete ya venía trabajando (la fallida obra conceptual Lifehouse). Las estupendas ‘Naked Eye’ y ‘Water’, son dos de los puntos álgidos de este legendario recital, piezas que si bien no fueron lanzadas oficialmente se hicieron habituales en el setlist de la banda y figuran entre mis temas favoritos de The Who, en especial ‘Water’ con ese estribillo que es puro Rock And Roll ("We need water/wow yeah good water/ooh we need water/and maybe somebody’s daughter”). Este doble CD salió al mercado en 1996 remasterizado con el sistema Super Bit Mapping de Sony y un libreto de 20 páginas con un detallado texto de Michael Heatley. Fue reditado en 2009 con sonido mejorado, no obstante esta edición rezuma toda la magia y la energía que convirtieron a The Who en una de las bandas de Rock con pocos rivales sobre el escenario.
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Para 1970 The Who se encontraban en total estado de gracia, girando el mundo con un repertorio a toda prueba donde figuraba su más reciente y mejor disco hasta la fecha (el legendario Tommy), arrasando los escenarios donde se presentaban con su incendiario espectáculo y dejando su huella en eventos históricos como los Festivales de Woodstock y la Isla de Wight. Pero lo que ocurrió el día 14 de Febrero de ese año en el auditorio de la Universidad de Leeds no tuvo parangón. Esa noche todo absolutamente todo salió perfecto: la ejecución de la banda, el sonido, la comunicación con el público, la grabación… Un concierto redondo que dió como resultado uno de los grandes discos en vivo de la historia. Aquella noche The Who hicieron un repaso a su discografía a través de 13 temas, más la versión "reducida” de Tommy preparada para la gira (20 temas con cambios en el orden). Lamentablemente el album original Live At Leeds, a pesar de su calidad y estatus legendario, sólo contenía 6 temas. Con la intención de parodiar el creciente mercado pirata que florecía en EUA y Europa, el disco original fue preparado para que pareciera un bootleg, desde la portada hasta el sello del vinilo pasando por los abruptos cortes entre tema y tema. No obstante el disco sabía a poco, más aún cuando empezaron a circular bootlegs con el concierto casi completo. en 1995 se lanzó la versión 25 aniversario que rescataba los 13 temas antes citados junto a uno sólo de Tommy (‘Amazing Journey/Sparks’). Por fortuna en 2001 el sello Universal puso en circulación la edición definitiva como parte de su serie Deluxe Edition: un doble CD con todo lo que ocurrió aquella gloriosa fecha, remasterizado y eliminando los cracks existentes en las cintas originales que sonaban tan molestos en la versión anterior. El primer CD arranca por todo lo alto con ‘Heaven And Hell’ (sólo The Who podían darse el lujo de abrir un concierto con una b-side) y alcanza cotas altísimas en temas como ‘Tatoo’, la demoledora ‘Young Man Blues’ (con John Entwistle & Keith Moon demostrando cuál es la mejor sección rítmica del Rock & Roll), una extraordinaria ‘A Quick One While He´s Away’ que deja muy pero muy atrás a la versión en estudio (divertida la larga introducción de Pete explicando el contenido del tema más los mordaces comentarios de John y Keith), la ultra larga ‘My Generation’ con una coda donde empalman varios otros temas y el soberbio final con la catártica ‘Magic Bus’. El segundo CD contiene una de las mejores versiones en directo de Tommy existentes, con la banda super inspirada cubriendo magníficamente con sólo 4 instrumentos todos los arreglos del original. La presentación, de más está decirlo, es una maravilla. Con esta edición Live At Leeds se transforma definitivamente en uno de los mejores discos en vivo de la historia del Rock (en mi modesta opinión el mejor).
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La presente Deluxe Edition apareció por primera vez en el 2003 y fue reditada en el 2005 con correcciones en el libreto; el primer disco contiene un nuevo remaster del album original tomado de la mezcla 5.1 usada para la versión SACD de Tommy (mezcla obtenida, supuestamente, de las cintas originales finalmente encontradas y por ende diferente a la del post anterior), mientras que el segundo disco ofrece 17 piezas adicionales entre demos, outtakes y descartes de estudio. El libreto también es diferente, con texto de Matt Kent, y trae una colección de fotos de la banda en los estudios nunca antes vistas. Como el album ya fue comentado, voy a ofrecerles una sinopsis personal de la obra, y subrayo lo de personal pues Tommy es una obra sujeta a la libre interpretación de cada quien. Con 'Overture' se prepara el ambiente para el desarrollo de la obra, ubicada en la 1era Guerra Mundial donde el Sr. Walker ha ido a combatir y su esposa recibe la noticia de su muerte en pleno estado de gravidez; nace el bebé y los médicos le participan que es un niño ('It´s a Boy'). Pocos años después ('1921') la Sra. Walker vive con un amante y con Tommy cuando sorpresivamente el Sr. Walker reaparece vivo y tras una acalorada discusión mata al amante delante del niño. Tommy queda traumatizado y cae en un estado de shock en el que no habla, no oye ni vé. Tommy vive encerrado en su propio mundo interior y a los 10 años recibe la visión de un ser superior que le ofrece guiarlo en su camino hacia metas más elevadas ('Amazing Journey/Sparks'). Un día su padre se topa con un charlatán ('Eyesight To The Blind') quien al notar el estado del muchacho le recomienda que vaya a ver a su esposa que es curandera. El padre de Tommy se inquieta al notar que este no reacciona ante la proximidad de la navidad como todos los demás niños ('Christmas'). Entra en escena otro curioso personaje, el primo Kevin ('Cousin Kevin') quien goza perversamente torturando a Tommy de varias maneras; a este punto el tema 'Underture' cumple el rol de separación entre los 2 actos de la obra. Tommy es llevado hasta la curandera ('The Acid Queen') cuya costumbre es ingerir ácido y caer en un trance en el que supuestamente se liberan sus poderes curativos, cuando en realidad lo que hace es violar al muchacho. Para poner la guinda al pastel de sus penurias, sus padres salen de viaje y lo dejan con el Tío Ernie ('Do You Think Is Alright?'), un pervertido que en realidad aprovecha para abusar de él ('Fiddle About'). En todo este tiempo el único contacto de Tommy con el mundo exterior es jugar como un autómata al Pinball, Tommy le gana al campeón de la especialidad y se convierte en un ídolo de masas ('Pinball Wizard'). Tommy es llevado a un médico ('There´s a Doctor') quien propone una curiosa teoría: poner a Tommy frente a un espejo para confrontarlo consigo mismo y hacerlo salir de su trance ('Go To The Mirror'). Desesperada, la madre lo increpa para que reaccione ('Tommy Can You Hear Me?') hasta que pierde los estribos y de la impotencia rompe el espejo ('Smash The Mirror'). El impacto hace que milagrosamente Tommy se cure, entonces sale a la calle y camina con todos sus fans del Pinball siguiéndolo cual Mesías ('Sensation') mientras un pregonero (voceador de diarios) anuncia a la gente su curación ('Miracle Cure'). En el camino una chica llamada Sally ('Sally Simpson') se enamora locamente de Tommy, abandona su hogar y lo sigue junto con los demás a una especie de templo donde Tommy vá a dar un sermón; en el interín Sally trata de abrazar histéricamente a Tommy y este termina empujándola violentamente (dicen que Pete se inspiró para este personaje en un incidente similar que tuvo Jim Morrison durante un recital de The Doors). Tommy pronuncia su sermón donde hace apología a su propia libertad ('I´m Free') y promete a sus seguidores ser el vehículo para que ellos encuentren la suya. Como el séquito lo sigue hasta su casa, Tommy les invita a pasar ('Welcome') y hace planes para convertirla en templo. Tommy congrega a sus seguidores en un campamento de vacaciones hasta que descubre que el mismo es manejado por una de las pesadillas de su niñez, el perverso Tío Ernie ('Tommy´s Holiday Camp'). Este encuentro lo afecta profundamente, Tommy revive los traumas de su infancia y quiere compartir su trauma personal con sus seguidores, pretendiendo convertirlos en el niño autista que él una vez fue. Sus seguidores lo rechazan y lo abandonan ('We´re Not Gonna take It'), Tommy se queda solo y confundido, repitiendo maquinalmente las palabras que decía interiormente de niño ('See Me, Feel Me').
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Desde el mismo instante de su edición en 1969 han abundado las opiniones que cuestionan la legitimidad de Tommy como la primera opera rock. Cierto es que, cronológicamente, S.F. Sorrow de la banda Británica The Pretty Things fue la primera y que existen curiosas similitudes en el tratamiento del personaje principal en ambas obras (Tommy y Sebastian); pero también es cierto que Pete Townshend ya había trazado el boceto de una opera en clave rock en la pieza ‘A Quick One While He´s Away’ y que las raíces de Tommy aparecieron durante las sesiones del album Sell Out (las piezas ‘Sunrise’, ‘Rael 1 & 2′ y ‘Glowing Girl’). Por otra parte el biógrafo oficial de la banda Richard Barnes considera que el término opera-rock no es del todo correcto pues si bien había una historia contada a través de diálogos cantados sobre una partitura musical, el hecho que no existiera originalmente una representación escénica formal no la convertía en una auténtica ópera (con respecto a este punto se puede concluir que con su primera representación producida por Lou Reizner en 1.972 es cuando Tommy adquiere su real dimensión como ópera). Sea como sea estamos ante la presencia no sólo de un clásico del Rock sino de una auténtica obra maestra de la música popular contemporánea; la historia del niño sordo, ciego y mudo que tras una serie de vicisitudes logra curarse milagrosamente y convertirse en una especie de mesías cautivó al público joven que vió en este disco la convalidación artística del Rock & Roll y fue el modelo para el desarrollo de futuras obras similares. Y si la historia resulta cautivante, no se puede decir menos respecto a la música: una música grandiosa y bella, envuelta en un halo de majestuosidad sin ser pretenciosa y de un profundo sentido espiritual fruto del acercamiento de Pete a las religiones orientales y a su gurú, el místico Hindú Meher Baba. El desempeño de los cuatro Who es sencillamente brillante: Pete deja de lado por un momento los riffs eléctricos y las distorsiones para volcarse sobre la guitarra acústica influido en su entonces reciente interés por el Flamenco, de hecho la estupenda parte de guitarra acústica del tema de apertura es de clara inspiración Flamenca. Roger Daltrey canta todas las partes que corresponden a Tommy, y lo hace con tal convicción que desde ese mismo momento el personaje se convirtiría en el alter-ego de la personalidad de Roger. John Entwhistle asume más que en ningún otro album de los Who un papel prevalentemente melódico con su bajo, pero sin dejar de lado el sólido soporte rítmico, además de contribuir acertadamente con los instrumentos de viento. El trabajo de loco Keith Moon es también digno de mención, la manera como su batería se inserta en la trama instrumental para apoyar las melodías y rellenar los espacios es sencillamente magistral y constituye uno de los mejores trabajos de batería en la historia del Rock. Una mención especial para el manager y productor de la banda Kit Lambert. Hijo del reconocido compositor y director de orquesta Constant Lambert, Kit amaba la música clásica y asesoró mucho a Townshend en la estructuración de la obra; cuenta la leyenda que cuando concluyeron las mezclas finales del album Kit estaba tan convencido del caracter de Tommy como obra única e irrepetible que quemó las cintas originales (aunque Pete rechaza esta historia y asegura que las ‘master tapes’ existen). La remasterización se hizo a partir de una copia de primera generación descubierta en 1.988, pero Pete insistió en hacer nuevas mezclas para que el CD sonara lo más fiel al vinilo original. El libreto es excelente, una reproducción del original (incluído sólo en la primera edición Británica) más un nuevo texto de Richard Barnes. La Deluxe Edition es obviamente más completa, pero siento una especial predilección por el sonido cálido de esta pequeña edición. |
The Who Sell Out fue el tercer album de The Who y representó un paso mayor en la evolución musical de la banda. En este disco The Who marcan definitivamente distancia con la estética Mod y la imagen de banda de singles (aunque seguirían lanzándolos). Sell Out confirma todo lo que hubo de bueno en A Quick One pero limando todas las asperezas de éste; el resultado es una obra madura y cohesiva desde todo punto de vista. Para reforzar esto último, Sell Out se presenta como una obra unitaria y en cierto aspecto conceptual. No hay una historia que contar pero sí hay un elemento amalgamante: los 13 temas están unidos por spots publicitarios (algunos reales pero la mayoría fueron falsos creados por John y Keith) dando la impresión de escuchar una emisora radial (Radio London) que sólo pasa música de The Who. Un concepto bastante original y que proyectaría a la banda a futuro como una auténtica fuerza creativa. Cada uno de los miembros está identificado por un producto comercial representado a su vez en una canción tal y como se ilustra en la portada (Pete publicita un desodorante, Roger frijoles enlatados, Keith pomada para el acné y John el método de Charles Atlas para desarrollar músculos). Pero al margen de estos geniales toques humorísticos el disco destaca por la brillantez del material; canciones predominantemente melódicas ('Mary Ann With The Shaky Hand', 'Tatoo', 'Our Love Was', 'I Can´t Reach You') flanqueadas por 2 de los temas más duros de la banda, la psicodélica 'Armenia City In The Sky' que abre el disco (escrita por John "Speedy" Keen, chofer de Pete y futuro líder de Thunderclap Newman), y el proto-heavy de 'I Can See For Miles'. En el tramo final el disco se torna solemne y con matices casi oscuros: la ácida 'Relax', la coral 'Silas Stingy', la acústica 'Sunrise' y la dramática 'Rael 1'. Estas 2 últimas piezas son de vital importancia pues desarrollan elementos que apuntan directamente hacia Tommy, de hecho, la parte final de 'Rael 1' la volveremos a encontrar 2 años después en la opera Rock como 'Sparks' (al igual que el bonus track que cierra el CD cuya coda reaparecería en 'It´s A Boy'). Nuevamente los bonus tracks son excelentes, varios de los cuales habrían merecido aparecer en el album original ('Melancholia', 'Someone´s Coming' y 'Jaguar' por ejemplo). Lo mejor de todo es que los temas adicionales enlazan también con pautas publicitarias originalmente desechadas, dándole al CD una continuidad de principio a fin. En resumen Sell Out es más que la antesala a la consagración de The Who, es sin duda uno de los mejores discos de la banda. |