Categoría:
60's
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887
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Aldoux
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Fecha:
04-Abr-2010
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Categoría:
60's
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1335
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Aldoux
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Fecha:
02-Abr-2010
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Categoría:
60's
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
01-Abr-2010
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Entre las muchas falsas creencias que existen alrededor del Rock está la que pinta al período previo a la llegada de Los Beatles como el mismísimo oscurantismo medieval. Si bien es cierto que el Rock & Roll pasaba por una etapa de transición y silencio, también lo es nunca faltaron bandas dispuestas a hacer buena música. Con la irrupción del surf surgieron legiones de agrupaciones que practicaban un tipo de Rock instrumental heredero de la música de los 50 con énfasis en las nuevas técnicas para la guitarra propagadas por Dick Dale, Link Wray y Duane Eddy. Pero incluso antes que ellos estaban The Fireballs, una banda de Nuevo México apadrinada por Norman Petty (mánager del gran Buddy Holly). Formados originalmente por Chuck Tharp (cantante), Stan Lark (bajo), Eric Budd (batería), Dan Trammell (guitarra rítmica) y el líder George Tomsco (guitara solista) tuvieron entre 1959 y 1964 un buena racha de hits en EUA y Gran Bretaña. En su primera etapa entraron 3 veces en el top 40 Norteamericano con los singles 'Torquay', (1959), 'Bulldog' (1960) y 'Quite a Party' (1961); alternaban temas vocales cantados por Tharp con piezas instrumentales, sin embargo fue gracias a éstas últimas que la agrupación entró en la leyenda del Rock & Roll. George Tomsco no pertenecía precisamente a la élite de los nuevos guitarristas antes citados, no obstante su estilo original, fluído y fresco lo convirtió en un punto de referencia entre las noveles bandas de Surf. En 1962 Tharp, Budd y Trammell dejan la formación, el primero fue sustituído por el cantante Jimmy Gilmer y el segundo por el baterista Doug Roberts; Trammell no fue remplazado y la banda continuó como cuarteto. Con Gilmer al frente The Fireballs se orientaron más hacia el lado vocal y en 1963 consiguen su mayor éxito con 'Sugar Shack' (N° 1 y uno de los singles más vendidos aquel año en EUA). En 1964 pasaron a llamarse Jimmy Gilmer & The Fireballs y alcanzaron el N° 15 a nivel nacional con 'Daisy Petal Pickin' pero el agotamiento de la fórmula de estos grupos y la llegada de los Ingleses hizo que la estrella del cuarteto se apagara poco a poco. Desvinculados de Norman Petty The Fireballs firmaron un nuevo contrato con Dot Records y tras una serie de oscuros singles lograron su último éxito con 'Bottle Of Wine' en 1968 (N° 9) separándose en 1969. Con el renacer del interés por el Rock instrumental de los 60 George Tomsco, Stan Lark y Chuck Tharp volvieron a presentarse como The Fireballs y se mantuvieron esporádicamente activos hasta la muerte de Chuck en 2006. Esta recopilación The Best Of The Fireballs del sello Británico Ace (especialistas en música de los 50 y principios de los 60) condensa lo mejor de su estilo instrumental durante el mecenazgo de Petty, aunque también incluye 2 de los temas vocales que grabaron en esos primeros años. Las ediciones de Ace no son remasterizadas sino transferidas digitalmente directamente de las masters tapes, no obstante ofrecen un sonido estupendo con perfecto balance entre el material en mono y en stereo.
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60's
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Fecha:
31-Mar-2010
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 Antes de Keith Moon, Mitch Mitchell, John Bonham, Bill Bruford y Neil Peart, ya existía Sandy Nelson. Nacido en Santa Mónica (California) y muy solicitado músico de sesiones desde finales de los 50, Nelson fué el primer baterista de Rock en tener prestigio y éxito como solista. Su técnica perfecta y limpia heredada del gran Gene Krupa influyó directamente en el Surf y el Rock instrumental de los primeros 60, y escuchando este excelente Twoffer -2 LPs en 1 CD- del sello Collectables (que recoge sus 2 discos más célebres editados en 1962) es fácil rastrear su rango de influencia hasta muchas futuras leyendas de las baquetas. El material incluido en ambos discos cubre un amplio abanico temático: Jazz, Swing, Rock & Roll, Rhythm & Blues, Surf… algunas canciones pueden sonar insustanciales para los oídos actuales pero en la mayoría Nelson nos muestra su ingenio como músico: sus ejecuciones a la batería ván más allá del exhibicionismo dejando al descubierto canciones muy bien estructuradas ('Big Noise From Winnetka'); en 'Let There Be Drums' traza un patrón que será imitado por muchas bandas instrumentales en la primera mitad de los 60; en la sorprendente 'Bouncy' juega con ciertos ritmos Funky que no se escucharían sino hasta algunos años después; 'Birth Of The Beat' es una pieza conceptual donde Sandy recrea en sólo 3 minutos la evolución de su instrumento a lo largo de los años; 'Quite A Beat' tiene una lejano aire a Bluebeat (el ritmo antecesor al Ska y el Reggae) que me hace pensar si Sandy no lo habrá escuchado en algunas vacaciones por Jamaica; 'Day Drumming' es un solo de batería sin pretensiones pero que deja claro la estatura del personaje… y así hasta completar 25 temas. Lamentablemente no todo fueron rosas para Sandy quien en 1963 sufrió un aparatoso accidente de motocicleta que lo mantuvo hospitalizado por 6 meses y concluyó con la amputación de parte de su pierna derecha. Este hecho que quizá hubiese significado el fin de la carrera de otros no amilanó a Nelson quien aprendió a tocar el bombo con el pie izquierdo y siguió tocando y grabando, y es por esto que el hombre goza de gran respeto y admiración entre colegas, fans y críticos. El CD incluye como bonus track el tema 'Teen Beat ´65', es la regrabación de su éxito 'Teen Beat' de 1962 y en el se puede apreciar su forma de tocar tras el lamentable accidente. Este disco se lo dedico con mucho cariño a mi amiga baterista Patricia de Montevideo, Uruguay… que lo disfrutes Patty!.
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60's
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Aldoux
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Fecha:
30-Mar-2010
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Después del éxito con el anterior Live At The Apollo, presentarse en el legendario teatro se convirtió para James Brown una costumbre y una necesidad. Entre 1962 y 1967 el padrino del Soul se subió unas 200 veces al escenario del Harlem y durante todo ese tiempo el público fue testigo de su lenta pero firme evolución hacia la consolidación artística y comercial. Al igual que en 1962 cuando grabó por primera vez en el Apollo, el James Brown de 1967 buscaba reinventarse a sí mismo; el Rhythm & Blues estaba cambiando y él sentía la necesidad de ponerse a la vanguardia de esos cambios, y siendo sus espectaculares recitales su punto fuerte el momento era más que propicio para un nuevo album en vivo desde el mismo escenario que lo lanzó al estrellato. Fue así como en Junio de 1967 JB anunció una intensa serie de 10 presentaciones en el Apollo entre los días 16 y 25 a razón de 4 espectáculos diarios, y además la grabación del show de medianoche del día 24 para su posterior lanzamiento. Sus conciertos de entonces estaban muy bien calculados, con temas dirigidos al sector más conservador de su público (James Brown se había convertido en una estrella internacional y sus apariciones en escenarios selectos comenzaron a ser frecuentes); los interludios para sus cambios de vestuario eran cubiertos por la banda acompañada por las JB’s Dancers o por el MC Bobby Byrd cantando clásicos del Soul, todo en preparación del momento estelar. La presente colección (lanzada originalmente en 1968 como un doble LP) es el documento de lo antes expuesto. El primer set es más calmado e incluso convencional, con un James Brown elegantemente enfundado en un traje beige cantando algunos standards (‘I Wanna Be Around’ y ‘That´s Life’ acompañado por una sección de violines) alcanzando sus puntos más altos en su viejo hit ‘Think’ (a dúo con Marva Whitney) y una soberbia ‘It´s A Man´s Man´s Man´s World’ de 19 minutos donde la intensidad no cala ni un sólo segundo. Pero es en el segundo set donde James descarga todo su potencial cantando fenomenalmente, estableciendo un puente de comunicación directa con su público e incluso haciendo breves incursiones al órgano y la batería; su banda es de una gran brillantez, con los guitarristas Jimmy Nolen y Alfonzo Kellum intercambiando constantemente sus roles, con 2 bateristas (Clyde Stubblefield y Jabo Starks) y un percusionista (Ronald Selico) tejiendo una impecable base rítmica y la sección de vientos marcando puntuales contrastes con la sección rítmica, donde destaca el estupendo saxo de Maceo Parker. Temas como ‘Bring It Up’, ‘There Was A Time’, ‘I Feel All Right’ y el hit ‘Cold Sweat’ gozan de un tratamiento libre lleno de poliritmos y acentos Jazzísticos abriendo las puertas de par en par para la fundación del Funk; no obstante JB no pierde ocasión para repasar sus raíces Blues/Gospel en la balada ‘Prisoner Of Love’. Lamentablemente fallas técnicas con las cintas hizo que algunos momentos gloriosos no quedaran registrados, lo cual se subsanó parcialmente con la grabación del siguiente día. Para el doble album de 1968 la mayoría de las piezas sufrieron sustanciales recortes. Esta estupenda Deluxe Edition del sello Universal rescata casi totalmente lo que fue el setlist de entonces, llevando todas las piezas a su duración original y recuperando la acelerada interpretación del clásico ‘Please Please Please’, además de la versión de ‘Sweet Soul Music’ cantada por Bobby Bird. En años posteriores James Brown grabaría 2 veces más en el Apollo, mas este disco y el anterior en vivo quedarían para la posteridad como 2 de los más grandes puntos de cambio en la evolución del R&B.
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60's
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1195
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Fecha:
18-Mar-2010
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Como album en vivo James Brown Live At The Apollo es uno de los grandes sucesos en la historia de la música popular. A comienzos de los 60 James Brown se había labrado una pequeña fama por sus espectaculares y vibrantes recitales y algunos hits en el mercado de la música negra, pero a nivel nacional seguía siendo un desconocido. Resuelto a cambiar la situación Brown decidió hacer 5 recitales en New York (como parte de la gira nacional de 1962) en el legendario Teatro Apollo del Harlem, el templo de la música negra, y grabar el show del 24 de Octubre con miras a un album en vivo. Era una jugada arriesgada, primero porque el público del Apollo era tremendamente exigente, un público capaz de disparar la carrera de un artista con su aprobación, o bien hundirla con su desaprobación. Por otro lado los albumes en vivo no estaban muy bien vistos por las discográficas: todo tenía que hacerse en una sola toma (con el consiguiente riesgo de perder el trabajo si la performance no era buena) además que comercialmente resultaban poco rentables entonces. A regañadientes el director de King´s Records, Syd Nathan, aceptó prensar 5.000 copias del disco, de las cuales solo 500 fueron en stereo, y con aplausos adicionales agregados en la sesión de mezcla. El album fue lanzado en Mayo de 1963 y sorpresivamente comenzó a agotarse en las tiendas. En parte el público de color aún mantenía fresca en sus mentes la magia de aquellos recitales, pero fue el DJ Rocky G de la influyente emisora Neoyorkina WWRL quien le dió el impulso definitivo. Una noche Rocky programó todo el album de principio a fin, la central telefónica de la emisora se inundó de llamadas solicitando diariamente repetir el disco; en las siguientes semanas otras emisoras de New York y ciudades cercanas comenzaron a imitarlo y contra todo pronóstico Live At The Apollo se instaló en el puesto N° 2 de los charts nacionales, algo inédito para un album en vivo y que sacó a James Brown del ghetto artístico, proyectándolo como una de las grandes fenómenos de la música de entonces y uno de los motores en la difusión del Soul y su posterior conversión en Funk. El disco capta vívidamente lo que era un recital del padrino del Soul, desplegando su fenomenales dotes de intérprete y showman respaldado por una excelente y bien acoplada banda que ponía los pelos de punta. El repertorio repasa sus hits del momento, temas que traspasaron el Atlántico y fueron adoptados por cientos de bandas jóvenes en Inglaterra y el resto de Europa (‘I´ll Go Crazy’, ‘Try Me’, ‘Think’, ‘I Don´t Mind’, ‘Night Train’), por no hablar de ‘I Lost Someone’, una intensa balada de 10 minutos donde la tensión y el desesperado canto de James alcanza un clímax casi sexual. Por cierto que este recital pasó también a la posteridad gracias a una de las más divertidas anecdotas en la historia de la música Pop: una ancianita de 70 años se instaló en las primeras filas y no dejaba de gritarle a James Brown "¡canta hijo de puta, canta!", el padrino trató de ignorarla pero entró en pánico cuando a la mitad de 'I Lost Someone' la gente comenzó a reírse; cuando en el interludio escucharon la grabación músicos y técnicos comenzaron a reír a carcajadas ante la desesperación de JB, hasta que un representante de la disquera ubicó la dama y le dió 10 Dólares (además de comprarle golosinas) para que se cambiara hacia el fondo del teatro... la viejecita siguió gritando toda la noche pero ya sin estorbar la grabación (según leí James Brown tuvo que repetir 'I Lost Someone' en el segundo set pues en la anterior los gritos de la Señora y las risas del público eran demasiado evidentes). La presente edición fue remasterizada en 2004 a partir de la cinta maestra en stereo que se creía destruída y encontrada por accidente, sin los overdubs agregados al vinilo original. Como bonus tracks se incluyen versiones para single de 4 temas y que solo son de interés para coleccionistas.
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60's
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Aldoux
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Fecha:
15-Mar-2010
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"Nos pusimos de pié ante ella y empezamos a congelarnos por dentro del esfuerzo. Cuestionamos la pintura, la reprendimos, le hicimos el amor, le rezamos: la llamamos madre, la llamamos puta y zorra, la llamamos nuestra bienamada, la llamamos Abraxas”. Este extracto del libro de Herman Hesse "Demian" figuraba en la portada de Abraxas (una reproducción de la pintura "Anunciación" de Mati Klarwein), y la combinación de ambas son un retrato perfecto de la música contenida en sus surcos. Con su primer album Santana se convirtieron en estrellas; el lanzamiento de Woodstock (la película y la banda sonora) con la aclamada interpretación de 'Soul Sacrifice' aumentó notablemente el interés hacia ellos y llenó de expectativas la aparición de su segundo trabajo. Con la confianza adquirida tras el debut, con más tiempo y recursos para grabar y un productor hecho a su medida (Fred Catero, ingeniero de sonido en los primeros albumes de Chicago), Abraxas resultó una obra espléndida y brillante, uno de los grandes discos en la historia del Rock. Agotado el material inicial la banda se vió en la necesidad de escribir nuevas canciones por primera vez en 2 años, y éstasmostraban un nuevo estado de madurez. Las influencias primarias (Africa y el Blues) seguían allí pero integradas y diluídas en un nuevo sonido que llevaba el aporte de los últimos miembros llegados a Santana: el Jazz de John Coltrane y Miles Davis (por parte de Michael Shrieve) y el sonido de los grandes revolucionarios de la música Latina: Tito Puente, Mongo Santamaría, Ray Barreto, Eddie y Charlie Palmieri (aportado por Carabello y Chepito). El material es diverso pero perfectamente amalgamado, combinando piezas de una sinuosidad terrenal: la versión del viejo tema de Tito Puente 'Oye Como Vá' y el ataque percusivo de 'Se Acabó' y 'El Nicoya', con otras que alcanzan cotas de sublimación casi espiritual: la inicial 'Singing Winds, Crying Beasts' dotada de una misteriosa calma casi selvática y la magnífica 'Incident At Neshabur' (con Albert Gianquinto al piano) llena de cambios de tempo y de ritmo que transpira Jazz por lo 4 costados; y en el centro se ubican temas que son la perfecta síntesis de ambos extremos: el homenaje de Carlos a 2 de sus grandes héroes de la guitarra en 'Black Magic Woman' (de Peter Green) y 'Gypsy Queen' (de Gabor Szabo) brillantemente integradas en una sóla pieza; por no hablar de la lujuriosa sensualidad de 'Samba Pa Tí' con una estupenda ejecución de toda la banda y un Carlos Santana que vuela por encima de la melodía en una de sus más inspiradas ejecuciones a la guitarra. Greg Rollie aporta las piezas más Heavies del disco con 'Mother´s Daughter' y la demencial 'Hope You´re Feeling Better' (mi favorita), además su gran labor al órgano y su voz cálida y pegajosa se convierten en elementos vitales del sonido Santana. Las líneas de bajo de David Brown son una arteria vital que recorre el album de principio a fin y la sección percusiva de Shrieve, Carabello y Chepito Areas (aumentada en algunas piezas con Rico Reyes como invitado) ofrecen un tapete rítmico perfecto y multicolor. Con Abraxas, Santana alcanza la cumbre artística y comercial, erigiéndose en una de las grandes bandas de su tiempo, vendiendo millones de discos, llenando plateas a lo largo y ancho del planeta y en especial influenciando a miles de jóvenes músicos, y ubicando además la música Latina en general en el mapa musical universal. Edición remasterizada a 24 bits en 1998, contiene 3 bonus tracks grabados en vivo en el Royal Albert Hall de Londres durante su gira Europea de 1970.
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60's
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743
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Aldoux
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Fecha:
09-Feb-2010
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Para finales de 1968 Santana se había convertido en una de las agrupaciones más prometedoras de la escena de San Francisco. Sus excitantes conciertos llamaron la atención de los cazatalentos de Columbia quienes le extendieron un contrato para grabar; no obstante el camino hacia su primer disco no fue fácil. La formación inicial con Carlos, Greg, David Brown (bajo), Bob ‘Doc’ Livingstone (batería) y Marcus Malone (percusión) tuvo problemas para adaptarse a los estudios; ellos eran una jam band, las piezas que tocaban en sus recitales se basaban en largas improvisaciones, y esto les impedía concretizar su sonido en canciones. Tras unas sesiones poco satisfactorias en Los Angeles, el material fue archivado y la banda se reunió para decidir su futuro; Carlos, Greg y Dave decidieron despedir a Livingstone (quien realmente no encajaba en el estilo de Santana) y lo sustituyeron con Michael Shrieve, un excelente y precoz baterista de sólo 17 años. También Marcus Malone deja la formación pero por otros motivos: acusado de asesinato (aunque él alegó defensa propia) fue sentenciado a 20 años de prisión acabando prácticamente con su carrera; para cubrir su puesto Carlos llama a Michael Carabello (congas) quien ya había tocado con ellos en sus inicios cuando se llamaban The Santana Blues Band; Mike llevó consigo a un amigo, el percusionista Nicaraguense José "Chepito” Areas, consolidando así la formación que conduciría a Santana hacia la gloria. Para solucionar los problemas con los arreglos invitaron al estudio a su amigo el pianista Albert Gianquinto (Miembro de la James Cotton Blues Band) y bajo su guía las largas jams fueron reducidas a piezas más compactas y fáciles de grabar. Otro hecho importante por aquel entonces fue la participación de Santana en el Festival de Woodstock gracias a las gestiones de Bill Graham, quien además maniobró para que sus pupilos fueran incluidos en la película y en la banda sonora, lo que aumentó su popularidad en vísperas del lanzamiento del disco debut. En cuanto a éste último, Santana (1969) resultó un innovador y prometedor disco de una banda que aún debía recorrer algún trecho para alcanzar la perfección formal. Es una obra de transición entre los primeros Santana orientados al blues y a los sonidos Africanos y los Santana de Abraxas más Latinos y homogéneos. Los temas 'Waiting' (adaptado del ritmo Afro-Cubano Guaguancó) y 'Savor' son una muestra de esos nuevos elementos traídos al Rock por Santana. 'Evil Ways' (grabado por sugerencia de Graham) fue el tema que los puso en las listas de éxitos con su sana comercialidad. 'Jingo' y 'Soul Sacrifice' están enraizados en los ritmos Africanos introducidos por Marcus Malone. 'Shades Of Time' y 'Persuasion' muestran el lado más ácido y rockero de su música. 'You Just Don´t Care' es un tributo al pasado blues de la banda y en la magnífica 'Treat' Greg Rollie pone en evidencia su talento, su amor por el Jazz y su capacidad para asimilar las enseñanzas de los grandes pianistas de la música Latina. El tándem Brown-Shrieve-Carabello-Areas era un infernal maquinaria rítmica que le daba a la música una tensión casi sexual y orgiástica. Por último la guitarra de Carlos si bien elemento característico de Santana suena poco omnipresente y en algunos casos tímida, sin la voluptuosidad de los discos posteriores y es muestra del período de asentamiento por el que estaba pasando como artista. La presente es la edición 30 aniversario de 1998, remasterizada a 24-bits y expandida con tres de los temas que la banda tocó en Woodstock. No es tan completa como la Deluxe Edition de 2 CDs que Sony puso en el mercado hace pocos años pero que no deja de sonar fantástica.
Categoría:
60's
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1038
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
04-Feb-2010
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Si admitimos la existencia de una vanguardia en el Rock de finales de los 60 que buscaba nuevas formas de expresión a través de elementos musicales no convencionales, podemos entonces afirmar que Santana fueron una de las bandas más progresivas de su tiempo. Su adaptación de ritmos Afrolatinos en un contexto de Rock fue una gran innovación que abrió de par en par las puertas del mercado internacional para la música de fusión con elementos Latinos y convirtió el uso de los instrumentos de percusión en un patrón para muchas agrupaciones de Rock, Jazz y Soul. Por supuesto que hablar de Santana es hacerlo de su líder y creador, el virtuoso guitarrista Carlos Santana, nacido en Autlán (México) y emigrado a San Francisco donde desarrolló y moldeó su técnica inspirado en Peter Green, Eric Clapton, Jimi Hendrix, los maestros del Blues y guitarristas de Jazz como Django Reinhardt, Wes Montgomery y Gabor Szabo. Siendo Frisco una rutilante ciudad cosmopolita Carlos entró en contacto con una diversidad de músicas y estilos que lo marcarían hondamente. Sin embargo no se puede obviar el valioso (y a veces poco valorado) aporte en esos primeros años formativos de dos músicos: el organista Greg Rollie y el percusionista Marcus Malone. Rollie poseía un estilo sensual y excitante que se convertiría en el alter-ego de la guitarra de Carlos, además Greg tuvo la idea de usar el órgano para sustituír a las secciones de viento de las bandas Latinas. Por otra parte Malone fue alumno de Babatunde Olatunji, un músico Nigeriano afincado en Nueva York a quien se considera el introductor de los ritmos Africanos en EUA; él compuso la célebre 'Jingo', canción que Marcus llevó (junto con otros elementos musicales Africanos) al repertorio de Santana. Esa formación inicial se completaba con el bajista David Brown y el baterista Bob "Doc” Livingstone, y se convirtió rápidamente en uno de los números favoritos del Fillmore West, ganándose la amistad y el apoyo del dueño del local y promotor de conciertos Bill Graham quien a la postre se convertiría en su manager. Este doble CD Live At The Fillmore '68 (editado en 1997 para frenar la avalancha de lanzamientos semi-oficiales con material de esa misma época) recoge piezas grabadas en el legendario Fillmore Auditoruim de San Francisco durante 4 noches de Diciembre de 1968 (concretamente del 19 al 22) y nos permite descubrir a unos Santana en estado embrionario previos al éxito masivo de su primer album. Lo que aquí encontrarán es a una estupenda jam band que practicaba un acid-rock fuertemente influenciado por el Blues, los ritmos Africanos y el Free Jazz. Escuchando algunos temas que más tarde pasarían a ser clásicos de su repertorio ('Jingo', 'Persuasion', T'reat', 'Soul Sacrifice') se intuye como estos primeros Santana partían de la improvisación como fuente de creación, de hecho eran famosos por no tocar un mismo tema igual 2 veces; lo mismo se puede decir de su adaptación de 'Conquistadore Rides Again' (del baterista de Jazz Chico Hamilton) y la maratónica 'Freeway Jam' de 30 minutos de duración y donde Carlos, aún en estado de maduración, muestra su enorme inventiva como guitarrista. Todos los demás demuestran también sus incipientes dotes, Marcus Malone era el motor de la formación cubriendo él solo la mayoría del tejido percusivo pues Livingstone sonaba demasiado estático y a veces fuera de sintonía con los otros. Lo mejor aún estaba por venir pero en estas grabaciones ya se aprecia el germen de lo que sería una de las grandes bandas de los años 70 y de uno de los mejores guitarristas de la historia del Rock.
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60's
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702
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
01-Feb-2010
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