 En Septiembre de 1.967 Velvet Underground se metió de nuevo en los estudios para grabar su segundo album con Tom Wilson como productor formal. La banda estaba harta de ser considerada como un apéndice en los espectáculos de Andy Warhol, además que su papel en la producción musical era puramente simbólico así que un día le comunicaron su decisión de seguir adelante solos. Quizá por retaliación Warhol se llevó a Nico con él bajo la promesa de un contrato para grabar como solista y de un papel en su película Chelsea Girl (como en efecto ocurrió); si bien Nico no era pieza fundamental del entramado Velvet su partida condicionó la dirección musical de la banda, dejando de lado las suaves melodías en favor de un sonido aún más caótico con John Cale volcado de lleno en la utilización del "ruido blanco” como un instrumento más, no en vano muchos consideran a White Light/White Heat como el primer album "Punk” en la historia del Rock. La crudeza que caracterizó a la mayoría de las piezas del album debut aquí es llevada a extremos que rozan la saturación, con las guitarras de Lou Reed y Sterling Morrison exprimiendo el fuzz y la distorsión hasta la última gota, Mo Tucker marcando ritmos obsesivos e hipnóticos y John Cale que pareciera golpear la viola eléctrica y el órgano en lugar de tocarlos. rememorando las sesiones, Sterling comentó que los ingenieros de sonido vivían en constante zozobra al notar con nerviosismo como los controles de la cónsola de grabación estaban permanentemente en rojo con el consiguiente riesgo de que los equipos se dañaran. Las letras son morbosas e inquietantes, llenas de perversión, ironía y humor negro. En ‘The Gift’ por ejemplo, Cale narra la historia de Waldo, un chico de New York que se enamora perdidamente de una joven de paso por la ciudad llamada Marsha, y ambos viven un breve pero apasionado romance; cuando Marsha regresa a Wisconsin Waldo entra en una profunda depresión y decide buscarla pero de una manera bastante inusual, metiéndose en un caja de madera y enviándola por correo con comida suficiente y orificios para respirar; Marsha recibe el regalo pero al no poder abrir la caja con las herramientas de la cocina busca una sierra eléctrica de su padre y sin saberlo atraviesa de un sólo tajo el cráneo de Waldo para luego descubrir el macabro contenido (hermosa historia, ¿no creen?). En la mezcla stereo la historia y la música ocupan canales separados pudiendo pasar de uno a otro según la preferencia del que escucha. ‘Lady Godiva´s Operation’ cantada por Sterling describe una lobotomía (cirugía cerebral) creando una atmósfera casi sedativa. ‘Here She Comes Now’ con su cadencia oriental es el único tema que rompe con el frenesí sónico del resto del album. Los 2 temas que abren cada cara del disco, la pieza homónima y ‘I Heard Her Call My Name’ pasan ante los oídos como un ciclón de decibelios con las armonías vocales creando un raro contraste (si en ‘Heroin’ se decribían los efectos de la heroína en ‘White Light/White Heat’ Lou hacía lo propio con las anfetaminas). Sin embargo casi todo el peso específico recae sobre la pieza que cierra el disco ‘Sister Ray’, 17 minutos y medio absolutamente demenciales con largas secciones totalmente improvisadas y Lou Reed contando una sórdida historia que se desarrolla en un burdel con travestis y felaciones incluidas; los solos de guitarra y órgano tienen un curioso paralelismo con los de ‘Light My Fire’ de The Doors aunque aquí suenen como una planta de ensamblaje en serie con planchas de acero chocando entre sí, chorros de vapor y chirriantes engranajes. El album se lanzó a finales de Enero de 1.968 sin ningún single de apoyo (dudo que alguna radio se atreviera a pasarlo) y ocupó durante casi 2 semanas el puesto 199 en el top 200 de Billboard. La escasa aceptación y la indiferencia de la prensa hizo que la desilusión cundiera entre los músicos, y tras unas abortadas sesiones en las que Reed quiso cambiar la dirección de VU grabando temas más convencionales, Cale tomó la decisión de dejar la banda e iniciar su propia carrera. Como a menudo ocurre con esta clase de obras White Light/White Heat adquirió con los años un status legendario y es sin duda una de las obras cumbre del Rock de los 60, además de una continua fuente de inspiración durante las décadas posteriores. Edición remasterizada en 1.996 desafortunadamente sin libreto ni bonus tracks pero con muy buen sonido… dentro de lo cabe, por supuesto!.
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The Velvet Underground & Nico es un caso atípico e inédito en los anales de la música; jamás, ni antes ni después, un album que había vendido tan poco en su momento se revelaría a la postre como uno de los discos más influyentes en la historia del Rock. Parafraseando un comentario que se le atribuye a Brian Eno, el primer album de VU sólo vendió 1,000 copias pero cada uno de quienes lo compraron formó a su vez una banda. El prestigio artístico de su mentor Andy Warhol les garantizó cierta atención de la prensa y un contrato discográfico con Verve (subsidiaria de MGM); el album debutó en el puesto 190 del Top 200 de la revista Billboard pero a la semana siguiente ya había desaparecido. El mecenazgo de Warhol resultó un arma de doble filo pues mientras los (pocos) admiradores de Velvet Underground los consideraban "el grupo de Andy” sus detractores los catalogaban como un simple toque de extravagancia en el Exploding Plastic Inevitable. Su música nadaba completamente contracorriente y contradecía el espíritu de la época, su sonido era un asalto eléctrico a los sentidos tocando a volúmenes desorbitantes usando el feedback de los amplificadores y las disonancias de las guitarras y el bajo como un elemento más, con la obsesiva y minimalista percusión de Mo Tucker y el lamento agónico de la viola de Cale; y en cuanto a las letras Lou Reed se ganó inmediatamente su lugar en el olimpo de los grandes autores del Rock And Roll cantándole con crudeza al nihilismo, la decadencia y el derrumbe moral del hombre moderno: ‘I´m Waiting For My Man’, ‘Run Run Run’ y ‘Heroin’ son 3 historias pesadillescas que retratan el mundo de las drogas duras; la primera estrofa de ‘I´m Waiting For My Man’ es sumamente reveladora al respecto ("estoy esperando a mi hombre con 26 Dólares en mi mano/ arriba en Lexington 125/ enfermo y sucio, más muerto que vivo/ estoy esperando a mi hombre”). ‘Venus In Furs’ está inspirada en el libro homónimo de Leopold Von Sacher-Masoch (de cuyo apellido se acuñó el término masoquismo) y es una de las piezas más sinuosamente perversas jamás hechas. Nico cantó 3 piezas compuestas especialmente para ella entre las que destaca la inquietante ‘All Tomorrow´s Parties’ que en su voz suena como el eco proveniente de una tumba profanada. ‘The Black Angel´s Death Song’ y sobre todo ‘European Son’ parecían música de fondo en una sesión de electroshock… incluso las piezas que hubiesen podido pasar como convencionales o "Pop” (‘Sunday Morning’, ‘Femme Fatale’, ‘There She Goes Again’, ‘I´ll Be Your Mirror’) estaban envueltas en una densa niebla de morbosidad. Si bien Andy Warhol recibió el crédito como "productor” del album era obvio que él para nada participó en el proceso musical; fueron los mismos Velvets con la ayuda de Tom Wilson (ex productor de Miles Davis, Bob Dylan y Simon & Garfunkel) quienes dirigieron las sesiones de grabación. El primer CD de esta Deluxe Edition contiene un nuevo remaster del album en stereo más 5 temas del primer trabajo solista de Nico "Chelsea Girl”; Estos temas se grabaron inicialmente pensando en el segundo album de Velvet, pero tras la partida de Nico ella reutilizó las piezas agregándole overdubs orquestales. El segundo CD incluye toda una joya para los fans de VU: la mezcla en mono del album por años descatalogada y que fue la manera como la banda concibió el disco, de hecho, el sonido monofónico le dá a las piezas un caracter más claustrofóbico, más cercano a la estética caótica y esquizofrénica del sonido Velvet. Como bonus agregué también la primera edición remasterizada de 1986 en la que por error se incluyó una alternate mix de ‘All Tomorrow´s Parties’ con la voz de Nico sin double-tracking que la convierte en toda una pieza de colección.
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 The Velvet Undergound fue el grupo maldito por excelencia, una falla en el tejido del movimiento Hippie, una banda que tuvo que morir para descubrir su grandeza. Nacidos en esa Babilonia moderna llamada New York, fueron la suma de 5 personalidades musicales de lo más dispares: Lou Reed, un chico neurótico cuyas composiciones hablaban de caos, muerte, nihilismo, sexo, perversión y drogas; John Cale, tránsfuga de la música de vanguardia y ejecutante de la viola eléctrica cuando aún muchos no habían asimilado completamente las guitarras; Maureen "Mo” Tucker, una chica que trasladó a la batería su interés por las percusiones y los ritmos tribales; Sterling Morrison, el multi-instrumentista que hacía de pegamento amalgamando los 3 elementos anteriores. Y como guinda la bella Nico, un objeto decorativo impuesto a la banda por su mecenas Andy Warhol pero cuya voz mortuoria le daba su justa dimensión a 3 de las canciones más emblemáticas del primer album de VU. Fueron la antítesis en música y letra del movimiento Pop y de la contracultura, sus discos parecían más bien sesiones de afinamiento con chirridos, distorsiones y feedback sonando por doquier, y sus canciones las menos indicadas para animar una fiesta. Los antecedentes de Velvet se remontan a 1.964 cuando Lou Reed Y John Cale se conocieron, Reed había militado como guitarrista/cantante en algunas bandas de garage sin embargo su ambición era escribir canciones para otros artistas siguiendo el ejemplo de su ídolo Bob Dylan; Cale acababa de llegar de Gran Bretaña donde fue un niño prodigio de la música clásica que poco a poco se introdujo en los pantanosos terrenos de la vanguardia; su interés por el estudio de la atonalidad y el ruido aplicados a la música lo llevó paradójicamente a interesarse en el Rock & Roll y cuando escuchó tocar a Lou (quien afinaba su guitarra de modo anticonvencional para aumentar el feedback y producir disonancias) le propuso formar una banda. El primer núcleo de VU lo integraron Reed, Cale, Sterling Morrison (ex compañero de colegio de Lou que tocaba guitarra, bajo y teclados) y un percusionista Escocés llamado Angus McLise. Este último personaje, si bien no se le nombra casi en las biografías, fue determinante en la formación del sonido Velvet: vivió varios años en La India y aplicó a la música de VU todos los conocimientos musicales que allí adquirió. Después de utilizar varios nombres (The Primitives, The Warlocks, Falling Spikes) toman prestado el título de una novela pornográfica de la época escrita por Michael Leigh con el que a la postre pasarían a la historia. Cuando tras varios ensayos y algunas demos consiguieron su primer recital con paga, McLise dejó el grupo; él era un artista puro y consideró que cobrar era venderse así que se marchó. Su puesto fue tomado por "Mo” Tucker, hermana de un amigo de Sterling que tocaba la batería de una manera extraña con el bombo acostado sobre el suelo, alternando las baquetas con mazos de madera y prescindiendo casi totalmente de los platillos. En 1966 al artista plástico y padre del movimiento Pop Andy Warhol los escucha tocar y los invita a aportar su música a "The Exploding Plastic Inevitable”, un espectáculo ambulante multimedia que combinaba filmaciones, juegos de luces y performances escénicas. Warhol les impone la presencia de una de sus protegidas, una actriz y modelo Alemana llamada Nico para alternar como cantante y aunque su incorporación parecía supérflua, su imagen y su voz fueron un brillante contrapunto al caos sonoro de los demás. Lamentablemente Velvet Underground estaban demasiado adelantados a su tiempo, el movimiento juvenil mundial flotaba sobre nubes de marihuana bajo la consigna del "peace & love” y la ingenua esperanza de construir una sociedad alternativa; su sonido eléctrico, vanguardista y excitante fue unánimemente rechazado e ignorado. Sólo gracias al éxito de Lou Reed como solista en los 70 la música de VU fue descubierta por los fans que obsesivamente se dedicaron a escarbar el pasado de aquel. De repente todo el mundo empezó a hablar y disertar de sobre su música, creándoles un status legendario post-mortem y elevándolos al olimpo del Rock con calificativos como pioneros del sonido urbano, padrinos del Punk y padres espirituales del Art Rock… pero el colmo de la ironía fue que mientras el mundo se volvía loco desenterrando el legado Velvet, la banda seguía activa con una nueva formación a la que nadie hizo el más mínimo caso… sin duda una cruel manera de pasar a la historia. |
En el año 2001 cuatro de los miembros originales de Roxy Music (Bryan Ferry, Phil Manzanera, Andy McKay y Paul Thompson) decidieron unirse 22 años después para una extensa gira mundial de la cual resultó este fantástico doble CD (además de un DVD) titulado simplemente Live y que a mi juicio es el album en vivo definitivo en la discografía de Roxy. Para lograr la máxima perfección en escena Roxy Music se convirtió en una espectacular macro banda que incluía 5 músicos adicionales más un coro de 4 chicas. Entre este conglomerado destacaban particularmente el legendario guitarrista Inglés Chris Spedding (un músico que inexplicablemente jamás tuvo el éxito que merecía en los 70 y que desde mediados de los 80 se convirtió en el brazo derecho de Bryan en su carrera solista) y una hermosa rubia también Inglesa llamada Lucy Wilkins; esta chica no sólo tocaba el violín como Eddie Jobson sino que poseía un auténtico sintetizador VCS3 (el mismo que usaba Eno en Roxy) lo que le permitía reproducir con pasmosa fidelidad todos los sonidos futuristas de los 2 primeros discos. El repertorio es simplemente sublime, con temas de los 8 albumes de estudio y rescatando montones de joyas olvidadas como ‘Ladytron’, ‘If There Is Something’, ‘Editions Of You’, ‘In Every Dream Home A Heartache’, ‘For Your Pleasure’ o ‘Mother Of Pearl’; incluso los temas de los discos "menos” buenos (Manifesto, Flesh+Blood, Avalon) suenan maravillosos intercalados entre sus más añejos clásicos. Las versiones no se limitan a calcar los originales sino que incluyen muchas sorpresas como el excelente solo de Phil Manzanera al final de ‘Ladytron’, la introducción de Colin Good con el piano en ‘A Song For Europe’ rematada a su vez con un soberbio solo de saxo de Andy McKay, la versión extendida de ‘Tara’ con el dueto McKay/Wilkins o la impresionante ‘My Only Love’, blanda en estudio pero que en vivo casi se erige como lo mejor de la colección. Los 4 Roxy’s hacen un trabajo impecable: Phil y Andy añadiendo la experiencia de los años a su ya más que probada calidad, Paul Thompson mostrando la misma potencia pero una mayor versatilidad y finura, y nuestro crooner favorito Mr. Bryan Ferry llenado el escenario con su desbordante carisma. Su voz muestra obviamente el desgaste producto de los años pero con la misma capacidad de seducción de siempre; como dice una de las notas de prensa inlcuidas en el libreto: "¿Quién más en el Rock salvo Bryan Ferry podría recibir aplausos usando un smoking blanco?"….. La edición es todo un lujo con una esmerada presentación gráfica e impecable sonido. La colección se completa con una pista CD Rom con la banda tocando ‘Both Ends Burning’. No quisiera dejarme llevar por mi debilidad hacia Roxy pero este es uno de los mejores directos que he escuchado en este nuevo milenio y sé que todos los fans estarán de acuerdo. Viva Roxy Music!.
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A comienzos de 1976 Roxy Music anunciaban su separación para dedicarse sus miembros a diversos proyectos solistas en los próximos años. No fue una separación definitiva aunque tampoco se puso fecha de regreso. El Siren Tour fue el más largo y agotador de su carrera y los infructuosos intentos para penetrar el mercado Norteamericano los llevó a tomar la sana decisión de seguir rumbos separados para recargar las baterías y replantear el futuro de la banda. Y como colofón a 4 años de intensa actividad lanzan este album en vivo, la pieza que faltaba en una de las discografías más influyentes de los 70. El único defecto de este Viva! es la cantidad. Dada la trayectoria de Roxy Music lo mínimo que se esperaba era un album doble, cualquier fan familiarizado con los bootlegs de Roxy sabía de muchos excelentes conciertos de donde escoger, pero por razones inexplicables el lanzamiento quedó en un disco sencillo. En varias entrevistas concedidas entonces por Andy McKay y Phil Manzanera, ambos expresaron su disgusto por el hecho de que ni siquiera se les consultó a la hora de hacer la selección de temas. Pero para bien o para mal este es el único registro oficial de Roxy Music en directo durante su etapa clásica. Los ocho temas incluidos cubren 3 ciudades Británicas (Glasgow, Newcastle, Londres) en un período de 2 años (1973-1975) y demuestran que la grandeza de Roxy no era sólo producto de los estudios de grabación. A excepción de la versión de ‘The Bogus Man’ (buena pero con altibajos, aunque reconozco que se trata de una pieza difícil de tocar en vivo), los temas igualan o superan a los originales: ‘Out Of The Blue’ suena tan efectiva y majestuosa como siempre, ‘Chance Meeting’ conserva todo el misterio de la original, ‘Both Ends Burning’ mejora apreciablemente respecto a la incluida en Siren, y las versiones alargadas de ‘If There Is Something’ y ‘In Every Dream Home A Heartache’ son estupendas, especialmente la primera gracias a la soberbia labor de Eddie Jobson. El CD se cierra con un ‘Do The Strand’ tocado a toda prisa y que termina a secas, sin aplausos ni nada; por cierto que entre la corte de bajistas que la banda llevó a lo largo de esos años, en ‘The Bogus Man’ es bastante roconocible el estilo del gran John Wetton, quien se dió el lujo de rechazar un puesto fijo en Roxy para irse con Uriah Heep. A pesar que los temas fueron seleccionados de las 3 fuentes ya citadas, todas las fotos de la carátula provienen del concierto final del Siren Tour en el Wembley Empire Pool de Londres en Noviembre de 1975, su último recital en los 70 y en el que por primera vez (al menos en Inglaterra) se utilizó una gigantesca pantalla en circuito cerrado para que todo el público pudiera apreciar los detalles del concierto (de ahí la estética de las fotos). Un disco que se hace muy corto pero indispensable para cualquier fan de Roxy Music.
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Siren fue el quinto album de Roxy Music y representó una ruptura respecto a la dispersión de estilos y tendencias que caracterizó al anterior Country Life. El fracaso comercial de éste último en EUA (entrar en la parte baja del top 40 no es nada malo pero obviamente Bryan Ferry aspiraba a más) condicionó la dirección de Siren, el cual resultó un disco más sobrio y homogéneo, más comercial pero también más compacto musicalmente y con mayor esmero en los detalles a nivel de arreglos; no en vano Siren, si bien no es uno de los mejores, sí es uno de los más apreciados y queridos por los fans de Roxy. Como comentó alguna vez un viejo amigo de este blog, Siren es un disco que podría considerarse una obra maestra si hubiera sido el primer trabajo de Roxy Music en 1975; en efecto si analizamos la progresión de la carrera de Roxy desde el primer album, Siren podría sugerir un descenso creativo, pero en restrospectiva y dentro del contexto de lo que significó el año 1975, esta quinta obra destaca por encima de casi todo lo editado ese año. Tomando como referencia el vinilo, cada una de las caras tiene una estética diferente. La primera cara es soberbia: ‘Love Is The Drug’ en uno de los singles más impecables de Roxy, para mí el mejor desde ‘Do The Strand’, con su punto justo de comercialidad. ‘End Of The Line’ es una emotiva balada donde la lacrimógena historia que cuenta Bryan contrasta con un acompañamiento lleno de vida, casi como si fueran 2 temas diferentes superpuestos, en la mitad Eddie Jobson ejecuta un hermoso solo de violín. Esta última pieza enlaza inmediatamente con lo mejor del disco, ‘Sentimental Fool’, tema este que nos transporta a los Roxy Music de 1972: una densa y tétrica introducción sobre la cual se ván sumando uno a uno los instrumentos, la pieza cobra forma con la entrada de la voz de Bryan y justo a la mitad la melodía cambia y se desliza hacia su final en una inquietante coda, sin duda una de las grandes piezas del repertorio Roxy. ‘Whirlwind’ es un torbellino marcado por la histriónica vocalización de Bryan y un corrosivo solo de guitarra de Phil Manzanera. La segunda cara está completamente dominada por las ideas de Bryan, casi parecen piezas de un disco solista suyo (‘She Sells’ y ‘Both Ends Burning’ son las piezas más comerciales grabadas por ellos hasta entonces), canciones más convencionales pero que suben de nivel gracias a la prestación de la banda, aunque vale la pena mencionar la delicada ‘Nightingale’ con un logrado interludio de oboe y violín y la estupenda ‘Just Another High’ que cierra el disco. Por tercera vez en un disco de Roxy Johnny Gustafson toca el bajo y suena plenamente integrado a la banda… ¡Ah!, y la sirena de la portada es nada menos que Jerry Hall, la entonces novia de Bryan y futura Señora Jagger (según los chismorreos Mick la sedujo en la propia casa de Bryan, por fortuna nuestro héroe demostró ser demasiado "gentleman” para liarse a puñetazos por una simple Texana… jajaja). En resumen, Siren es el cierre de la mejor y más clásica etapa en la carrera de Roxy Music, luego vendría el largo hiato de 3 años durante los cuales los gustos cambiaron lo suficiente para que en los 80 Roxy fuera por fin recibido en EUA con los brazos abiertos aunque a costa de sacrificar su esencia original, pero esa ya es otra historia.
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Country Life fue el cuarto album de Roxy Music y la obra crucial en las esperanzas de Bryan Ferry por quebrar la resistencia del público Norteamericano. Para ello elaboró una estrategia de asalto que comenzó por la misma portada. Siendo Bryan un estudioso de la publicidad de masas sabía que no había nada mejor para llamar la atención que un escándalo, por tanto la portada del disco debía ser escandalosa pero sin romper los cánones estéticos de Roxy. Todo comenzó en Portugal a donde Bryan se "retiró” para escribir las letras de las canciones (ese era el esquema de trabajo de Roxy Music, primero grababan las partes instrumentales, luego Bryan se retiraba varios días a solas para escribir las letras y finalmente se grababan las voces). Allá conoció a 2 hermosas turistas Alemanas, Constanze Karoli y Eveline Grunwald (que seguramente hicieron parada obligada en la habitación de Herr Ferry); la idea surgió de golpe y en menos de 2 días la foto para la portada estaba lista. Al final la estratagema funcionó, el disco tuvo que ser distribuido en EUA envuelto en un plástico verde y sus secuelas llegaron hasta Holanda (donde se eliminó a las chicas de la portada) y España (donde simplemente ampliaron el rostro de la chica de la izquierda para que ocupara toda la portada). En cuanto a la parte musical la elección fue más delicada pues se trataba de ganar adeptos en EUA sin desilusionar a sus fans Europeos, objetivo que sólo se logró a medias. El producto final (con John Gustafson de nuevo como bajista invitado) tenía varias concesiones de cara a las masas: El single ‘All I Want Is You’ era un tema bailable sin los méritos de sus predecesores (‘Virginia Plain’, ‘Do The Strand’, ‘Steet Life’); ‘If It Takes All Night’ rozaba el Boogie-Rock de carretera con solo de armónica y todo (quizá Bryan cándidamente imaginaba a los camioneros que circulan por las superautopistas Americanas tarareándola); ‘Three & Nine’ seguía el mismo esquema de ’2H.B.’ pero suavizada también por una armónica, amén de una melodía más convencional. Pero el verdadero descaro lo constituía ‘Prairie Rose’, tema de aires Country con una letra dedicada al Estado de Texas. Bryan se defendió diciendo que en realidad estaba dedicada a su novia Texana Jerry Hall (sí, la mismísima futura Señora de Mick Jagger) pero no quedó muy bien parado. Por fortuna el resto del disco compensa estas concesiones: ‘The Thrill Of It All’ estaba en la misma onda de ‘Re-make/Re-model’ pero con una estructura más rica y compleja, combinando pasajes intensos (con el violín de Eddie Jobson poniendo el contrapunto) y momentos de calma (marcados por el saxo de Andy Mckay); ‘Out Of The Blue’ es el mejor tema del disco, llena de densidad con la inconfundible guitarra de Phil Manzanera, buenos "breaks” de John Gustafson al bajo y un solo de violín de Jobson que eriza la piel; ‘Bitter-Sweet’ es la secuela de ‘A Song For Europe’ con una estrofa cantada en Alemán que hace referencia a las Señoritas de la portada; ‘Triptych’ era otra joya con una inusual estructura medieval que habría hecho la envidia de Fairport Convention o Steeleye Span, aunque más inusual sonaba ‘Casanova’, Rock martilleante y sin concesiones (posteriormente Bryan haría como solista una versión realmente horrible); ‘A Really Good Time’ era una de las más brillantes odas narcisistas de Ferry apoyada por una sección de cuerdas tocada íntegramente por Jobson. A pesar de sus méritos y su oportunismo (repartidos 50 y 50) el disco no pasó de la parte baja del top 40 en EUA (aunque sí fue todo en éxito en Europa, Japón y Australia) lo cual seguía siendo una victoria con sabor a derrota para Bryan, a quien no le quedó más remedio que seguir esperando tiempos mejores.
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Para continuar con las novelescas andanzas de Roxy Music he aquí la tercera parte de la saga. Se vá Eno explusado por Bryan y es sustituído por Eddie Jobson, ex miembro de los Ingleses progresivos Curved Air. A diferencia de Eno, quien gustaba de auto catalogarse como un no-musico (por su caracter intuitivo y experimentador), Jobson era un virtuoso de los teclados y el violín que con su background dotaría a Roxy Music de mayor solidez en el plano formal, acercándolo a ciertas pautas progresivas. Si bien la salida de Eno rompe el equilibrio e inclina la balanza hacia el lado de Ferry, Roxy Music sigue funcionando como una entidad colectiva, es más, este disco es otra obra maestra, tan bueno como "For Your Pleasure” pero en un contexto completamente diferente. También hay un nuevo bajista, Johnny Gustafson (ex Big Three, Episode Six y Quartermass) aunque no aparece como miembro oficial. Por otra parte, este es el primer disco de Roxy donde Phil Manzanera y Andy Mckay aparecen como compositores. Algunos opinan que esta fue una concesión de Bryan para calmar los ánimos tras la salida de Eno (a la que Phil, Andy y Paul se opusieron); sea como sea se trató de una decisión altamente productiva y beneficiosa pues tanto Phil como Andy demostraron ser estupendos autores además de instrumentistas. Cinco temas de este Stranded son auténticas maravillas que figuran entre los mejores y más logrados de su discografía: ‘Amazona’ desprende todo el calor y sensualidad selvática que evoca la portada, una pieza marcada por constantes cambios de ritmo y un sorprendente trabajo de guitarras por parte de Phil quien a su vez fue el autor de la música. ‘Psalm’ es un tema solemne hecho para el lucimiento de la voz de Bryan quien ofrece una de sus mejores interpretaciones con el Welsh Male Choir de fondo, excelente solo de Jobson con el violín y un soberbio saxo cuasi jazz al final. ‘A Song For Europe’ es, valga la redundancia, una pieza de cariz puramente Europeo, tanto por la grandiosa atmósfera que alcanza un clímax casi sinfónico como por la melancólica letra donde Bryan canta a la decadencia del viejo continente en analogía a una historia de desamor; la melodía es de McKay y muchos la consideran como la obra cumbre de Roxy, una pieza sencillamente espectacular. ‘Mother Of Pearl’ arranca como un aluvión para luego desembocar en un motivo agradablemente repetitivo sobre el cual Bryan desgrana una de sus más narcisistas historias. La preciosista ‘Sunset’, con la gran intervención de Chris Lawrence al contrabajo, cierra el disco brillantemente, llena de imágenes extra musicales y demostrando el gran nivel instrumental de la banda. Los otros 3 temas (el hit single ‘Steet Life’, la lacrimógena ‘Just Like You’ y la trepidante ‘Serenade’) son más convencionales pero se escuchan con agrado y le dán más variedad al disco. Con Stranded Roxy Music arrasaría en Europa y extendería su prestigio hasta el Japón, aunque EUA seguía resistiéndose a los guiños de Bryan, recibiendo excelentes críticas pero la más fría indiferencia del público. Edición remasterizada en 1999 con el sistema HDCD a 24 bits.
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El segundo album de Roxy Music For Your Pleasure (1973) es para muchos su auténtica obra maestra. Aquí las ideas del primer album aparecen más asentadas, las canciones más maduras y el perfil experimental más atrevido. Fue también el ultimo disco con Brian Eno, pues su conflicto personal con Bryan Ferry llegó al límite. Sin querer Eno se convirtió en el centro de atención de la banda gracias a su aspecto ambíguo en escena (parecía un ser andrógino de otra era vestido con plumas de colores y recargado de maquillaje), los extraños y deliciosos sonidos de su sintetizador y su extrovertido carisma en las entrevistas donde sus fascinantes disertaciones lo hacían pasar como líder de la banda. Esto por supuesto puso furioso (y celoso) a Bryan quien poco después de editado el disco le puso un ultimatum: "Roxy es mi creación, yo soy el líder así que obedeces o ya sabes dónde está la puerta”… obviamente Eno eligió la puerta y se fue. La polémica se dilucidó en la prensa con cruces de declaraciones entre ambos: Eno quejándose que Bryan rechazaba sus composiciones y este aduciendo que el aporte de Eno a la música de Roxy era irrelevante. Pero mejor no salirnos del tema y centrarnos en este magnífico disco. Tomando como referencia el vinilo original, la cara A es simplemente espectacular; ‘Do The Strand’ fue un hit brillante, nada de lo que por entonces llegó a los charts de singles tenía a su vez tanta clase, calidad y comercialidad. La estupenda ‘Beauty Queen’ define a la perfección la filosofía de Roxy, una balada aparentemente convencional cuyo break central combina elementos nostálgicos de los 50 con el más puro vanguardismo. ‘Strictly Confidential’ está llena de misterio y dramatismo, donde sobre un curioso dueto entre la guitarra de Phil Manzanera y el oboe de Andy McKay, Bryan canta con una pasión arrasadora que termina iatrapando al oyente en la historia que él cuenta. ‘Editions Of You’ reintroduce la combinación entre nostalgia años 50 y tecnología, muy parecida a ‘Re-make/Re-model’ pero mucho mejor condensada; el break instrumental donde cada músico se luce con su instrumento es excelente. ‘In Every Dream Home a Heartache’ es en mi opinión la mejor pieza de todo el album, cargada de una tensa calma y envuelta en una morbosa y decadente atmósfera creada por los teclados de Bryan, los tratamientos eléctrónicos de Eno y el saxo de McKay, mientras un Ferry lleno de ironía y fingida afectación le canta a su amante: una muñeca de plástico inflable (!!!); el final con la banda explotando al unísono es de antología. La cara B se abre con la larga y minimalista ‘The Bogus Man’, conducida estupendamente por Paul Thompson sobre la cual se alternan el perverso y atonal saxo de McKay, los ingrávidos licks de la guitarra de Manzanera y la voz tratada electrónicamente de Ferry. ‘Grey Lagoons’ repite el tema de ‘Editions Of You’ pero esta vez con un tono de profunda nostalgia. El disco se cierra con la homónima ‘For Your Pleasure’, el tema más experimental de RM con una larga y agónica coda donde Eno pone brillantemente el punto final a su experiencia con Roxy. En esta ocasión el bajo estuvo a cargo de John Porter, quien hizo un estupendo trabajo pero tampoco duraría mucho. En resumen For Your Pleasure es el cierre de la mejor etapa de Roxy Music, todo lo que grabaron a posteriori resultaría más perfecto musicalmente pero sin ese sentido de la imprevisibilidad y de la aventura que aportaba Eno. Edición remasterizada en 1999 con el sistema HDCD a 24 bits.
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Generalmente los albumes debut de los grandes de la música caen en la categoría de "ensayos prometedores”, discos no del todo satisfactorios pero en los que se intuye un potencial aún por desarrollar. El primer album de Roxy Music NO está en esta categoría. Estamos ante la obra definitiva de Roxy Music, un disco no perfecto pero con unas directrices musicales perfectamente trazadas, el debut de una banda que ya tenía claro a dónde ir y qué hacer para lograrlo, una obra innovadora desde todo punto de vista, empezando por la portada que rompía todos los cánones estéticos de la época con la seductora modelo Británica Kari-Anne en pose de diva Hollywoodense (aunque muchos juraban entonces que se trataba del propio Ferry convenientemente maquillado) y trazó el patrón para todos los albumes sucesivos. Musicalmente el disco no se parece a nada editado en 1972, algo así como Rock con sabor a años 50 pasado por el filtro de Velvet Underground, The Doors y los vanguardistas contemporáneos, un concepto ambiguo pero que los Europeos recibieron con los brazos abiertos. Lamentablemente el disco fue un rotundo fracaso en Norteamerica y esto golpeó duramente el ego de Ferry pues él sentía a los EUA como su patria espiritual, la cultura de donde extrajo sus referencias artísticas. El extravagante vestuario de la banda y el exceso de maquillaje hizo que los catalogaran como Glam-Rock cuando en realidad sus ambiciones eran otras; en aquel entonces el público Rockero Americano estaba dividido entre la música progresiva y el Hard Rock; RM sonaban demasiado comerciales para los ‘progs’ y demasiado sofisticados para los ‘rockers’, y salvo en algunos círculos de la avantgarde Rockera Neoyorkina Roxy fueron completamente ignorados. No obstante el album no dejaba dudas, el primer tema ‘Re-make/Re-model’ es toda una declaración de principios: la fuerte personalidad narcisista e histriónica de Ferry, la esquizofrénica guitarra de Manzanera, los toques clásico-vanguardistas de McKay y los aportes eléctrónicos de Eno sobre la perfectamente sincronizada sección rítmica de Simpson/Thompson, todo unido en una pieza estupenda. ‘Ladytron’ combina también diversos contrastes brillantemente, la introducción a cargo del oboe de Andy y el sintetizador de Eno dá paso a una alegre balada rota por un par de breaks que pasan como un torbellino. Estos contrastes de imágenes definen todo el album, como en la estupenda ‘If There Is Something’ que para muchos fans es la obra maestra de la primera etapa de Roxy, una melodía alegre y elástica que casi imperceptiblemente se quiebra para dar paso al histérico lamento de Bryan que se desliza hacia una final sombrío y agonizante. La combinación entre la nostalgia cincuentera y la tecnología queda patente en temas como ‘Would You Believe?’, ‘Bitters End’ y la magistral ‘Virginia Plain’, esta última fue el primer single de Roxy y no formó parte del album original Británico. La etérea ’2 H.B.’ es un tributo a las imágenes cinematográficas que tan profunda huella dejaron en Bryan, H.B. son las iniciales de Humphrey Bogart (su actor favorito) y la frase "There´s Looking At You Kid” la pronuncia Bogart en la película Casablanca. ‘The Bob’ es el único tema que no me convence del todo, formado por 5 piezas cortas unidas en una sola, tiene partes muy buenas pero que en conjunto suenan dispersas y carentes de cohesión. ‘Chance Meeting’ es otra de las joyas del disco, una pieza misteriosa y claustrofóbica donde Bryan canta con tono dubitativo sobre un acompañamiento de piano y bajo matizado por los escalofriantes riffs de Phil. ‘Sea Breezes’ es puramente experimental, un lamento envuelto en una triste atmósfera que le otorga a la pieza una magnificencia casi trágica pero muy atractiva. El album vendió muy bien en Europa y Roxy se convirtió en la más grande promesa Británica de entonces a pesar de su fracaso en América. Poco después de su lanzamiento Graham Simpson abandonó Roxy Music tras una fuerte depresión por la muerte de su madre dejando el puesto de bajista vacante (la banda jamás volvió a tener bajista fijo). Edición remasterizada en 1999 utilizando el sistema HDCD (High Definition Compact Disc); para beneficiarse plenamente de esta tecnología el CD debe reproducirse en un equipo indentificado con esas siglas, no obstante suena magnífico en cualquier reproductor convencional.
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Hablar de Roxy Music no es tarea fácil… ¿cómo defines a una banda de Rock 100% inclasificable?. Comencemos por decir que Roxy Music fue una de las bandas más originales que han existido, el vehículo de las ideas de Bryan Ferry, un joven artista que era la antítesis del hippismo Londinense: pulcro, elegante, sofisticado y hasta cierto punto muy burgués. Un fanático del cine de Hollywood y estudioso de las nuevas teorías sobre el comportamiento del hombre moderno. Un tipo que no sintiéndose a gusto con el giro que dió el Rock a finales de los 60, cortó por lo sano creando "su” propio concepto de Rock. Pero para ello necesitaba consolidar una banda que le permitiera traducir en música sus ideas. El primer núcleo de Roxy Music lo conformó Bryan a comienzos de 1970 junto a su amigo el bajista Graham Simpson con quien militó en una banda de Soul llamada The Gas Board, juntos dedicaron varios meses a pulir las primeras composiciones de Bryan. Poco después se agrega a la formación Andrew McKay, un saxofonista con entrenamiento clásico en oboe y poseedor de uno de los primeros sintetizadores llegados a Inglaterra; pero Andy no tenía idea sobre como tocar el novedoso aparato, así que se trajo a un amigo llamado Brian Eno que trabajaba en el laboratorio de electrónica de una escuela de arte donde experimentaba con cintas y efectos de sonido futuristas. Tras probar infructuosamente con el baterista Norteamericano Dexter Lloyd y con Davy O’List ex guitarrista de The Nice (Bryan quería a este último a toda costa para darle prestigio a la banda con un nombre conocido), Roxy Music se consolida con Paul Thompson (baterista contactado a través de un anuncio en la revista Melody Maker) y el guitarrista Inglés de origen Colombo-Venezolano Phil Manzanera, quien curiosamente fue el encargado del light show en las primeras presentaciones de Roxy. Al parecer ya entonces surgieron los primeros roces entre Ferry y Eno: según algunos autores Bryan sólo pensaba utilizarlo en el estudio para darle el toque "tecnológico” a la canciones pero Eno insistió hasta imponerse como sexto miembro. Pero antes que la formación de Roxy se estabilizara Ferry fue a una audición para obtener el puesto de cantante en King Crimson; aunque su voz no se adaptaba al estilo KC Robert Fripp y Pete Sinfield quedaron impresionados e hicieron que Roxy firmara contrato con EG Records (la compañía que producía los discos de Crimson). Después de un sorprendente y exitoso single llamado ‘Virginia Plain’, la banda graba con la producción de Pete Sinfield (letrista de King Crimson) su primer album homónimo en 1972, que resultó toda una revelación. Musicalmente Roxy Music rescataba la esencia y la estética del Rock & Roll de los años 50 combinadas con elementos de la vanguardia experimental (minimalismo, electrónica, noise-music), de la música ligera y densos pasajes instrumentales similares a algunas bandas progresivas, todo esto traducido en canciones que hablaban de decadencia moral, complejas relaciones amorosas, hedonismo y vitriólicas imágenes cinematográficas. Un cocktail tan extraño como único pero irresistible. Aunque al comienzo esta ambiguedad de concepto no les hizo nada bien, pues nadie sabía como catalogarlos (aún hoy en día se les endosa erróneamente la etiqueta Glam-Rock, lo que a su vez originó que RM fuesen por años rechazados en Norteamérica), con el tiempo Roxy Music se consolidó como una de las formaciones básicas de los 70 y con un rango de influencia que en los 80 abarcaría a muchas agrupaciones bajo la etiqueta genérica de Post-Punk. En los próximos posts haré un repaso a la discografía clásica de Roxy que abarca el período 1972-1976, así como su apoteósico regreso a los escenarios en 2002 traducido en un fantástico doble CD lanzado en 2003.
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Fecha: 20-Ago-2010
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En el escena inicial de la pélícula The Doors de Oliver Stone, aparece Jim Morrison en los estudios grabando un monólogo titulado ‘The Movie’. En la biografía sobre Jim "No One Here Gets Out Alive” escrita en los 70 por el periodista Jerry Hopkins con la asesoría de Danny Sugerman (asistente de The Doors y amigo de Morrison) se describe con lujo de detalles la escena: poco después de culminar L.A. Woman Jim sintió la necesidad de grabar para la posteridad parte de su gran legado escrito formado por poemas, historias, monólogos y reflexiones; para ello se encerró toda una noche con uno de los ingenieros de sonido en "The Doors Workshop” y acompañado con una botella de Whisky Irlandés se dedicó a leer su material cuidadosamente mecanografiado por él mismo. A mediados de los 70 Ray, Robbie y John anunciaron que pensaban publicar algunas de estas grabaciones póstumas de Jim con acompañamiento instrumental de los tres; el resultado apareció en 1978 como An American Prayer (el título de una de las últimas cosas que escribió). Si bien inicialmente el disco se consideró sólo una obra de culto con el tiempo fue creciendo en estatura y hoy en día constituye la pieza que consolida el retrato del Jim Morrison "artista” por encima de la "rockstar”. Al igual que Dylan, Jim no era exactamente un músico, fue un artista interesado en la literatura, la poesía, el teatro y el cine, fanático del Blues y el Rock And Roll, y que encontró en la música el vehículo para expresar sus inquietudes. No tenía la más mínima noción musical ni tocaba instrumento alguno, las melodías se formaban en su mente a la par de las letras y entonces se las tarareaba a Ray o a Robbie para que ellos las transcribieran; aún así Jim Morrison tiene su puesto destacado en el olimpo de los grandes autores del siglo XX. Durante años escribió cantidades de cosas fuera de las letras para los Doors (aunque estas provenían precisamente de poemas o reflexiones del propio Morrison), publicó un par de libros ("The Lords” y "The New Creatures”), incluyó recitados y elementos teatrales en los conciertos, dirigió los videos promocionales de la banda (precursores de los video clips temáticos), y sin embargo se fue de este mundo sin plasmar toda la extensión de su arte. De ahí la importancia y la transcendencia de este album. Son 17 piezas divididas en 5 bloques temáticos ("Awake”, "To Come Of Age”, "The Poet’s Dreams”, "World On Fire” & "An American Prayer”) la mayoría con fondo instrumental, para ello los 3 Doors restantes grabaron nuevas pistas con la ayuda de los bajistas Bob Glaub, Jerry Scheff y el percusionista Reinol Andino, pistas alejadas del clásico sonido de la banda pero que le dan una hermosa magnificencia a los recitados de Morrison (sobre todo la estupenda versión del Adagio de Albinoni). Para unas pocas piezas se utilizaron pistas de canciones de la banda como ‘Peace Frog’, ‘Blue Sunday’, ‘The Wasp’ y ‘Riders On The Storm’. No obstante se incluyó un tema musical, una tremenda versión en vivo de ‘Roadhouse Blues’ que es todo un clásico. La presente edición remasterizada contiene 3 bonus tracks. Como complemento le he agregado una carpeta con mi colección de ebooks sobre Jim; encontrarán la biografía "Life, Dead, Legend” de Stephen Davis, el diario que Jim escribió en París, libros de poemas y ensayos (que bajé del extinto blog Argentino Perception Doors) y algunas piezas de memorabilia. Queda pendiente un sólo post de The Doors (la caja de 1.997) pero me lo guardo para otra ocasión.
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El doble LP "Absolutely Live” fue el único album en vivo de The Doors editado durante la carrera del grupo y constituyó por años la única referencia oficial a lo que fue un recital de la banda. Aquel viejo doble LP fue seleccionado entre varios conciertos tenidos en diferentes ciudades Americanas (Nueva York, Los Angeles, Detroit, Boston, Philadelphia, Pittsburgh) entre 1968 y 1970. A partir del nuevo milenio los 3 miembros restantes de The Doors con el apoyo de su fiel ingeniero de sonido Bruce Botnick han ido publicando los conciertos completos que sirvieron de base al lanzamiento original, y tras la aparición de los conciertos de Nueva York (incluido en el boxset de 1997), Boston y Detroit, le tocó el turno al recital de Pittsburgh en Marzo del 2008 (el recital de Philadelphia también se lanzó poco antes de este). Dicho concierto fue grabado en el Civic Arena de esa ciudad en Mayo de 1970 durante el que sería el último tour de la banda. A pesar que tenían prácticamente sus días contados tras el legendario y bochornoso episodio de Miami en 1969, los conflictos con promotores que de la noche a la mañana decidieron desligarse de ellos y no organizar más sus conciertos y dado el progresivo desgaste de la voz de Jim y su deseo de desaparecer por un tiempo, The Doors seguían siendo grandes sobre el escenario; mágicos, brillantes, potentes, orgiásticos y sobre todo una maravillosa entidad colectiva aún cuando el foco de la atención pública estuviese siempre sobre la figura de el rey lagarto. Este recital es prueba clara de ello, un repertorio excelente con los temas más esperados pero también con varias sorpresas como las inéditas ‘Universal Mind’ y ‘Someday Soon’ (inéditas en disco pero habituales en sus recitales), la estupenda jam construida alrededor del clásico Rockabilly de los 50 ‘Mystery Train’ (aquí desglosado en 3 piezas diferentes) o la siempre imprevisible ‘When The Music´s Over’; la manera como Morrison se "sale” del libreto conduciendo la pieza hacia otros territorios (formados por retazos de otros temas) y la forma como el resto de la banda lo sigue casi telepáticamente sin perder el compás un solo segundo es la demostración inequívoca de la fuerza casi sobrenatural que los unía como banda. Mención especial también a una ‘Light My Fire’ de 10 minutos más cálidal que nunca y que cierra el CD con Ray, Robbie y John explorando con sus instrumentos hasta el más oculto de los rinconces de esta pieza en su afán por darle un toque siempre diferente. En fin, un excelente documento de lo que fueron los últimos conciertos masivos de The Doors en el tope de su creatividad y de su fuerza escénica. Este CD lo tenía bajado de un torrent en Flac, hace poco lo ví en una tienda y no pude evitar comprarlo, y es que cuando un artista te interesa realmente no hay nada que pueda suplantar el placer de tener sus discos originales, por eso considero que la polémica esa sobre la "piratería ” es absolutamente ridícula pues los fans nunca dejarán de pagar por la música de sus ídolos. El rip es mío pero a fin de no forzar inútilmente el frágil digipack he optado por conservar los scans del post que bajé originalmente.
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Tras el éxito de la película sobre The Doors dirigida por Oliver Stone y su inducción en el Rock And Roll Hall Of Fame se desató un renovado interés por la música del cuarteto de Los Angeles, traducido en varias rediciones del catálogo original, cajas y sobre todo bastante material en vivo donde la música Doorsiana se convertía en una experiencia casi religiosa entre lo místico y lo visceral. Antes de esa implosión la magia de sus recitales quedó documentada en 3 albumes: "Absolutely Live” (1970), para muchos el documento definitivo de un concierto de The Doors y único lanzado con la banda original activa; "Alive She Cried” (1982) con algunas piezas clásicas que no entraron en el anterior y "Live At The Hollywood Bowl” (1987), que también fue el primero en la era del compact disc. The Doors In Concert lanzado por Elektra en 1991 fue el disco que inauguró la avalancha de lanzamientos en directo de la banda con un más que exhaustivo repaso al material anterior. El primer CD contiene el viejo "Absolutely Live” en su totalidad salvo por el tema ‘Close To You’ que por cuestiones de espacio se colocó en el segundo CD. Este segundo disco incluye "Alive She Cried” en su totalidad, más la versión en vivo de ‘Roadhouse Blues’ originalmente editada en "An American Prayer” (el album de poemas de Jim Morrison), ‘Unknown Soldier’ del disco en el Hollywood Bowl y una estupenda versión inédita de ‘The End’, es decir, material lo suficientemente representativo para considerar esta como "la colección" de The Doors sobre el escenario. De "Absolutely Live” se ha hablado y escrito en cantidad, especialmente por las geniales y épicas interpretaciones de ‘When The Music´s Over’ y ‘The Celebration Of The Lizard’, pero es poco lo que se sabe de "Alive She Cried” pues jamás fue lanzado en compacto. Toda una agradable sorpresa para los fans son la versión Jazzy de ‘Texas Radio & The Big Beat’, la magnífica ‘Moonlight Drive’ con el recitado de ‘Horse Latitudes’ intercalado y una sensual ‘Light My Fire’ con estupendos solos de Ray y Robbie y un poema improvisado por Jim. Esta joya también fue descatalogada y sustituída por la primera edición en CD de "Absolutely Live” así que los invito a no perderse esta fabulosa colección.
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Con L.A. Woman llegamos a la última entrega de las 40th Anniversary Mixes de la discografía Doorsiana. Cuando el presidente de Elektra Records y productor ejecutivo de la banda Jac Holzman escuchó las cintas de L.A. Woman comentó "Acabo de escuchar el último album de Jim Morrison como cantante”. Ciertamente la voz de Jim había perdido buena parte de sus cualidades debido a los excesos de tabaco y alcohol (fumaba 2 paquetes diarios de Marlboro y bebía desde que se levantaba de la cama) quedando reducida prácticamente al gorgorito de un borracho. En el entorno del cuarteto flotaba la sensación de que este album sería el último tras el escabroso episodio del recital en Miami (con el consabido juicio a Jim por actos lascivos e inmoralidad) y el desencanto cada vez mayor de Morrison con el mundo del Rock. Quizá conscientes de ello The Doors se esmeraron en producir una obra absolutamente magistral; desde su propia gestación se notaba que iba a ser un album diferente a los anteriores en todos los aspectos: en primer lugar Paul Rothchild había renunciado a la producción del disco, labor que encararon los 4 Doors junto al ingeniero de sonido Bruce Botnick. Instalados en sus propios estudios llamados The Doors Workshop Ray, Robbie y John se dedicaron a trabajar en las partes instrumentales mientras Jim mataba el tiempo en su oficina un piso más arriba; cuando todo estuvo listo los 4 grabaron las canciones casi en vivo, con muy pocos overdubs, razón por la cual The Doors se reforzaron con 2 músicos adicionales: el bajista Jerry Scheff y el guitarrista Marc Benno. Ray Manzarek cambió por primera vez su viejo órgano Vox Continental por un órgano Hammond (regalo de Jim, Robbie y John) alternándolo con el piano eléctrico y esto ya le daba a The Doors un sonido diferente. Por otra parte Jim volcó en este disco su pasión por el Blues (en los primeros tiempos él solía presentar a The Doors como una banda de Blues, y cuando términó L.A. Woman comentó orgullosamente "finalmente logré hacer un disco de Blues”). Este sello Bluesístico está fuertemente impreso en las piezas más vibrantes del disco como ‘The Challenging’, ‘Been Down So Long’, ‘Car Hiss By My Window’ (con Jim imitando espléndidamente el sonido de la guitarra al final), la versión de ‘Crawling King Snake’ de John Lee Hooker y el desafiante recitado de ‘The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)’. ‘Love Her Madly’ escrita por Krieger fue la pieza elegida como single. Jim era un gran conocedor del teatro clásico y en ‘Hyacinth House’ recurre al drama Griego como ya lo había hecho en ‘The End’. La pieza que dá título es el punto focal del album; para Morrison Los Angeles (L.A. o él-lei como la llaman allá) era el microcosmos de la cultura moderna Norteamericana y la canción es un tributo a su ciudad adoptiva usando la diversidad racial y cultural de la mujer Angelina como simbolismo. La música vibra a ritmo de Rock And Roll que no suena ni rancio ni nostálgico en una impecable ejecución de la banda y Jim cantando brillantemente por encima de su maltrecha voz. Pero el camino a la cima no para ahí: ‘L´America’ fue grabada algunos meses antes para la banda sonora de Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni, pero el director Italiano la rechazó y decidieron meterla en el album. En mi opinión se trata de una de las joyas menos valoradas de The Doors; en la letra Jim hace referencia a los conquistadores que llegaron a América Latina atraídos por el oro (Jim usó L´America como contracción de Latin America). Pero la guinda fue ‘Riders Of The Storm’ una pesadillesca historia sobre la cacería a un asesino serial cantada con un susurro siniestro sobre un tapete Jazzístico magistarlmente servido por el piano de Ray, la batería de John y realzado con amenazadores sonidos de una tormenta. El album salió a la venta en Abril de 1.971 cuando Jim ya había partido hacia París donde moriría imprevistamente el 3 de Julio de ese año cerrando con broche de oro una de las más brillantes carreras en la historia del Rock y dando inicio a la incombustible leyenda del Rey Lagarto. |
Quinta entrega de las nuevas mezclas conmemorativas de los albumes originales de The Doors. Después de las feroces críticas recibidas por The Soft Parade, en Morrison Hotel la banda vuelve a las fuentes de los 2 primeros discos pero con sonido más sólido que de costumbre, más cercano a la fuerza de sus recitales. El sólo título sugiere que es Jim Morrison quien lleva de nuevo el control de las composiciones; por primera vez en un album del cuarteto todas las letras son suyas y esto hace que su personalidad aflore más que en anteriores trabajos. Además por segunda vez The Doors se sirven de un bajista para todo el album (Ray Neopolitan excepto en 2 temas) lo que se traduce en esa solidez de la que hablaba al comienzo. Morrison Hotel está dividido en 2 bloques de canciones (el primero llamado "Hard Rock Café” y el segundo "Morrison Hotel”) sin embargo no se aprecia separación temática alguna. El album se abre y se cierra con 2 de las piezas más duras y vibrantes de su repertorio, ‘Roadhouse Blues’ (que pasaría inmediatamente a ser uno de sus grandes clasicos en vivo) y ‘Maggie M´Gill’, piezas marcadas por esa áspera espontaneidad de carretera típicamente Americana (Lonnie Mack toca el bajo en ambas). ‘Waiting For The Sun’, ‘Ship Of Fools’, ‘The Spy’, ‘Queen Of The Highway’ e ‘Indian Summer’ muestran todas las facetas de la poesía Morrisoniana en una comunión música/letras fascinante, para muchos estas son algunas de las mejores letras jamás escritas por Jim. No obstante The Doors no es la banda de acompañamiento de Jim pues es en la simbiosis de su multifacético talento con la enorme capacidad creativa de Ray, Robbie y John donde radica la grandeza de su música: ‘Land Ho!’, por ejemplo, desborda de una inusutada alegría con su andar casi marcial; el abrupto corte a la mitad del tema y la cabalgata de la banda al grito de Jim es un momento sencillamente sublime que refleja esa comunión a la que hacía referencia. La avasallante ‘You Make Me Real’, el Funk de ‘Peace Frog’ y la parodia a Sinatra en ‘Blue Sunday’ completan un disco perfecto, una de las grandes obras de The Doors en mi humilde opinión. Esta edición contiene la mayor cantidad de bonus tracks (10 en total) brillantemente enlazados en una secuencia que sugiere el transcurrir de una sesión de grabaciones. Estupenda la versión Jazzística de ‘Queen Of The Highway’.
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Cuarta entrega de las nuevas mezclas de los discos originales de The Doors editadas en conmemoración del 40 aniversario del conjunto, siendo el turno del más polémico y criticado de sus trabajos. Muchos culpan del fracaso de The Soft Parade a los arreglos orquestales, lo cual a mi juicio no es del todo cierto. Si bien las secciones de vientos y cuerdas le hacen un mal favor a la música de The Doors, aquí la verdadera falla estuvo en la calidad del material, por debajo de sus estándares habituales. Hay que recordar que los 3 primeros discos se alimentaron básicamente de la enorme reserva que ellos tenían acumulada desde 1965, y para The Soft Parade tuvieron que escribir material 100% nuevo por primera vez. Las sesiones se desenvolvieron en uno de los períodos más turbulentos de la banda, con los recitales convertidos en un auténtico caos, con Morrison metido en toda clase de problemas y en general con los 4 músicos pagando las consecuencias de los excesos que la fama conlleva. Ante la falta de concentración de Morrison, Robbie Krieger tomó el control compositivo y la verdad que sus canciones aquí incluidas no llegan ni de lejos al nivel de sus aportes pasados (‘Light My Fire’, ‘Take It As It Comes’, ‘Love Me Two Times’, ‘Spanish Caravan’). No obstante el disco contiene 4 temas para la posteridad: ‘Shaman´s Blues’ con los 4 Doors trabajando muy bien sobre un elegante ritmo de corte Jazzístico; En ‘Wild Child’ la banda descarga todo el peso de su clásico sonido en una de las más brillantes letanías de Jim; la hermosa y apacible ‘Wishful Sinful’ es la única pieza que se beneficia de la orquesta y también la única composición de Robbie realmente notable; la épica ‘The Soft Parade’ es una mini-suite en 5 partes donde Jim expresa (o desahoga) la frustración artística que comenzaba a corroerlo producto del encasillamiento al cual se sentía sometido por los mass-media y que a su juicio propagaba más la imagen del escandaloso sex-symbol que del artista multifacético. Las nuevas mezclas le dán una dimensión más cálida a los temas "menos buenos”, lo que redunda en una percepción más agradable del disco en su conjunto, sin embargo me hubiese gustado saber como habría sonado ‘Touch Me’ sin orquesta, de hecho esa era mi esperanza secreta cuando leí por primera vez que estos albumes iban a ser remezclados. 6 bonus tracks, de los cuales la cara b ‘Who Scared You?’ habría quedado muy bien en el album original en sustitución de la sosa ‘Tell All The People’ o de las ridículas ‘Easy Ride’ y ‘Runnin´ Blue’.
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