 Esta edición de 2007 supone el colofón de las obra discográfica de Judee Sill después de sus 2 únicos discos oficiales (Judee Sill y Heart Food) y los temas de su inconcluso tercer album (incluidos en Dreams Come True). El CD recoge las 3 presentaciones que hizo Judee para la BBC de Londres durante sus 2 únicas visitas a Inglaterra en Marzo de 1972 y Febrero de 1973. Judee llegó a Londres por primera vez a mediados de Marzo de 1972 para actuar como telonera del trío America en el Royal Festival Hall; semanas antes su primer album había aparecido en Gran Bretaña y los más prestigiosos medios musicales del país (Melody Maker, New Musical Express, Sounds, Record Mirror, Disc & Music Echo) se volcaron en elogios ante la calidad del registro y el talento de Judee. Con este aval fue contratada por la BBC para un recital en el Paris Theatre el día 23 de Marzo que fue retransmitido días después en el programa In Concert de Radio One. Ante el éxito del programa Judee grabó un segundo recital sin público el día 5 de Abril, esta vez para el programa televisivo In Session With Bob Harris junto a una corta entrevista con el presentador (sin relación alguna con su ex marido y productor). Judee regresó a Inglaterra en Febrero de 1973 para un tour como telonera de Roy Haper, y si bien el idílico encanto con el público y la prensa Británica de su primera visita se había esfumado parcialmente, esto no fue impedimento para que la cantautora ofreciera el día 15 otra soberbia presentación ante un público de 700 personas en el Goldens Green Hippodrome de Londres, también retransmitido a posteriori en el programa radial de la BBC In Concert. Quizá los que conozcan el set acústico de Judee Sill incluído tanto en la edición expandida de su primer disco como en el doble CD Abracadabra piensen que quizá este Live In London no sea más que una repetición de aquel; nada más alejado de la realidad. Ciertamente son las mismas canciones, ejecutadas con los mismos recursos (guitarra, piano, voz), pero si hay algo que caracterizó a esta mujer y que la hizo tan especial fue su capacidad para convertir cada interpretación en un momento único e irrepetible. Incluso cada una de las piezas que se repiten tienen su propia atmósfera y sus propios matices lo cual es demostración de su enorme personalidad en escena. Son canciones bellas, intimistas, melancólicas y etéreas, con una gran carga emotiva y espiritual y que te dejan al final con la sensación de haber asistido a una experiencia casi mística; canciones que aún despojadas del marco orquestal de los discos brillan con su propia luz. No creo necesario el recuento detallado de los temas mas no puedo dejar de citar la enorme carga de intensidad que pone en 'The Kiss' (tema que parece salir de los más profundo de su ser), las hermosas armonías vocales de 'Down Where The Valleys Are Low' (inspirada según ella misma cuenta en los grupos vocales femeninos de los 60), la improvisación de piano en 'Enchanted Sky Machines' y la manera magistral como resuelve sólo con piano y voz uno de sus temas más sónicamente complejos como 'The Donor'. El CD incluye también la antes citada entrevista con Bob Harris donde Judee manifiesta su satisfacción por encontrar en Europa mayor sensibilidad y receptividad hacia su música que en EUA. Un disco indispensable para los fans de Judee.
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70's
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1004
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Aldoux
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Fecha:
16-Oct-2011
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 Este doble CD fue lanzado originalmente en 2005 por el sello Water (una modesta disquera que hace una estupenda labor digna de apoyo) en edición limitada y con un libreto de 72 páginas. La presente es la redición 2008 con portada diferente, sin el libreto original pero con el mismo contenido. El proyecto estuvo a cargo de Jim O'Rourke, productor de artistas como Sonic Youth y Wilco y admirador de la obra de Judee, y la verdad ha hecho un gran trabajo compilando, organizando y mezclando el material en lo que constituye la pieza faltante del trabajo de Judee Sill en los estudios. El núcleo lo compone el primer CD con los 8 temas que Judee grabó en 1974 para su tercer disco jamás terminado. Quizá condicionada por el fracaso de Heart Food (su segunda obra) Judee trabajó en canciones más accesibles englobadas en la onda Folk-Pop Californiana de entonces (ya esbozado en el tema 'Soldier Of The Heart' de Heart Food). Sin embargo esta nueva dirección estilística estuvo también determinada por factores más personales: meses antes Judee tuvo un serio accidente de automóvil y se dañó severamente la columna. Tras otros meses más de postración y de una cirugía en la que le insertaron un bypass electrónico para minimizar los dolores Judee se sintió tremendamente aliviada y esta sensación la motivó a escribir material más alegre y "uptempo". Algunos críticos al escuchar estos temas comentaron el enfoque compositvo de Judee más simplista en relación a sus albumes originales, cosa con la que no estoy de acuerdo. Basta comparar las versiones terminadas de 'I´m Over' y 'The Living End' con sus respectivas demos (incluidas al final del primer CD) para notar como Judee se mantiene fiel a su manera de componer e interpretar y que son sólamente los arreglos lo que ha cambiado. El personal acompañamiento de guitarra/piano y los barrocos arreglos orquestales dan paso aquí a un sonido compacto de banda integrada por el bajista Bill Plummer (gran amigo de Judee que la acompañó en todas sus grabaciones y poseedor de las cintas con la música de esta colección), el baterista Kevin Kelly y los guitarristas Marc McClure & Art Johnson dándole a la música de Judee una dimensión diferente pero de la cual igualmente emergen auténticas joyas como la maravillosa 'The Good Ship Omega' teñida de Blues y Gospel o la melancólica balada pianística 'Til Dreams Come True' que constituyen dos de los momentos más inspirados de su discografía. Por cierto que Judee demuestra ser una pianista dotada de excepcional sensibilidad, evocando con el piano las mismas emociones que transmite cuando canta, algo que sólo los grandes talentos son capaces de lograr (escúchese para ello la versión instrumental del tema homónimo). El segundo CD contiene nueve demos que constituyen el único material de archivo de Judee Sill del que se tenga conocimiento. Los temas 'Waterfall', 'North Country', 'Farmer´s Daughter', 'The Wreck Of The Fast Flying Vestibule' y '500 Miles' fueron grabadas en 1968 en la casa Tommy Peltier, un folk singer amigo de Judee en cuyo disco Chariot Of Astral Light esta participó activamente. 'Dead Time Bummer Blues' fue uno de las primeros temas que Judee escribió en su vida y en el hace referencia a su estancia en el reformatorio; no se tiene fecha de cuando fue grabada ni quienes la acompañaron aunque algunos sostienen que podría tratarse de la agrupación The Leaves quienes grabaron su propia versión del mismo. 'Sunny Side Up Luck' es una versión preliminar de 'Things Are Lookin´ Up' (uno de los temas de 1974) con un surreal acompañamiento de órgano que la hace sonar como salida de un sueño. 'Emerald River Dance' es otra demo casera sin fecha conocida a pesar de sonar muy similar al material grabado en la casa de Peltier. Este segundo CD se cierra con la demo instrumental 'Oh Boy The Magician' donde nuestra heroína exhibe sus habilidades Jazzísticas. Pero la cosas no terminan ahí pues la colección incluye una pista CD ROM con el corto recital que dió Judee en 1973 en la University Of Southern California; una presentación al aire libre bastante informal ante un público pequeño pero que pareciera seguirla con atención. Una filmación amateur con fallas de origen pero a través de la cual Judee Sill demuestra su grandeza con ese especial carisma que 32 años después de su desaparición física aún la proyecta como una de las más brillantes cantautoras de los años 70.
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70's
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927
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Aldoux
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Fecha:
14-Oct-2011
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 Este y los dos siguientes posts son mi humilde tributo a una de las cantautoras más brillantes que jamás hayan existido pero también una de las más infrvaloradas: Judee Sill. Guitarrista, pianista y cantante, poseedora de una hermosa voz, una sólida formación musical (graduada en el Valley Junior College of Music de San Fernando, California) y de una fértil vena compositiva, Judee merece estar en el pedestal de las grandes heroínas de la música Americana junto a Joan Baez, Joni Mitchell, Judy Collins y Emmylou Harris, aunque el destino no haya sido justo con ella al respecto. Nacida en Oakland en 1944 Judee tuvo una traumática adolescencia con algunos episodios oscuros que reflejaría en sus canciones: escapada de su casa para huir del alcoholismo de su madre y padrastro, se dedicó a vagar por EUA como una nómada, cantando ocasionalmente en bares y coffee-houses para ganar algo de dinero. Cuando la falta de aquél se hizo crítica llegó al extremo de perpetrar con sus compinches pequeños robos a mano armada, lo que la condujo a pasar 9 meses en un reformatorio para chicas. Allí se hizo organista en la Iglesia del reformatorio y comenzó a componer, algo para lo que Judee tenía un don natural. Una vez en libertad consiguió trabajo tocando el piano en bares y agregando a su coctel de drogas (estimulantes, marihuana, LSD) otra más peligrosa: la heroína. Incluso se dice que la urgencia por conseguir drogas la llevó a prostituirse, aunque quienes la conocieron rechazan vehementemente esta afirmación. Las cosas empezaron a cambiar para ella cuando su viejo amigo de juergas Jim Pons (bajista de The Turtles) la llama para pedirle una canción y Judee le ofrece 'Lady-O' (una de sus más bellas melodías), tema que la banda se encargaría de poner en las listas de éxitos. Mejor aún, un día se encuentra con un viejo amigo de la familia llamado David Geffen quien estaba en proceso de formación del sello discográfico Asylum y Judee se convierte en su primera contratación. Geffen se la lleva pronto al estudio y graba el que sería el primer lanzamiento de Asylum, el disco Judee Sill (1971), un magnífico catálogo de canciones Folk arropadas por arreglos de cuerdas y vientos (escritos y dirigidos su ex marido Bob Harris que también fue el productor) y con su angelical voz que a ella le gustaba realzar a través de múltiples overdubs. Su música se escapa de los esquemas Folk convencionales para pisar los terrenos del Jazz modal y las métricas de J.S. Bach, mientras que sus canciones son de una gran carga poética con metáforas sobre la religión, la cosmología, el ocultismo y sus propios traumas personales. Canciones memorables como 'Crayon Angels', 'The Archetypal Man', 'The Lamb Ran Away With The Crown' (que habría encajado a la perfección en el Pet Sounds de Los Beach Boys), 'Lady-O', 'Jesus Was a Crossmaker' (llevada al éxito posteriormente por The Hollies) o 'Lopin´ Along Through The Cosmos' que al oírlas te hacen preguntarte donde carajo tenía la cabeza el público de entonces que no le prestó la suficiente atención, aunque en este aspecto es bueno puntualizar lo siguiente: en aquella época Joni Mitchell era ya toda una leyenda y el patrón para comparar a cualquier nueva cantautora Folk; lamentablemente casi todas salían perjudicadas y en consecuencia ignoradas, no sólo Judee sino también Linda Perhacs, Chi Coltrane, Collie Ryan o Ellen McIlwaine. A pesar que el album fue unánimemente alabado por la crítica (hasta el punto que Rolling Stone le dedicó una portada) y el single 'Jesus Was a Crossmaker' (producido por su fan y amigo Graham Nash) fue ampliamente difundido en las radios, las ventas fueron muy modestas; no obstante aquel fue el mejor período en la vida de Judee, ganándose el respeto y la admiración de sus colegas (la mismísima Joni Mitchell, Jackson Browne, Linda Ronstadt), recibiendo excelentes críticas y llevando su música por todo EUA en recitales íntimos como supporter de Crosby & Nash, Van Morrison y otros, incluso hizo un breve viaje a Londres donde dejó gratísima impresión y grabó unas sesiones para la BBC publicadas hace pocos años. En 1973 llegaría su segundo album Heart Food, una obra más compleja con cierta inclinación hacia el Country, ambiciosos arreglos orquestales/vocales (dirigidos por ella misma) y la nutrida presencia de músicos de sesión, pero manteniendo la brillantez de las composiciones y de las interpretaciones: 'There's a Rugged Road', 'Down Where The Valleys Are Low', 'The Vigilante', 'Soldier Of The Heart' (el único intento de hacer una canción Pop que ciertamente pudo haber triunfado con algo más de suerte) junto a tres de sus mejores temas, 'The Kiss', 'The Phoenix' y la inquietante 'The Donor' cargada de una intensidad casi operística. Lamentablemente el disco tuvo menos aceptación que el primero y una desanimada Judee Sill volvería a refugiarse en la heroína. En 1974 grabó ocho temas para un tercer disco pero sus adicciones y problemas de salud hicieron que poco a poco se alejara de los estudios hasta que 1979 sus amigos recibieron la fatal pero nada sorpresiva noticia de su muerte por sobredosis de speedball (combinación de heroína y cocaína). En los últimos 15 años el culto a la música de Judee Sill ha ido creciendo en parte gracias a las versiones que de sus temas hicieron en los 90 artistas como Shawn Colvin y Warren Zevon pero también a las múltiples rediciones de los sellos Rhino, MSI y Water. Este estupendo doble CD de Rhino contiene sus 2 albumes originales expandidos con 21 bonus tracks que incluyen demos, versiones alternas y temas en vivo. Entre todo ese material hay que destacar el corto pero hermoso recital grabado en Boston en 1971 como telonera de Crosby & Nash donde una Judee Sill inmaculadamente vestida de blanco y acompañada sólo con su guitarra, su piano y su voz suple brillantemente los arreglos originales y se mete al púbico en el bolsillo con su inmensa calidad interpretativa. Sólo lamento que Judee no esté entre nosotros para presenciar la reivindicación de su maravillosa música.
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70's
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Aldoux
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Fecha:
12-Oct-2011
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 Aunque originarios de Worcester (Massachusetts) el estilo de The J. Geils Band tiene mucha similitud con el de bandas sureñas con ellos contemporáneas como Wet Willie o Black Oak Arkansas, bandas que ejecutaban un duro y caliente Boogie Rock infestado de Blues y Rhythm & Blues. The J. Geils Band se forman en 1966 en la citada ciudad de Worcester como trío de Blues acústico integrado por el guitarrista John Geils, el bajista Danny Klein (a.k.a. Dr. Funk) y el armonicista Richard Salwitz (a.k.a. Magic Dick), en 1967 Geils se interesa por la guitarras eléctricas y la banda muta al Rock agregando al ex Disc Jockey y cantante Peter Wolf, el baterista Stephen Jo Bladd y bautizándose como The J. Geils Blues Band. En 1968 aceptan como sexto miembro a uno de sus fans, el organista Seth Justman, pasando a llamarse definitivamente The J. Geils Band y tras un par de años de rodaje firman un contrato para grabar con Atlantic Records. Sus dos primeros albumes The J. Geils Band (1970) y The Morning After (1971) recibieron buenas críticas y a pesar que las ventas no fueron muy alentadoras sirvieron de base para sus excitantes recitales, difundiendo su nombre en las ciudades del noreste de EUA especialmente Detroit donde adquirieron gran popularidad. También supieron ganarse el respeto de sus colegas; en Boston, por ejemplo, impresionaron a los mismos Allman Brothers quienes los invitaron a acompañarlos en los recitales programados para el cierre del Fillmore East en Junio de 1971. Siendo una banda hecha para tocar en vivo The J. Geils Band decidieron mostrarse en su tercer album tal y como eran sobre el escenario; tomado de 2 presentaciones en el Cinderella Ballroom de Detroit el 21-22 de Abril de 1972, "Live" Full House es un fiel compendio de las virtudes de esta agrupación: el sonido es vibrante y compacto y la grabación/producción de Geoffrey Haslam (Velvet Underground, Cactus) recrea perfectamente el ambiente de los recitales (sin overdubs ni retoques) ante un público devoto y entregado. A pesar de ser un guitarrista con buenos recursos John Geils tiene un estilo sobrio que rehúye del solismo en favor del colectivo formando un estupendo tridente con Magic Dick y los teclados de Seth Justman respaldados por la exuberante sección rítmica Klein/Bladd. Peter Wolf tiene un carisma único, determinante para establecer el puente de comunicación entre el público y la banda, amén de una buena voz forjada en el R&B; Magic Dick supone la mayor novedad sónica de JGB gracias a su innovador uso de la armónica convirtiéndose en el primer armonicista en ocupar una posición de solista en el Rock con una línea de influencia que llegaría hasta los años 90 con John Popper de Blues Traveler. El repertorio es corto pero demoledor, basado en clásicos poco conocidos del R&B como la inicial 'First I Look at the Purse' (grabada originalmente por The Contours) en una enérgica y cautivadora versión que se funde casi inmediatemente con 'Homework' de Otis Rush; el más puro y excitante Boogie se hace presente en 'Pack Fair And Square' de Big Walter Price y sobre todo en 'Whammer Jammer' un estupendo instrumental que sirve para que Magic Dick exhiba sus dotes; sin tiempo para tomar respiro la banda ataca directamente con 'Hard Drivin´ Man', el único tema original de la colección donde Wolf demuestra su capacidad para galvanizar al público mientras Seth provee un estupendo piano "stride". A pesar de no ser una banda dada a las jams y exhibiciones solistas, el sexteto se desenvuelve brillantemente en una versión de 'Serves You Right To Suffer' de John Lee Hooker con cortos y precisos solos instrumentales y una tensión que no decrece a lo largo de sus casi 10 minutos demostrando tener la capacidad para barrer del escenario a cualquier banda que se atreviera a retarlos. la bluesística 'Cruisin' For A Love' (de Juke Joint Jimmy, amigo y colaborador de la banda que también compuso 'Whammer Jammer') y el Soul intenso de 'Looking For A Love (de The Valentinos) son el broche de oro apoteósico, enlazadas sin pausa en un final que deja a la gente extasiada y exhausta. Lanzado en Septiembre de 1972 el album sólo llegó al puesto N° 54 de los charts Estadounidenses pero con los años recibió el disco de oro por sus ventas acumuladas y por supuesto ha adquirido un estatus legendario. En lo sucesivo JGB siguió haciendo buenos albumes y en 1981 les llegó el merecido éxito masivo con el album Freeze Fame y el tema 'Centerfold' (aunque a costa de comercializar su estilo), pero son albumes como este Full House por los que el nombre de J. Geils Band será siempre recordado.
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70's
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942
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Aldoux
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Fecha:
15-Jun-2011
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 Les confieso que nunca tragué a estos tipos. Me irritaba su racismo a ultranza, su apoyo a George Wallace (el fascistoide político del sur), su soberbia y la actitud del vocalista y líder Ronnie Van Zandt. Muchos sostienen que aquellos eran sólo clichés para alimentar su imagen de sudistas con fines publicitarios, de hecho en las fotos del disco puede verse a un chico negro en primera fila (a parte que Ronnie, fanático y practicante del boxeo, tenía a Cassius Clay entre sus ídolos), pero si lo que buscaban entonces con todo eso era joderle la paciencia a algunos, al menos conmigo lo lograron. Para aumentar mi antipatía, en 1976 compartieron cartel con Los Rolling Stones en el Festival de Knebworth (Inglaterra) y cuando regresaron a EUA anunciaron con bombos y platillos que habían "barrido a Los Stones del escenario", algo que documentalmente está probado como falso. Pero con los años aprendí a desprenderme de mis prejuicios y a apreciarlos, al fin y al cabo, fueron junto a los Allman Brothers la banda más representativa del Southern Rock, tenían uno de los mejores directos de su época (excitante y demoledor) y contaban con un gran compositor y frontman en Ronnie Van Zandt a pesar de su pinta de camionero patán. La historia comienza en 1965 cuando Ronnie Van Zandt forma con sus amigos Allen Collins y Gary Rossington (ambos guitarristas) una banda denominada The Noble Five en su natal ciudad de Jacksonville (Florida). Ronnie era un chico con una pésima reputación de busca pleitos, fanfarrón y bebedor, incluso se ha dicho que Allen y Gary aceptaron la propuesta de Ronnie no por sus cualidades vocales sino por miedo a una golpiza si se negaban. Sea como sea los tres rodaron por Florida y alrededores durante el resto de los años sesenta con cambios en el nombre y la formación hasta que en 1970 pasan a llamarse Lynyrd Skynyd (variante fonética del nombre de su antiguo profesor de educación fisica en la secundaria, Leonard Skinner) bajo el cual van poco a poco asentando su propio estilo, encontrando un lineup estable y haciéndose un nombre no sólo por su música sino también por las peleas a puñetazo limpio que protagonizaban con todo mundo (a veces entre ellos mismos). En 1972 el legendario Al Kooper atraído por la escena Sureña recorrió algunas zonas en busca de nuevos talentos para su propia productora independiente llamada "Sounds Of The South" y descubrió a Lynyrd Skynyrd en un bar de Atlanta. Horrorizado por su comportamiento pero impresionado por su sonido, Kooper los ficha y les consigue un contrato con MCA Records, debutando en 1973 con el album Pronounced 'Leh-'nérd 'Skin-'nérd. Aunque enraizada en el Country y el Blues, la música de LS se deslindaba de la finura de Allman Brothers para abordar un arrollador Boogie Rock conducido por las guitarras de Rossington & Collins y apoyado por la sólida sección rítmica más el contrapeso del pianista Billy Powell; un tema del album llamado 'Free Bird' se ubicó en el puesto N° 19 y se convirtió en su caballo de batalla en los recitales. En 1974 lanzan Second Helping con su tema más exitoso de todos los tiempos 'Sweet Home Alabama' entrando en el top 10. El tercer album Nuthin' Fancy (1975) cimenta su fama a nivel nacional e internacional pero tras su lanzamiento Al Kooper abandona la producción del sexteto harto de sus borracheras y mal comportamiento en lo estudios. El siguiente Gimme Back My Bullets (1976) representó un descenso creativo a pesar de la producción de Tom Dowd, así que deciden recuperar terreno pocos meses después con un doble en vivo que los presentara tal y como eran en el escenario llamado One More From The Road. Grabado en el Fox Theatre de Atlanta los días 7, 8 y 9 de Julio de 1976, este album fue y sigue siendo uno de los mejores discos en vivo de los 70 y el muestrario definitivo de Lynyrd Skynyrd en su máximo esplendor, con su incendiario sonido sureño cercano al Hard Rock, la flemática voz de Ronnie pasada por el alcohol y los cigarrillos, el estupendo tridente de guitarras formado por Allen Collins, Gary Rossington y el entonces recién incorporado Steve Gaines, el sólido y a la vez melódico estilo del bajista Leon Wilkeson, la contundencia del loco baterista Artimus Pyle (una especie de Keith Moon sudista), el lirismo del pianista Billy Powell y los coros femeninos de The Honkettes (Leslie Hawkins, Cassie Gaines y JoJo Billingsley). Todos sus grandes clásicos están aquí: 'Saturday Night Special', 'Travellin´Man' con su clásica entrada de bajo y estribillo, 'Whiskey Rock-A-Roller', 'The Needle And The Spoon', la melancólica 'Tuesday´s Gone' de aires Gospel (mi tema favorito de LS), la infaltable 'Sweet Home Alabama', sus magníficas versiones de 'Call Me The Breeze' (J.J. Cale), 'T For Texas' (Jimmie Rodgers), 'Crossroads' (del padre del Blues moderno Robert Johnson pero tocada con el arreglo de Cream) y una apoteósica 'Free Bird' de 14 minutos. Lamentablemente la fatalidad se atravesó en la carrera de LS y justo cuando pudieron convertirse en una banda de éxito masivo sobrevino el trágico accidente de aviación en 1977 (apenas 3 días después de la edición del album Street Survivors) que cobró la vida de Ronnie, Steve, su hermana Cassie y uno de los road managers, dejando a los demás con heridas graves y poniendo abrupto punto final a la etapa clásica de la agrupación. La presente Deluxe Edition del sello Universal Group mejora en todo a la versión en vinilo: se limpiaron las cintas matrices para transferirlas adecuadamente al medio digital, se remezclaron los temas para recrear el sonido real de la banda en vivo, se eliminaron los 'overdubs' de guitarra agregados por Tom Down en la producción, los temas se colocaron en el mismo orden que fueron ejecutados en esos conciertos, se restauraron todos los "edits" (partes cortadas) y lo mejor de todo, se añadieron 10 bonus tracks procedentes de las mismas tres noches, tres de los cuales son completamente inéditos. Y de la presentación gráfica ni hablar (digipack con libreto de 24 páginas). Si buscas un sólo disco de Lynyrd Skynyrd para conocerlos este es sin duda el más representativo.
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70's
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893
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Aldoux
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Fecha:
11-Jun-2011
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 The Allman Brothers pasó los 6 meses siguientes al lanzamiento de Eat A Peach en un maratónico tour por Norteamérica que fue una especie de terapia emocional. En el entorno Allman siempre se ha hablado del importante papel que jugó el bajista Berry Oakley en evitar que la banda se desintegrara tras la muerte de Duane, él era el alma de la agrupación y el que más se preocupó por fomentar ese espíritu fraternal que los mantenía unidos, de hecho el calificativo de "Allman Brothers" abarcaba no solo a los hermanos Duane y Greg sino a todo el resto de la banda incluyendo roadies y técnicos. Cuando Duane murió Berry asumió en cierta manera el liderazgo especialmente en los conciertos manteniendo en alto el ánimo de todos con su entusiasmo. La incorporación del pianista Chuck Leavell resultó todo un acierto, su estilo fluido y elegante inyectó nuevas energías y su integración en el contexto musical era perfecta. Con los seis músicos en plena forma y con el mejor de los ánimos The Allman Brothers se instalaron en los nuevos estudios de Capricorn Records en Octubre de 1972 para grabar su primer album con nuevo material desde Idlewild South. Pero cuando apenas habían terminado dos temas la muerte volvió a visitarlos llevándose esta vez a Berry. El y Duane eran grandes amigos y la desaparición de este lo dejó profundamente afectado, en los últimos meses Berry había tenido algunos accidentes menores con su motocicleta pero el 11 de Noviembre de 1972 no tuvo tanta suerte: Oakley colisionó con un camión que venía en sentido contrario sobre la misma curva y salió despedido por los aires golpeándose la cabeza en la caída, sin embargo se levantó, se negó a ir al hospital asegurando sentirse bien y se fue para su casa; pero varias horas después comenzó a quejarse de fuertes dolores de cabeza y mareos, su esposa lo llevó al hospital donde los médicos intentaron operarlo pero ya era tarde y Berry murió de hemorragia cerebral. Si lo de Duane fue trágico este nuevo golpe fue devastador, era como si el destino se hubiese ensañado cruelmente con ellos, mas conscientes del riesgo que suponía el detenerse aunque fuese pocas semanas retomaron inmediatamente las sesiones con el bajista Lamar Williams (viejo amigo de Jaimoe) como sustituto. Completado a finales de Diciembre Brothers And Sisters resultó ser un disco con bastantes diferencias respecto a los anteriores. Greg Allman aparece menos involucrado en el aspecto creativo, en parte quizá por el bajón anímico consecuencia de las tragedias aunque también tuvo algo que ver la preparación de su primer album solista, esto brindó a Dickey Betts la oportunidad de imponer el estilo y el tono del disco; las canciones están cargadas de buenas vibraciones y orientadas hacia el Folk y el Country en contraposición al áspero sonido Blues de los inicios. Y aunque a algunos fans no les guste mucho, Brothers And Sisters resultó una obra crucial que cimentó la popularidad y la leyenda de los Allman. De los siete temas cuatro están firmados por Dickey, sólo dos por Greg y el otro es una versión de un Blues tradicional. Chuck Leavell realiza un estupendo trabajo entrelazándose con la guitarra de Betts, sus solos de piano son limpios, cristalinos y transmiten una sensación relajada que suena casi balsámica para los oídos. Al quedar como único guitarrista Dickey gozó de mayor espacio para exhibir su gran talento y se consolidó como una de las grandes guitarras en su estilo; el tándem percusivo Butch Trucks & Jaimoe brilla como nunca antes al ocupar una posición más prominente en el espectro sonoro no así el bajo carente de robustez y relegado a un segundo plano en la mezcla, a pesar de lo cual podemos apreciar por última vez el hermoso toque melódico de Berry en las dos primeras piezas y el sutil soporte de Williams en las demás. El órgano de Greg suena más solemne que de costumbre pero su voz aporta interesantes matices que sinceramente no le conocíamos. Tres piezas en particular ingresaron a la posteridad: 'Ramblin´ Man' es un tema Country cantado por Dickey que se convirtió en la canción más popular de los Allman con la participación del guitarrista de sesión Les Dudek doblando la parte que le habría correspondido a Duane, especialmente en la sublime coda de esas que se dejan escuchar hasta el infinito. 'Southbound' es lo mejor del disco, todo un derroche de maestría, su estructura abierta y elástica dejaba muchos espacios para los solos, espacios que la banda supo aprovechar sabiamente en los recitales convirtiéndola en uno de sus grandes caballos de batalla; el solo de piano de Chuck es genial, la guitarra de Dickey arrasa los oídos, Butch & Jaimoe vuelan con sus baterías perfectamente acopladas y Greg ofrece una magistral interpretación vocal. La instrumental 'Jessica' es la otra joya del album, similar a 'Southbound' en su estructura de amplios espacios pero más emotiva gracias a su hermosa melodía. El resto del material es también muy bueno, variado e injustamente subestimado, en especial la inicial 'Wasted Words' con un excelente dueto entre Dickey y Chuck y la voz de Greg explorando nuevos territorios. 'Jelly Jelly' (incorrectamente atribuido a Greg) es el único momento de máximo brillo para Allman, un estupendo Blues interpretado con gran elegancia, magníficos solos de Allman & Leavell y un finísimo punteo de Betts al final. 'Come And Go Blues' conjuga todos los elementos del sonido Allman en una pieza que comienza sin grandes pretensiones pero que va ganando tensión emotiva en la medida que avanza. 'Pony Boy' cierra el album conjugando Blues rural con el más puro Boogie Sureño y ofreciendo un divertido break con el dobro de Dickey y el piano de Chuck enfrascados en un duelo. Para Enero de 1973 el album estaba listo sin embargo la banda postergó el lanzamiento y se embarcó en otro mastodóntico tour, fue una buena jugada pues cuando finalmente salió a la venta en Agosto de 1973 el público ya conocía las canciones empujando el disco al N° 1 y 'Ramblin´ Man' al N° 2 a nivel nacional convirtiéndose además en estrellas internacionales (a pesar que entonces sólo tocaron una vez fuera de Norteamérica). Las actuaciones fueron también un rotundo éxito (en Julio se presentaron en el festival de Watkins Glen compartiendo cartel con Grateful Dead y The Band ante una audiencia record de 600,000 personas) pero a pesar de ello Allman Brothers estaban heridos de muerte y el sentimiento de hermandad que los unía se fue diluyendo; Greg lanzó su primer album solista (Laid Back) seguido por un tour que quedó plasmado en el disco The Greg Allman Tour (1974), Dickey Betts también hizo lo propio en 1974 con su album Highway Call mientras que Chuck Leavell, Jaimoe & Lamar Williams empezaron a tocar juntos (como teloneros de los propios Allman) bajo el nombre de Sea Level. Quizá Brothers And Sisters no sea una obra maestra pero sí es un album lleno de vitalidad que aumenta en kilates con cada nueva audición. Edición remasterizada en 1997.
Categoría:
70's
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865
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
02-Jun-2011
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 Aunque no tengo los números que lo corroboren Allman Brothers debe ser junto a Grateful Dead la banda que más escenarios ha pateado a lo largo de su carrera. Para los Allman las giras no eran un compromiso promocional sino un estilo de vida, su séquito incluia no sólo a roadies y técnicos sino también esposas, novias, hijos y amigos, una comuna itinerante que recorría Norteamérica de costa a costa haciendo más llevadero y divertido lo que para otros artistas era un suplicio, y ese ha sido sin duda el secreto para aguantar tantas décadas en la carretera. Bajo estas circunstancias era obvio que Allman Brothers grabaran su material durante las giras, y fue así como en Septiembre de 1971 la banda se instaló unos días en los Criteria Studios de Florida para preparar su siguiente album. Siempre dispuestos a mostrar otras facetas de su estilo, las nuevas canciones reflejaban el lado más lírico y relajado de su música, explorando sus raíces Folk y Country en piezas cargadas de guitarras acústicas pero sin perder la esencia del sonido Allman. En Octubre se tomaron unos días de merecido descanso en Macon pero el 29 de ese mismo mes su suerte cambaría abruptamente con el accidente que le costó la vida a Duane. Fue un durísimo golpe para la "familia" Allman y para el mundo de la música, pues a diferencia de gente como Janis Joplin y Jim Morrison que trazaron desde el principio el camino de su autodestrucción Duane Allman se fue (al igual que Jimi Hendrix) justo cuando todo un mundo de nuevas posibilidades se abría ante él. Duane fue enterrado pocos días después en el cementerio de Macon (Georgia), a su funeral acudieron 300 personas, los Allman junto al armonicista Thom Deucette dieron un corto recital justo frente al féretro colocando el estuche de su guitarra Gibson Les Paul en el lugar donde este solía pararse; Dr. John y Bobby Caldwell se les unieron en uno de los temas mientras amigos como Aretha Franklin, Delaney & Bonnie, Boz Scaggs y Greg Allman le dijeron adiós con una canción cada uno. Aunque devastados la banda regresó inmediatamente a las actuaciones, sin embargo no volvieron al estudio hasta Enero de 1972 para terminar el album. Este se lanzó en Febrero de 1972 bajo el título Eat A Peach (a sugerencia del propio Duane), un doble LP que combinaba las sesiones de Florida con parte del material que no pudo incluirse en el anterior At Fillmore East. Los seis temas grabados en estudio pudieron haber parecido decepcionantes comparados con el abrasivo sonido Blues de los 2 primeros discos, no obstante demuestran como la enorme versatilidad de los Allman no se limita al plano instrumental. La agria melancolía de 'Ain´t Wastin´ Time No More' es toda una declaración de principios donde Greg canta sobre recoger los pedazos y seguir adelante a pesar del dolor, mientras Dickey dá su personal tributo tocando una estupenda slide al mejor estilo de Duane. El largo instrumental 'Les Brers in A Minor' nació en una de las tantas jams que la banda solía tocar y es deudora de la admiración de los Allman por John Coltrane, el espíritu del tema es puramente Coltraniano con la introducción de una majestuosidad casi espiritual y un desarrollo que rebosa sensualidad; Berry conduce magistralmente el ritmo con su bajo pero tristemente la ausencia de Duane se nota en el break a pesar del excelente solo de Betts. 'Melissa' es una hermosa balada Folk Rock con una buena interpretación de Greg a la voz, el piano y la guitarra acústica mientras Dickey pone estupendos acentos con la guitarra eléctrica. 'Stand Back' tiene un andar serpentino y lujurioso ligeramente Funk sobre el cual toda la banda dá lo mejor de sí especialmente Duane con su alucinante dominio de la slide. 'Blue Sky' fue el primer tema Allman en meterse en las listas de éxitos (aunque falló el top 10), una pieza de aires Country compuesta y cantada por Dickey donde este y Duane ofrecen otra de sus magistrales interpretaciones a doble guitarra sea alternándose o punteando al unísono. 'Little Martha' es de una delicadeza casi barroca, un dueto entre Duane y Dickey a las guitarras acústicas muy bien logrado pero que deja en el aire un halo de tristeza siendo la despedida de Duane en los discos de su querida banda. 'Mountain Jam' es una larguísima jam (valga la redundancia) construida a partir de la melodía de 'There Is a Mountain' de Donovan; conscientes de haber grabado algo único e irrepetible los Allman lucharon para incluirla en At Fillmore East pero su duración (cerca de 34 minutos) hizo inviable el deseo. En mi opinión este es el tema más representativo del enorme poder instrumental y creativo de Allman Brothers, además de la mejor jam jamás grabada por una banda de Rock. Tras una bellísima introducción de la melodía a cargo de las guitarras la pieza vá tomando altura y se lanza en vuelo en un maravilloso viaje sónico, un increíble paisaje musical conducido por los 6 músicos: Duane y Dickey descargan una auténtica sinfonía de guitarras cediéndose el paso mutuamente, cruzándose y uniéndose de manera constante, Jaimoe y Butch tejen una compleja trama percusiva y se enfrascan en un solo de doble batería que es lo más compacto que jamás haya yo escuchado en materia de percusión. Berry suelta un solo de bajo muy melódico pero donde más brilla es en el entramado de Dickey y Duane insertándose casi como una tercera guitarra mientras Greg mantiene el hilo conductor con su órgano a lo largo de toda la pieza. Los otros temas en vivo son una vibrante 'Don´t Keep Me Wonderin' y la versión de 'One Way Out' de Elmore James grabada también en el Fillmore pero 3 meses después (Junio de 1971), sin embargo yo prefiero escuchar estas 3 piezas en el contexto de The Fillmore Concerts integradas al resto del repertorio. Eat A Peach se vendió muy bien impulsado quizá por el morbo colectivo que sucede a la muerte de algún artista de gran talla, sin embargo esto no quita que se trate de uno de los más grandes clásicos en la discografía de los Allman. Tras su lanzamiento los Allman volvieron a las giras y poco después se ampliaron nuevamente con la entrada del pianista Chuck Leavell. Existe una Deluxe Edition del sello Universal con parte del recital de Junio 1971 antes mencionado, sin embargo este remaster convencional es bastante bueno. Por cierto que las ediciones en CD cambian radicalmente el orden de los temas aunque para mejor pues en el LP original 'Mountain Jam' estaba repartida entre las caras 2 y 4 lo que a mi juicio rompía con el frenesí de una obra maestra que hay que escuchar de un sólo tirón.
Categoría:
70's
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Vistas:
835
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
31-May-2011
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 Raras veces en la historia del Rock un artista ha logrado la consagración comercial y musical con un disco en vivo y esta fue una de las pocas y más gloriosas excepciones. Los 2 primeros albumes de Allman Brothers fueron una excelente muestra de su talento y calidad, pero los Allman eran una banda nacida para los escenarios y estaban convencidos que sus recitales eran la mejor tarjeta de presentación para conquistar al público Norteamericano. Por esa razón el tercer disco de Allman Brothers fue un album en vivo, su mejor disco y uno de los 4 o 5 mejores directos de la historia. Grabado en el célebre Fillmore East de Nueva York los días 12-13 de Marzo de 1971, At Fillmore East es testimonio del ilimitado potencial de ABB en su ambiente natural. Allman Brothers eran en esencia una banda de Blues y su origen sureño añadía al cocktail elementos Folk y Country, pero además ellos eran grandes fanáticos del Jazz (admiraban a Miles Davis y John Coltrane especialmente) y en virtud de ello desarrollaron un profundo sentido por la improvisación haciendo de sus interpretaciones un completo tour-de-force instrumental, pero a diferencia de bandas como por ejemplo Cream, las jams de los Allman no eran ejercicios gratuitos de virtuosismo o exhibicionismo. Obviamente los solistas tenían sus momentos de brillo (sobre todo Duane y Dickey) pero siempre dentro de un espíritu colectivo, el aporte de cada músico era indispensable para crear esa atmósfera mágica que no sólo deslumbraba al público sino que lo integraba a ella manteníendolos pendientes del más mínimo detalle, no en vano ABB son una de las pocas bandas (y no sólo del Rock) que pueden darse el lujo de improvisar durante 40 minutos seguidos sin espacio para el tedio o el aburrimiento. Nuevamente fue Tom Dowd el productor realizando un estupendo trabajo; no la tuvo fácil pues se trataba de sintetizar en 2 LPs el repertorio de una banda cuyos recitales no bajaban de las 2 horas y media con jams de hasta 35 minutos, y si bien tuvo que editar (recortar) algunas piezas el resultado no minimiza la magia, fuerza e inventiva de los Allman. Estos atributos se ponen de manifiesto en el mismo tema de apertura, una versión de 'Statesboro Blues' de Blind Willie McTell donde Duane exhibe su impresionante estilo a la silde; ningún guitarrista en la historia del Blues y el Rock ha tocado la slide con tanta versatilidad y musicalidad, ni siquiera sus más venerados maestros negros... aunque Dickey tampoco se queda atrás con su solo potente y soulful a la vez. El prodigio se repite en una nueva cover, esta vez 'Done Somebody Wrong' de Elmore James con estupendos solos del invitado Thom Deucette (armónica), Dickey y Duane. La magnífica versión de 'Stormy Monday' de T-Bone Walker rezuma otra clase de intensidad, un mágico momento de calma y melancolía en el que toda la banda brilla por igual: la estupenda vocalización de Greg, el largo break instrumental con solos de Dickey, Greg (sobre un cambio de ritmo Jazzístico), Duane y Thom Deucette (su intervención había sido editada del album original pero recuperada para la ocasión). Todo el buen hacer de los Allman está plasmado en la siguiente pieza, una jam de casi 20 minutos construida alrededor de 'You Don´t Love Me', compuesta por Willie Cobbs, popularizada por el guitarrista de Blues Junior Wells y posteriormente versionada por medio mundo; otra vez Allman Brothers la extienden con estupendos solos de guitarra, órgano, armónica y cambios de ritmo junto al impecable soporte de Berry Oakley, Jaimoe y Butch Trucks. 'Hot ´Lanta' es una corta jam que se desarrolla a un ritmo trepidante dando tregua sólo en los segundos finales. El broche de oro lo ponen los dos temas más populares y esperados de este y todos sus recitales: 'In Memory Of Elizabeth Reed' y 'Whippin´ Post'. La primera es muy similar a la original de Idlewild South pero a partir del cambio de ritmo a la mitad la tensión se dispara con abrasivos intercambios instrumentales que alcanzan cotas de máxima excelencia, en especial Duane quien finaliza su solo con un pull-off (técnica que consiste en pasar de un nota alta a otra baja tirando de la cuerda con el dedo en lugar de pulsarla logrando un efecto percusivo) que te hace preguntarte cómo es posible que exista un ser humano capaz de tocar así. 'Whippin´ Post' arranca con la célebre intro a cargo de Berry Oakley y poco a poco se desprende de su desarrollo original para sumergirse en un viaje sonoro de casi 23 minutos donde los músicos llevan sus capacidades hasta el límite tanto en lo individual como en lo colectivo. Una mención especial merece para mí la labor de Butch Trucks y Jaimoe: el primero toca con gran soltura en un estilo más convencional mientras el segundo lo complementa con un respaldo sutil casi Jazzístico logrando confluir ambos un tapete percusivo multicolor y tan perfectamente sincronizado que parece sobrenatural. El album se lanzó en Julio de 1971 llegando al N° 13 de Billboard, por desgracia la alegría y los buenos auspicios de este éxito se nublaron con la muerte de Duane Allman el 29 de Octubre de 1971 en Macon durante una pausa para descansar de las sesiones de grabación del siguiente album; Duane se estrelló contra un camión irónicamente tratando de maniobrar su Harley-Davidson para evitar chocar con aquel, fue llevado al hospital más cercano y operado pero murió varias horas después a pocas semanas de su vigésimo quinto cumpleaños. Con los años At Fillmore East ha adquirido un estatus de leyenda tan grande como el de la propia banda y se convirtió en el libro de texto para todas las jam-bands surgidas desde entonces, su importancia es tal que en 2004 fue seleccionado para su inclusión en el registro nacional de grabaciones de la librería del Congreso de los Estados Unidos. Para conmemorar los 20 años de su lanzamiento en 1992 salió este doble CD The Fillmore Concerts integrado por el album original con los temas restaurados a su duración real, tres temas de los mismos recitales que sólo se incluyeron en el siguiente Eat A Peach ('Mountain Jam', 'One Way Out' y 'Trouble No More'), 'Drunken Hearted Boy' (tocada en el bis del recital del 13 de Marzo acompañados por Elvin Bishop a la voz solista y Steve Miller al piano) proveniente de la caja Dreams y una magnífica versión de 'Don't Keep Me Wonderin´' nunca antes disponible. Existe también una Deluxe Edition del sello Universal que agrega al material anterior una interpretación inédita de 'Midnight Rider' y mejor sonido (dicen) aunque con la versión de 'Stormy Monday' recortada del album original. Uno de esos clásicos que todo aficionado al Rock clásico debe tener.
Categoría:
70's
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Vistas:
1326
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
26-May-2011
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 The Allman Brothers Band es indiscutiblemente una de las agrupaciones más legendarias, importantes e influyentes no sólo de la música Norteamericana sino del Rock en general. Tradicionalmente endosados con el apelativo de "abanderados del Rock sureño" su trascendencia va mucho más allá. En mi opinión el Southern Rock no corresponde a una tendencia propiamente dicha sino a una manera de catalogar a las bandas y artistas surgidos en esa vasta zona ubicada por debajo del curso del río Mississippi y que se extiende por el este hasta el Estado de Florida. Siendo los sureños un pueblo con una idiosincrasia y un bagaje cultural muy particulares resulta obvio que su música posea claras señas de identidad (el arraigo a las raíces puras del Blues y el Country), no obstante en cuanto al Rock se refiere no existe un auténtico "sonido del sur" que los identifique. Dicho esto podemos asegurar que Allman Brothers "inventaron" el Southern Rock, no como una fórmula musical pero su éxito le abrió las puertas a cientos de bandas de esos lares y le dió proyección mundial al Rock que se practicaba en lugares hasta entonces remotos para el público mayoritario como Texas, Georgia o Alabama. El suceso de los Allman fue también determinante en la difusión del Blues entre el público blanco y en ese aspecto su peso histórico resulta tan valioso como el de Paul Butterfield, Mike Bloomfield, John Mayall, The Animals o Los Stones. Pero ya en el plano estrictamente musical Allman Brothers jugaron un papel de primer orden en la consolidación de Rock como corriente artísticamente válida: la fuente primaria de su música era el Blues pero la diversidad estilítica de sus miembros, su sólida experticia instrumental y exquisito gusto por la improvisación hizo de las largas jams en sus recitales su característica más resaltante, derribando el mito sobre la incompetencia instrumental de los músicos de Rock, y que además los convirtió en padres espirituales de todas las jam-bands surgidas a partir de los años 90 (Blues Traveller, Gov't Mule, Widespread Panic, Moe, Phish y un larguísimo etcétera). Los hermanos Greg y Duane Allman (órgano y guitarra respectivamente) crecieron en Daytona Beach (Florida) y comenzaron muy jóvenes a tocar juntos como The Escorts (combo Garage de adolescentes), posteriormente mutaron a The Allman Joys y finalmente formaron The Hourglass. Con este nombre se mudaron a Los Angeles y firmaron contrato con Liberty Records que dió como frutos 2 olvidables albumes de orientación pseudo-psicodélica. Luego que Liberty se negara a grabarles un tercer LP Duane decide volver a Florida pero en el camino pasa por estudios Muscle Shoals en Alabama fundado por 4 músicos de los Fame Studios (Barry Beckett, Roger Hawkins, Jimmy Johnson y David Hood); impresionados con su estilo lo contratan como guitarrista de sesiones participando en grabaciones de Aretha Franklin, Wilson Pickett, John Hammond Jr. y Percy Sledge entre otros y forjándose una respetable reputación. Cansado del trabajo como session-man Duane regresa a Florida y se establece en la ciudad de Jacksonville donde existe una efervescente escena musical. Una noche coincidió en un conocido local con varios músicos: el guitarrista Richard "Dickey" Betts y el bajista Berry Oakley militaban en The Second Coming, Butch Trucks tocaba la batería en The 31st Of February mientras que Jai Johanny Johanson (conocido como Jaimoe) era un baterista amigo de Duane con experiencia en el Jazz y el Soul. Alguien sugirió que tocaran juntos y los 5 se enfrascaron en una maratónica jam de casi 4 horas, la química entre ellos era tan increíble que decidieron inmediatamente formar una banda que se completaría cuando Duane convenció a su hermano Greg a volver de L.A. y sumarse como organista y cantante. Durante su estancia en Alabama Duane se hizo amigo de Phil Walden (ex-manager de Otis Redding), Walden estaba formando su propio sello discográfico independiente llamado Capricorn Records con sede en Macon (Georgia) y The Allman Brothers Band fueron su primer fichaje. Su primer album homónimo salió a la venta a finales de 1969 y pesar de algunas deficiencias con la producción y las bajas ventas fuera de los Estados del Sur causó muy buena impresión. Un año después lanzan Idlewild South, su segundo album caracterizado por una mejor producción y un sonido más limpio. A diferencia de otras bandas ABB disfrutaban saliendo de gira y las estupendas jams que tocaban (que jamás caían en el vacío a pesar de llegar hasta los 40 minutos) difundieron su nombre a lo largo y ancho de Norteamérica. La magia de sus conciertos quedó plasmada en At Fillmore East (1971) considerado uno de los mejores albumes en vivo de la historia. Poco después que el album fuera certificado como disco de oro sobrevino la primera tragedia para la banda: Duane Allman murió en Octubre de 1971 al estrellar su motocicleta contra la parte delantera de un camión dejando un enorme vacío entre sus compañeros y privando al mundo de uno de los más excepcionales guitarristas de su tiempo. Con el dolor aún fresco el resto de los Allman juntó en el doble album Eat A Peach (1972) las últimas grabaciones que hicieron con Duane y 3 temas rescatados de los recitales en el Fillmore East. A pesar de la decisión de no remplazar a Duane la banda igualmente se amplió con el pianista Chuck Leavell y comenzaron a trabajar en su siguiente album pero en Noviembre de 1972 ocurrió una nueva tragedia: Berry Oakley falleció también en un accidente de moticicleta a sólo 3 cuadras del lugar donde un año antes murió Duane; ante este nuevo golpe trajeron a un nuevo bajista (Lamar Williams) y culminaron su quinto album lanzado en Agosto de 1973 con el título de Brothers And Sisters, a la postre uno de sus más exitosos trabajos. El impacto por las tragedias y la creciente tensión entre Greg y Dickey por la dirección musical a seguir hizo que Allman Brothers se desmoronaran hasta su disolución en 1976. En 1979 volvieron a la carga con una remozada formación que duró hasta 1982 (en 1983 murió también Lamar Williams alargando la cadena de fatalidades) tras el cual Allman Brothers cayó en un largo silencio roto en 1990 con el album Seven Turns. Pero en esta oportunidad la agrupación logró renacer con éxito de sus cenizas inaugurando el segundo período más esplendoroso de su carrera que aún perdura en el 2011 a pesar de nuevos cambios en el lineup que supusieron la salida de Dickey Betts en 2002. Como tributo a su brillante trayectoria en los próximos posts haré un repaso a su etapa de oro 1969-1973, así como un vistazo a sus recitales en los 90 y una pequeña antología dedicada a otros artistas emblemáticos del Rock Sureño.
Categoría:
70's
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Vistas:
884
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
17-May-2011
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Definitivamente que alcanzar la cima artística con un album como Thick As A Brick supuso una especie de espada de Damocles para Jethro Tull, pues por sobre la aclamación unánime de la prensa y el público pendía la gran responsabilidad de mantener convincentemente el nivel alcanzado. Fuese cual fuese el resultado, el siguiente trabajo de Jethro Tull iba a ser cuidadosamente escrutado en busca del más mínimo error que permitiera tumbar a los nuevos ídolos de su pedestal (una actitud muy común de la prensa musical Británica, por cierto). Y eso fue exactamente lo que ocurrió con A Passion Play, el más polémico, criticado y subestimado de sus albumes. Ya su gestación había sido accidentada: a comienzos de 1973 la banda se instaló en el Chateau d'Herouville, célebre estudio de grabaciones acondicionado en un viejo castillo medieval Francés, sin embargo diversos problemas técnicos con los equipos disponibles, la nostalgia y la comida (por la que supuestamente Barrie y Martin enfermaron) hizo que los cinco músicos retornaran a Inglaterra y el proyecto inicial fuera descartado (Anderson bautizó irónicamente las cintas resultantes como "The Chateau d'isaster Tapes" y finalmente se incluyeron en el album de rarezas Nightcap de 1993 con nuevos overdubs de flauta). Con sólo 7 semanas para terminar el disco Ian rescribió la idea original concibiendo otra larga pieza conceptual pero muy diferente a su antecesora en Thick As A Brick. En primer lugar aquí sí se cuenta una historia, o más bien se desarrolla una trama pues A Passion Play tiene un desarrollo muy teatral; si bien el album consta de una única y larga pieza, la misma se divide en 16 secciones independientes pero unidas por la trama argumental a manera de suite; y por último la música se encuadra perfectamente en el sonido progresivo Inglés de su tiempo, con atmósferas grandilocuentes, los riffs de Martin Barre reservados para otra ocasión y mayor presencia de los teclados (John Evan utiliza por primera vez el sintetizador en un album de JT); si hay un disco de Jethro que podría etiquetarse como Rock sinfónico, es este sin duda. El resultado es un album complejo, difícil de escuchar y asimilar por lo denso de la historia, la poca variedad de matices y el tono oscuro que lo caracteriza pero con un nivel brillante, me atrevería a decir que en A Passion Play Jethro Tull alcanzaron su máximo punto de esplendor como instrumentistas. La suite tiene partes realmente muy buenas, especialmente en los breaks instrumentales donde Ian Anderson se vuelca sobre los saxos (en detrimento de su habitual flauta transversa) logrando pasajes marcados por la improvisación Jazzística, además de fragmentos acústicos envueltos en un hermoso y delicado clasisismo. El album cuenta la historia de Ronnie Pilgrim, un hombre común que muere y presencia su propio funeral, posteriormente es conducido por un Angel hacia el cielo, luego al purgatorio y finalmente al infierno donde es juzgado por sus pecados; concluyendo que nuestro héroe no es tan bueno para ir al cielo ni tan malo para el infierno se le dá el privilegio de elegir su destino y éste prefiere volver a su vida terrenal. La historia ha tenido múltiples interpretaciones, algunos vén una reinterpretación bastante mundana de la pasión de Cristo (en el argot del teatro Inglés, el término A Passion Play se aplica a cualquier representación de la pasión y muerte de Jesucristo) mientras que otros han apuntado hacia una versión libre de la Divina Comedia de Dante Alighieri. A mitad de la obra y a manera de interludio se inserta una narración musical titulada 'The Story Of The Hare Who Lost His Spectacles' a cargo de John Evan, una especie de cuento a lo Lewis Carroll que habría hecho las delicias de Peter Gabriel durante su estancia en Genesis... a propósito de esto, no son pocos los que señalan curiosas coincidencias entre A Passion Play y The Lamb Lies Down On Broadway. Lanzado a la venta en Verano de 1973, el album fue todo un éxito en EUA (N° 1) pero un fracaso en Inglaterra debido a la virulenta reseña de Chris Welch, el respetado crítico musical de la revista Melody Maker. En una entrevista que le hicieron en España tras la actuación Barcelonesa de Jethro Tull en 1976, Ian Anderson contó el incidente: antes de dedicarse al periodismo Chris Welch fue baterista, incluso militó en The Attack junto a Davy O'List, pues bien, ya como crítico de gran credibilidad tomó la costumbre de aparecerse en las sesiones de grabación de sus entrevistados y pedir que lo dejaran tocar, pero como Jethro Tull no se lo permitió el hombre atacó duramente el disco sin tan siquiera oírlo; su prestigio era tal que la reseña condicionó la opinión general de la prensa Británica e influyó en la mismísima Rolling Stone en EUA. Sea como sea A Passion Play dividió a los fans de la banda y suele ser considerado como un paso en falso en la discografía de los Tull aunque los más acérrimos la perciben como una infravalorada obra maestra; en lo personal pienso que se trata de una parte de la historia de Jethro Tull que no se puede obviar y que merece ser revaluada con un mínimo de objetividad. A pesar de todo la gira de presentación fue todo un suceso con llenos impresionantes en todas las ciudades visitadas; para la ocasión la banda ejecutó una versión ampliada del album con las 16 secciones divididas en 4 actos (Ronnie Pilgrim's Funeral, The Memory Bank, The Business Office Of G. Oddie & Son y Magus Perdé's Drawing Room) y muchos elementos teatrales (para el interludio de The Hare se proyectó un video con la historia representada por los miembros de la banda y algunos actores). La presente edición remasterizada incluye un detallado libreto y una pista multimedia con el video antes mencionado junto a una reproducción del programa que se distribuyó a los asistentes en los recitales Británicos. Si bien la lista de las 16 partes que componen la suite no se citan en las ediciones convencionales del album (sólo se incluyó en las primeras copias promocionales para las radios) no es difícil encontrarlas en la red; en base a una de ellas hice mi propio Cue Sheet y dividí la suite en piezas individuales para hacer más sencilla su escucha. Quizá no sea el mejor de sus albumes pero como apuntaba antes es un momento importante en la carrera de Jethro Tull que no puede ser pasado alegremente por alto.
Categoría:
70's
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Vistas:
1195
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
12-Abr-2011
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