Durante el período clásico del Rock (60 y 70) hubo decenas y decenas de bandas y artistas que vivieron a la sombra de las estrellas consagradas, no en cuanto a calidad pero sí en lo referente a éxito comercial y reconocimiento. Si bien este fenómeno no era exclusivo de ninguna tendencia musical o período histórico en particular, el mundo del Rock fue sin duda uno de los más grandes reservorios de tales artistas llamados "de culto” amados por una "gran minoría” de incondicionales. Man fue una de esas bandas. Procedentes del País de Gales, se formaron de las cenizas de The Bystanders, un combo de adolescentes Galeses influenciados por The Beatles. En 1968 pasan a llamarse Man y graban ese mismo año su primer disco Revelation con Pye Records. Causaron una pequeña conmoción con el tema ‘Erotica’, lanzado en single y censurado por la BBC al incluir la simulación de un orgasmo femenino en sustitución de la parte vocal, pero al margen de ese detalle su impacto se diluyó rápidamente. Al año siguiente lanzan el album 2 Ozs Of Plastic With A Hole In The Middle en el que perfilan lo que sería su característico estilo: Rock de estampa puramente Británica (heredero del Blues y la Psicodelia) con elementos de la Costa Oeste Americana que los llevó a ser comparados con Quicksilver Messenger Service. En 1970 pasan al sello United Artists donde se asientan defintivamente y producen lo mejor de su discografía, albumes que vendieron modestamente pero musicalmente brillantes que les ganó un buen número de fieles seguidores especialmente en Alemania, convirtiéndose además en una de las bandas favoritas en la edad de oro de los festivales al aire libre gracias a su gran habilidad instrumental. Su formación fue inestable y cambiante, y a mi juicio esa fue la causa principal de que no tuviesen un éxito mayor; Man debe detentar el record mundial de cambios de personal, una larga serie remplazos, despidos y re-admisiones capaz de producir dolores de cabeza al cronista más paciente. No obstante los nombres de Micky Jones, Deke Leonard (ambos guitarristas y cantantes), Martin Ace (bajo) , Clive John (teclado) y Terry Williams (batería) han sido prácticamente sinónimos de Man a lo largo de su historia (Jones fue la única constante en todas las encarnaciones de Man hasta su muerte en Marzo pasado). El presente recopilatorio Perfect Timing fue editado en 1991 por EMI sólo en Gran Bretaña y está fuera de catálogo desde hace años. Contiene 12 temas extraídos de los 7 albumes que Man hizo con United Artists entre 1970 y 1975 (Man, Do You Like It Here Now?, Be Good To Yourself, Back Into The Future, Rhinos Winos & Lunatics, Slow Motion y Maximum Darkness, este último en vivo con el ex Quicksilver John Cipollina como guitarrista invitado) y que condensan lo mejor de su música, temas directos, sin pretensiones pero que frecuentemente se alargan en jams instrumentales de aires progresivos. Sus recitales no eran menos excitantes extendiendo los temas hasta el infinito demostrando la excelente madera musical de la que estaban hechos. Un disco relativamente corto pero que constituye una excelente tarjeta de presentación de estos estupendos Galeses, con buen sonido y un muy bien condensado libreto con texto de Deke Leonard. Y si alguno se anima a explorarlos más a fondo podrá encontrar en el mercado toda su discografía clásica recientemente remasterizada.
Categoría:
70's
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Vistas:
985
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
12-Jun-2010
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Editado a mediados de 1971, Broken Barricades fue la obra crucial de Procol Harum. Por un lado demuestra que el camino iniciado con el anterior album Home fue musicalmente el más acertado, al llenar el vacío dejado tras la partida de Matthew Fisher reduciendo el protagonismo de los teclados y dándole más peso a la guitarra de Robin Trower; el resultado se evidenció en un sonido más directo y áspero que contrastaba sugestivamente con las composiciones de Gary Brooker y Keith Reid. Pero paradójicamente la mayor presencia de Trower (quien a su vez co-escribe tres de las piezas) le dió la seguridad para decidirse a dejar Procol Harum e iniciar una carrera solista con la cual desplegar toda la extensión de su talento. Por tanto Broken Barricades es la confirmación del esplendor creativo de Procol Harum y a la vez el cierre de una era. De los ocho temas que componen el disco, cinco figuran entre los más sólidos de su producción: ‘Simple Sister’ irrumpe con un potente riff al cual se le ván añadiendo los demás hasta alcanzar un crescendo orquestal casi Spectoriano. ‘Memorial Drive’ es magistralmente conducida por la guitarra que sorpresivamente cede el protagonismo en el break central para un breve solo de piano por parte de Gary. ‘Power Failure’ es el simpático tributo a uno de los momentos de mayor tensión en los recitales de entonces cuando fallaba el fluido eléctrico y el baterista se encargaba de salvar la noche con un sólo de batería, aquí brillantemente ejecutado por BJ Wilson, corto pero preciso. ‘Playmouth Of The Mouth’ es reminescente del tema ‘Wishing Well’ del segundo album pero con una estructura más dinámica realzada por la sección de vientos y la incisiva guitarra de Robin. ‘Poor Mohammed’ cierra el disco con broche de oro y es una muestra del material que Trower desarrollaría posteriormente como solista. Sin embargo es en las piezas más lentas donde (al menos para mí) la música de Procol Harum roza el cielo: la elegíaca ‘Broken Barricades’ rezuma otro tipo de intensidad más sublime gracias a las hermosas figuras que Chris Copping traza con el sintetizador y que no se rompe a pesar del break de la batería de BJ al final. La letra es una muestra de la evolución de Keith Reid hacia una mayor sofisticación al utilizar imágenes interpretadas desde diversas ópticas. ‘Luskus Delph’ es de una rara e indescriptible belleza gracias al texto de Keith lleno de metáforas eróticas sobre una hermosa melodía nuevamente realzada por el sintetizador de Chris y una delicada sección orquestal. ‘Song For A Dreamer’ es la guinda del pastel: sin duda el más emotivo, más sentido y mejor logrado tributo a la memoria de Jimi Hendrix, gran amigo de la banda y la máxima influencia de Trower. El tema se basa en una melodía que Robin había escrito sin pensar precisamente en Jimi; cuando Keith la escuchó le presentó a Robin una letra que había escrito y que sin quererlo sonaba como una despedida del mundo terrenal ("Nos encontraremos de nuevo en el fondo del mar/nos esconderemos dentro del océano y de la intriga/nuestro amigo Arabe nos guiará mientras soñamos/nos encontraremos de nuevo en el fondo del mar”). Robin arregló la pieza con 2 pistas de guitarra dialogando entre ellas y diversos efectos sonoros y vocales dotándola de un maravilloso halo místico, etéreo y profundamente Hendrixiano. Poco depués de su lanzamiento Trower anunciaría su partida y PH se restructurarían con nuevo guitarrista (Dave Ball) y nuevo bajista (Alan Cartwright) dejando a Chris Copping fijo como organista. De esta manera PH volvería a la raíces de su sonido dejando a esta indiscutible obra maestra como un punto y aparte de su brillante discografía.
Categoría:
70's
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Vistas:
1293
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
04-May-2010
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Al igual que otros artistas negros de su generación Marvin Gaye poseía a finales de los 60 una auténtica fórmula ganadora: excelente voz, calidad interpretativa, reputación (buena y mala), carisma escénico y personal que atraía por igual a hombres o mujeres de todas las razas y edades, y por supuesto el respaldo artístico de una de las mejores "fábricas” de hacer música (en el mejor sentido del término) como lo era Tamla Motown, dirigida por Berry Gordy Jr. quien de paso era su cuñado (Marvin estaba casado entonces con Anna Gordy). Sin embargo un hombre con su sensibilidad artística estaba hecho para alcanzar cotas aún más altas, para inscribir su nombre en la historia de la música, y esto Marvin Gaye lo logró cuando a mediados de 1971 lanzó el disco que a la postre se conviritió en el "clásico” del Soul y en una de las mejores obras de todos los tiempos: What´s Going On. No obstante este disco fue el resultado de una serie de acontecimientos extra musicales que llevaron a Marvin Gaye a cambiar su percepción de sí mismo (como artista y como persona) y del mundo que lo rodeaba. Para empezar Marvin era una persona compleja y atormentada marcada por la nefasta influencia de su severo padre. Llevaba un estilo de vida superficial y hedonista gracias a los excesos de la fama (alcohol, drogas) y sus aires de playboy. A pesar de su prestigio no era realmente un gran vendedor de discos; sus mayores éxitos comerciales los obtuvo en duetos con cantantes femeninas, en especial con la maravillosa y siempre recordada Tammy Terrell, una dupla ciertamente estupenda pero en la que su capacidad de expresión estaba diluída en un 50%. La muerte de Tammy en 1970 por un tumor cerebral lo afectó profundamente y anunció su retiro de la música para dedicarse a jugar Football Americano con los Detroit Lions (!), sueño que nunca llegó a concretar. Durante ese tiempo, las cartas que recibía de su hermano Frankie desde Vietnam contándole los horrores de la guerra y los cambios en la sociedad negra Norteamericana que evolucionaba hacia un papel más protagónico y activo despertaron su conciencia humana y social hacia una variedad de temas (la dura vida en los barrios negros, la niñez abandonada, la delincuencia, la corrupción política, las drogas, la guerra) y lo condujeron a un nuevo estado de madurez espiritual reflejado en un soberbio ciclo de canciones (co-escritas con otros autores) que tocaban todos los puntos antes citados. Temática aparte, el disco es de una gran brillantez, con The Funk Brothers (la banda de grabaciones de la Motown) al tope de su capacidad, la sección de cuerdas y metales de la Orquesta Sinfónica de Detroit y numerosas ayudas vocales, Marvin Gaye deja el alma en piezas destinadas a la posteridad como ‘What´s Going On’, ‘What´s Happening Brother’, ‘Flying High’, ‘God Is Love’ o ‘Inner City Blues’. El sonido es de una gran sofisticación pero sin perder calidez ni vitalidad merced de un soberbio tapete rítmico de matriz Jazzística. Obviamente una obra rompedora como esta no fue precisamente bien recibida por Motown, aferrados aún al estereotipo de Marvin Gaye como artista de singles, incluso la primera vez que Berry Gordy escuchó el tema homónimo dijo que era la cosa más horrible que había oído en su vida; afortunadamente la calurosa recepción del público y las unánimes críticas de la prensa (Rolling Stone lo declaró album del año en 1971) empujaron el disco hacia lo más alto de los charts convirtiéndolo en su disco más vendido y en una auténtica obra maestra no solo del Soul sino de la música Pop en general. El disco fue grabado y mezclado en los United Sound Studios de Detroit, sin embargo durante una sucesiva estadía en Los Angeles para filmar una película Marvin pidió que le enviaran las cintas y las remezcló; esta Deluxe Edition incluye ambas: la editada oficialmente (Hollywood Mix) más etérea y envolvente, y la original (Detroit Mix) más clara y rítmica. Esta estupenda colección se completa con un recital de Marvin en el Kennedy Center de Washington DC en 1972 (su primera aparición pública desde la muerte de Tammi Terrell) donde ejecutó casi la totalidad del album, el single original ‘What´s Going On/God Is Love’, una b-side inédita (‘Sad Tomorrows’), una versión preliminar de la futura ‘Distant Lover’ y el backing track del tema que dá titulo al disco.
Categoría:
70's
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Vistas:
1506
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
27-Mar-2010
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En 1971 The God(father) of Soul aka James Brown creó el sello independiente People Records dedicado principalmente a divulgar la música de sus protegidos entre quienes se encontraban su propia banda The JB’s y algunos de sus nuevos descubrimientos. James Brown's Funky People es el primero de una colección de 3 que recogen varios de los lanzamientos de People Records durante su existencia (1971-1976), la mayoría de los cuales fueron singles no incluídos en LP’s o sólo en LP’s colectivos, todo un arcón de los tesoros donde generaciones de "Funkers" meterían las manos dichosos, desde la Average White Band hasta Prince pasando por Rick James y trazando una larga y fina línea que llega hasta el Hip-Hop, el Acid-Jazz y sus derivados. Este primer volumen recoge temas de 4 artistas: The JB’s, el trombonista de estos Fred Wesley, el saxofonista Maceo Parker junto a su banda The Macks y la cantante Lyn Collins (prima de "Bootsy” Collins) apodada "The Female Preacher". Mucha gente me reprocha el estar atado a los esquemas musicales del pasado, puede que sea cierto, pero es que al escuchar esta música resulta inevitable hacer comparaciones odiosas: los bajos de ahora, por ejemplo, retumban gracias a la potente amplificación de los equipos pero no tienen profundidad; los instrumentos de viento suenan demasiado pulcros y previsibles, ya no marcan pautas solistas ni vuelan en imprevistas jams; la tensión rítmica que te hace mover los pies inconscientemente ha sido suplantada por impersonales y maquinales beats, y en cuanto a cantantes… esas modelitos de pasarela que se hacen llamar divas del Soul no podrían ni lavarle las tangas a la excitante Lyn Collins, por no hablar de los "Soulmen" de hoy en día más preocupados en no sudar excesivamente para no mojar sus ropitas de Armani… el Soul que se hace hoy en día me es indiferente, en especial mientras existan fabulosas cápsulas del tiempo como éstas, 13 temas que suenan magníficos, potentes, densos y excitantes, marcados por ese trance entre lo sensual y lo hipnótico que caracterizan al buen Funk que y que para nada suenan desfasados. Y mientras consigo los otros 2 volúmenes, aquí tienen por donde comenzar.
Categoría:
70's
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Vistas:
894
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
24-Mar-2010
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Editado en 1992 y proveniente del inmenso baúl de históricos recitales que han visto la luz en la últimas décadas, Love Power Peace es la única grabación oficial disponible de James Brown con esta legendaria formación de los JB’s, su banda personal. Grabado en el prestigioso Teatro L’Olympia de París durante la gira Europea de James Brown en 1971, este CD documenta uno de los períodos más intensos en la carrera del Padrino del Soul: promocionando su album Sex Machine, obra crucial en la redefinición de las coordenadas del Soul que conducirían a la explosión del Funk en los años 70, con una banda formidable en la que no se puede pasar por alto la presencia de "Bootsy" Collins, uno de los músicos clave en la evolución del bajo en el R&B . Sónicamente la banda era de una brillantez extraordinaria con 2 guitarras (Phelps "Catfish" Collins & Hearlon "Cheese" Martin) efrascados en toda clase de variantes, una efectiva sección de metales (el fiel Fred Wesley al trombón, Darryl "Hasaan" Jamison & Clayton "Chicken" Gunnels a las trompetas y St. Clair Pinkney al sax tenor) y dos bateristas ( John "Jabo" Starks & Don Juan "Tiger" Martin) cuya función era la de mantener latente el "groove" y desdoblarse en constantes cambios de ritmo, todos ellos respaldando a un James Brown en total estado de gracia, cantando inspiradamente y desplegando todo su repertorio escénico con el apoyo del MC Bobby Bird (quien también se encarga del órgano y las segundas voces). Lamentablemente la grabación no es todo lo perfecta que podría esperarse, el sonido es muy bueno pero la mezcla suena algo desbalanceada, con las voces ligeramente en segundo plano respecto a la música. Además en algunas de las baladas se oyen unos arreglos de cuerda que a mí me suenan pregrabados (hasta donde sé James Brown ya había prescindido entonces de la sección de violines que tantas veces utilizó entre mediados y finales de los sesenta) y que rompen un poco con el frenesí de los temas más rítmicos. No obstante estos detalles no le quitan mérito a este histórico registro, con vibrantes versiones de 'Ain´t It Funky Now', 'Super Bad' o una apoteósica 'Sex Machine' llenas de nuevas soluciones instrumentales, además de frescas revisiones de antiguos clásicos como 'Bewildered', 'Try Me' o 'It´s A Man´s Man´s Man´s World'. un disco imprescindible para todos los seguidores de James Brown y del Funk en general.
Categoría:
70's
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Vistas:
1709
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
21-Mar-2010
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Para 1971 Santana se encontraba en la cima de su popularidad, el dinero entraba a raudales, la prensa los alababa pero también comenzaron a pagar el duro precio de la fama al caer en un tren de vida vertiginoso amenizado por las drogas, el alcohol y otros excesos. También comenzaron a surgir divergencias en cuanto a la dirección musical de la banda. Poco antes de entrar a grabar la continuación de Abraxas, Chepito Areas fue operado de apendicitis justo al inicio de una pequeña gira; por recomendación de Rico Reyes, Carlos reclutó al percusionista Joseph "Coke" Escovedo (miembro de una dinastía de músicos que incluía a su hermano Pete y sus sobrinos Sheila y Alejandro) para disgusto de los demás que preferían esperar a que Chepito saliera de hospital. Cuando Chepito se recuperó y la banda se instaló en los estudios, constataron perplejos que Coke seguía en su puesto. No sólo actuaba como un miembro más de Santana sino que todas sus opiniones eran recibidas con complaciencia por parte de Carlos. Por sugerencia de Coke, Carlos decidió que Santana debía funcionar como una comuna musical abierta, y por esa razón la lista de colaboradores es larga: Rico Reyes (voz y coros), Linda Tillery (coros), Greg Errico (percusión), Mario Ochoa (piano), Luis Gasca (trompeta) y la sección de vientos de Tower Of Power (banda de Soul-Rock de SF). También hay un nuevo guitarrista, un joven de 17 años llamado Neal Schon, algo que Carlos (gran admirador de bandas con 2 guitarras solistas como Fleetwood Mac y Allman Brothers) quería hacer desde hacía tiempo. A pesar de la tensión que había en los estudios, Santana III resultó ser otra espléndida obra y el cierre de la trilogía por la cual pasaron a la historia. Si bien menos heterogéneo que Abraxas, el disco suena más compacto, más Latino y "terrenal", con mayor impacto de la percusión y más espacio para el trabajo instrumental. La primera parte del disco es impecable, con temas de gran intensidad rítmica, cambios de tiempo y duelos instrumentales (sobre todo entre Carlos y Neal) como lo son ‘Batuka’, ‘No One To Depend On’ y ‘Toussaint L´Overture’ que pasarían a convertirse instantáneamente en clásicos de los recitales; ‘Taboo’, compuesta por Greg y Chepito, es uno de los mejores temas del disco, denso y misterioso, con soberbios climaxes y un gran trabajo vocal de Rollie. La segunda parte se abre con ‘Everybody´s Everything’, el single que ayudó a impulsar el album a lo alto de las listas; la atmósfera es totalmente frenética debido a la apabullante orgía percusiva y un call & response entre la voz de Greg y la sección de vientos. ‘Guajira’, escrita por Brown, Chepito y Rico Reyes es una pieza bailable cantada por este último con buen acompañamiento de piano por parte de Mario Ochoa. ‘Jungle Strut’ es un instrumental muy bien llevado por las guitarras de Carlos y Neal, mientras que ‘Everything´s Coming Our Way’ (de Carlos) es una pieza de aires Pop que sorpende positivamente. El cierre es una versión de ‘Para Los Rumberos’ de Tito Puente que en mi opinión casi arruina el disco y sólo se salva por la trompeta de Luis Gasca. El album fue otro éxito colosal tanto de crítica como de público, lamentablemente la unidad de Santana estaba fuertemente erosionada por las constantes diferencias entre sus integrantes. En el interior del disco hay una foto (reproducida en la reverso de la parte trasera del CD) con los 7 miembros mostrando caras largas debido a la negativa de algunos a fotografiarse con Coke Escovedo. La última gira no fue menos tensa, y quedó sentenciada el día del concierto de Santana en Boston: pocos minutos antes de salir al escenario David Brown quedó fuera de combate por las drogas y Mike Carabello abandonó la formación seguido por Chepito. Milagrosamente Carlos, Greg y Michael lograron paliar la situación con el bajista Tom Rutley y el percusionista James "Mingo" Lewis y culminar las fechas finales, pero al término de la gira Santana prácticamente no existía ya. Edición remasterizada a 24 bits en 1998, contiene 3 excelentes bonus tracks grabados en el Fillmore Auditorium de San Francisco en Julio de 1971.
Categoría:
70's
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Vistas:
895
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
14-Feb-2010
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