A comienzos de 1976 Roxy Music anunciaban su separación para dedicarse sus miembros a diversos proyectos solistas en los próximos años. No fue una separación definitiva aunque tampoco se puso fecha de regreso. El Siren Tour fue el más largo y agotador de su carrera y los infructuosos intentos para penetrar el mercado Norteamericano los llevó a tomar la sana decisión de seguir rumbos separados para recargar las baterías y replantear el futuro de la banda. Y como colofón a 4 años de intensa actividad lanzan este album en vivo, la pieza que faltaba en una de las discografías más influyentes de los 70. El único defecto de este Viva! es la cantidad. Dada la trayectoria de Roxy Music lo mínimo que se esperaba era un album doble, cualquier fan familiarizado con los bootlegs de Roxy sabía de muchos excelentes conciertos de donde escoger, pero por razones inexplicables el lanzamiento quedó en un disco sencillo. En varias entrevistas concedidas entonces por Andy McKay y Phil Manzanera, ambos expresaron su disgusto por el hecho de que ni siquiera se les consultó a la hora de hacer la selección de temas. Pero para bien o para mal este es el único registro oficial de Roxy Music en directo durante su etapa clásica. Los ocho temas incluidos cubren 3 ciudades Británicas (Glasgow, Newcastle, Londres) en un período de 2 años (1973-1975) y demuestran que la grandeza de Roxy no era sólo producto de los estudios de grabación. A excepción de la versión de ‘The Bogus Man’ (buena pero con altibajos, aunque reconozco que se trata de una pieza difícil de tocar en vivo), los temas igualan o superan a los originales: ‘Out Of The Blue’ suena tan efectiva y majestuosa como siempre, ‘Chance Meeting’ conserva todo el misterio de la original, ‘Both Ends Burning’ mejora apreciablemente respecto a la incluida en Siren, y las versiones alargadas de ‘If There Is Something’ y ‘In Every Dream Home A Heartache’ son estupendas, especialmente la primera gracias a la soberbia labor de Eddie Jobson. El CD se cierra con un ‘Do The Strand’ tocado a toda prisa y que termina a secas, sin aplausos ni nada; por cierto que entre la corte de bajistas que la banda llevó a lo largo de esos años, en ‘The Bogus Man’ es bastante roconocible el estilo del gran John Wetton, quien se dió el lujo de rechazar un puesto fijo en Roxy para irse con Uriah Heep. A pesar que los temas fueron seleccionados de las 3 fuentes ya citadas, todas las fotos de la carátula provienen del concierto final del Siren Tour en el Wembley Empire Pool de Londres en Noviembre de 1975, su último recital en los 70 y en el que por primera vez (al menos en Inglaterra) se utilizó una gigantesca pantalla en circuito cerrado para que todo el público pudiera apreciar los detalles del concierto (de ahí la estética de las fotos). Un disco que se hace muy corto pero indispensable para cualquier fan de Roxy Music.
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70's
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Aldoux
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Fecha:
29-Ago-2010
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Siren fue el quinto album de Roxy Music y representó una ruptura respecto a la dispersión de estilos y tendencias que caracterizó al anterior Country Life. El fracaso comercial de éste último en EUA (entrar en la parte baja del top 40 no es nada malo pero obviamente Bryan Ferry aspiraba a más) condicionó la dirección de Siren, el cual resultó un disco más sobrio y homogéneo, más comercial pero también más compacto musicalmente y con mayor esmero en los detalles a nivel de arreglos; no en vano Siren, si bien no es uno de los mejores, sí es uno de los más apreciados y queridos por los fans de Roxy. Como comentó alguna vez un viejo amigo de este blog, Siren es un disco que podría considerarse una obra maestra si hubiera sido el primer trabajo de Roxy Music en 1975; en efecto si analizamos la progresión de la carrera de Roxy desde el primer album, Siren podría sugerir un descenso creativo, pero en restrospectiva y dentro del contexto de lo que significó el año 1975, esta quinta obra destaca por encima de casi todo lo editado ese año. Tomando como referencia el vinilo, cada una de las caras tiene una estética diferente. La primera cara es soberbia: ‘Love Is The Drug’ en uno de los singles más impecables de Roxy, para mí el mejor desde ‘Do The Strand’, con su punto justo de comercialidad. ‘End Of The Line’ es una emotiva balada donde la lacrimógena historia que cuenta Bryan contrasta con un acompañamiento lleno de vida, casi como si fueran 2 temas diferentes superpuestos, en la mitad Eddie Jobson ejecuta un hermoso solo de violín. Esta última pieza enlaza inmediatamente con lo mejor del disco, ‘Sentimental Fool’, tema este que nos transporta a los Roxy Music de 1972: una densa y tétrica introducción sobre la cual se ván sumando uno a uno los instrumentos, la pieza cobra forma con la entrada de la voz de Bryan y justo a la mitad la melodía cambia y se desliza hacia su final en una inquietante coda, sin duda una de las grandes piezas del repertorio Roxy. ‘Whirlwind’ es un torbellino marcado por la histriónica vocalización de Bryan y un corrosivo solo de guitarra de Phil Manzanera. La segunda cara está completamente dominada por las ideas de Bryan, casi parecen piezas de un disco solista suyo (‘She Sells’ y ‘Both Ends Burning’ son las piezas más comerciales grabadas por ellos hasta entonces), canciones más convencionales pero que suben de nivel gracias a la prestación de la banda, aunque vale la pena mencionar la delicada ‘Nightingale’ con un logrado interludio de oboe y violín y la estupenda ‘Just Another High’ que cierra el disco. Por tercera vez en un disco de Roxy Johnny Gustafson toca el bajo y suena plenamente integrado a la banda… ¡Ah!, y la sirena de la portada es nada menos que Jerry Hall, la entonces novia de Bryan y futura Señora Jagger (según los chismorreos Mick la sedujo en la propia casa de Bryan, por fortuna nuestro héroe demostró ser demasiado "gentleman” para liarse a puñetazos por una simple Texana… jajaja). En resumen, Siren es el cierre de la mejor y más clásica etapa en la carrera de Roxy Music, luego vendría el largo hiato de 3 años durante los cuales los gustos cambiaron lo suficiente para que en los 80 Roxy fuera por fin recibido en EUA con los brazos abiertos aunque a costa de sacrificar su esencia original, pero esa ya es otra historia.
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70's
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Aldoux
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Fecha:
27-Ago-2010
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Country Life fue el cuarto album de Roxy Music y la obra crucial en las esperanzas de Bryan Ferry por quebrar la resistencia del público Norteamericano. Para ello elaboró una estrategia de asalto que comenzó por la misma portada. Siendo Bryan un estudioso de la publicidad de masas sabía que no había nada mejor para llamar la atención que un escándalo, por tanto la portada del disco debía ser escandalosa pero sin romper los cánones estéticos de Roxy. Todo comenzó en Portugal a donde Bryan se "retiró” para escribir las letras de las canciones (ese era el esquema de trabajo de Roxy Music, primero grababan las partes instrumentales, luego Bryan se retiraba varios días a solas para escribir las letras y finalmente se grababan las voces). Allá conoció a 2 hermosas turistas Alemanas, Constanze Karoli y Eveline Grunwald (que seguramente hicieron parada obligada en la habitación de Herr Ferry); la idea surgió de golpe y en menos de 2 días la foto para la portada estaba lista. Al final la estratagema funcionó, el disco tuvo que ser distribuido en EUA envuelto en un plástico verde y sus secuelas llegaron hasta Holanda (donde se eliminó a las chicas de la portada) y España (donde simplemente ampliaron el rostro de la chica de la izquierda para que ocupara toda la portada). En cuanto a la parte musical la elección fue más delicada pues se trataba de ganar adeptos en EUA sin desilusionar a sus fans Europeos, objetivo que sólo se logró a medias. El producto final (con John Gustafson de nuevo como bajista invitado) tenía varias concesiones de cara a las masas: El single ‘All I Want Is You’ era un tema bailable sin los méritos de sus predecesores (‘Virginia Plain’, ‘Do The Strand’, ‘Steet Life’); ‘If It Takes All Night’ rozaba el Boogie-Rock de carretera con solo de armónica y todo (quizá Bryan cándidamente imaginaba a los camioneros que circulan por las superautopistas Americanas tarareándola); ‘Three & Nine’ seguía el mismo esquema de ’2H.B.’ pero suavizada también por una armónica, amén de una melodía más convencional. Pero el verdadero descaro lo constituía ‘Prairie Rose’, tema de aires Country con una letra dedicada al Estado de Texas. Bryan se defendió diciendo que en realidad estaba dedicada a su novia Texana Jerry Hall (sí, la mismísima futura Señora de Mick Jagger) pero no quedó muy bien parado. Por fortuna el resto del disco compensa estas concesiones: ‘The Thrill Of It All’ estaba en la misma onda de ‘Re-make/Re-model’ pero con una estructura más rica y compleja, combinando pasajes intensos (con el violín de Eddie Jobson poniendo el contrapunto) y momentos de calma (marcados por el saxo de Andy Mckay); ‘Out Of The Blue’ es el mejor tema del disco, llena de densidad con la inconfundible guitarra de Phil Manzanera, buenos "breaks” de John Gustafson al bajo y un solo de violín de Jobson que eriza la piel; ‘Bitter-Sweet’ es la secuela de ‘A Song For Europe’ con una estrofa cantada en Alemán que hace referencia a las Señoritas de la portada; ‘Triptych’ era otra joya con una inusual estructura medieval que habría hecho la envidia de Fairport Convention o Steeleye Span, aunque más inusual sonaba ‘Casanova’, Rock martilleante y sin concesiones (posteriormente Bryan haría como solista una versión realmente horrible); ‘A Really Good Time’ era una de las más brillantes odas narcisistas de Ferry apoyada por una sección de cuerdas tocada íntegramente por Jobson. A pesar de sus méritos y su oportunismo (repartidos 50 y 50) el disco no pasó de la parte baja del top 40 en EUA (aunque sí fue todo en éxito en Europa, Japón y Australia) lo cual seguía siendo una victoria con sabor a derrota para Bryan, a quien no le quedó más remedio que seguir esperando tiempos mejores.
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70's
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Aldoux
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Fecha:
26-Ago-2010
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Para continuar con las novelescas andanzas de Roxy Music he aquí la tercera parte de la saga. Se vá Eno explusado por Bryan y es sustituído por Eddie Jobson, ex miembro de los Ingleses progresivos Curved Air. A diferencia de Eno, quien gustaba de auto catalogarse como un no-musico (por su caracter intuitivo y experimentador), Jobson era un virtuoso de los teclados y el violín que con su background dotaría a Roxy Music de mayor solidez en el plano formal, acercándolo a ciertas pautas progresivas. Si bien la salida de Eno rompe el equilibrio e inclina la balanza hacia el lado de Ferry, Roxy Music sigue funcionando como una entidad colectiva, es más, este disco es otra obra maestra, tan bueno como "For Your Pleasure” pero en un contexto completamente diferente. También hay un nuevo bajista, Johnny Gustafson (ex Big Three, Episode Six y Quartermass) aunque no aparece como miembro oficial. Por otra parte, este es el primer disco de Roxy donde Phil Manzanera y Andy Mckay aparecen como compositores. Algunos opinan que esta fue una concesión de Bryan para calmar los ánimos tras la salida de Eno (a la que Phil, Andy y Paul se opusieron); sea como sea se trató de una decisión altamente productiva y beneficiosa pues tanto Phil como Andy demostraron ser estupendos autores además de instrumentistas. Cinco temas de este Stranded son auténticas maravillas que figuran entre los mejores y más logrados de su discografía: ‘Amazona’ desprende todo el calor y sensualidad selvática que evoca la portada, una pieza marcada por constantes cambios de ritmo y un sorprendente trabajo de guitarras por parte de Phil quien a su vez fue el autor de la música. ‘Psalm’ es un tema solemne hecho para el lucimiento de la voz de Bryan quien ofrece una de sus mejores interpretaciones con el Welsh Male Choir de fondo, excelente solo de Jobson con el violín y un soberbio saxo cuasi jazz al final. ‘A Song For Europe’ es, valga la redundancia, una pieza de cariz puramente Europeo, tanto por la grandiosa atmósfera que alcanza un clímax casi sinfónico como por la melancólica letra donde Bryan canta a la decadencia del viejo continente en analogía a una historia de desamor; la melodía es de McKay y muchos la consideran como la obra cumbre de Roxy, una pieza sencillamente espectacular. ‘Mother Of Pearl’ arranca como un aluvión para luego desembocar en un motivo agradablemente repetitivo sobre el cual Bryan desgrana una de sus más narcisistas historias. La preciosista ‘Sunset’, con la gran intervención de Chris Lawrence al contrabajo, cierra el disco brillantemente, llena de imágenes extra musicales y demostrando el gran nivel instrumental de la banda. Los otros 3 temas (el hit single ‘Steet Life’, la lacrimógena ‘Just Like You’ y la trepidante ‘Serenade’) son más convencionales pero se escuchan con agrado y le dán más variedad al disco. Con Stranded Roxy Music arrasaría en Europa y extendería su prestigio hasta el Japón, aunque EUA seguía resistiéndose a los guiños de Bryan, recibiendo excelentes críticas pero la más fría indiferencia del público. Edición remasterizada en 1999 con el sistema HDCD a 24 bits.
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70's
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Aldoux
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Fecha:
25-Ago-2010
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El segundo album de Roxy Music For Your Pleasure (1973) es para muchos su auténtica obra maestra. Aquí las ideas del primer album aparecen más asentadas, las canciones más maduras y el perfil experimental más atrevido. Fue también el ultimo disco con Brian Eno, pues su conflicto personal con Bryan Ferry llegó al límite. Sin querer Eno se convirtió en el centro de atención de la banda gracias a su aspecto ambíguo en escena (parecía un ser andrógino de otra era vestido con plumas de colores y recargado de maquillaje), los extraños y deliciosos sonidos de su sintetizador y su extrovertido carisma en las entrevistas donde sus fascinantes disertaciones lo hacían pasar como líder de la banda. Esto por supuesto puso furioso (y celoso) a Bryan quien poco después de editado el disco le puso un ultimatum: "Roxy es mi creación, yo soy el líder así que obedeces o ya sabes dónde está la puerta”… obviamente Eno eligió la puerta y se fue. La polémica se dilucidó en la prensa con cruces de declaraciones entre ambos: Eno quejándose que Bryan rechazaba sus composiciones y este aduciendo que el aporte de Eno a la música de Roxy era irrelevante. Pero mejor no salirnos del tema y centrarnos en este magnífico disco. Tomando como referencia el vinilo original, la cara A es simplemente espectacular; ‘Do The Strand’ fue un hit brillante, nada de lo que por entonces llegó a los charts de singles tenía a su vez tanta clase, calidad y comercialidad. La estupenda ‘Beauty Queen’ define a la perfección la filosofía de Roxy, una balada aparentemente convencional cuyo break central combina elementos nostálgicos de los 50 con el más puro vanguardismo. ‘Strictly Confidential’ está llena de misterio y dramatismo, donde sobre un curioso dueto entre la guitarra de Phil Manzanera y el oboe de Andy McKay, Bryan canta con una pasión arrasadora que termina iatrapando al oyente en la historia que él cuenta. ‘Editions Of You’ reintroduce la combinación entre nostalgia años 50 y tecnología, muy parecida a ‘Re-make/Re-model’ pero mucho mejor condensada; el break instrumental donde cada músico se luce con su instrumento es excelente. ‘In Every Dream Home a Heartache’ es en mi opinión la mejor pieza de todo el album, cargada de una tensa calma y envuelta en una morbosa y decadente atmósfera creada por los teclados de Bryan, los tratamientos eléctrónicos de Eno y el saxo de McKay, mientras un Ferry lleno de ironía y fingida afectación le canta a su amante: una muñeca de plástico inflable (!!!); el final con la banda explotando al unísono es de antología. La cara B se abre con la larga y minimalista ‘The Bogus Man’, conducida estupendamente por Paul Thompson sobre la cual se alternan el perverso y atonal saxo de McKay, los ingrávidos licks de la guitarra de Manzanera y la voz tratada electrónicamente de Ferry. ‘Grey Lagoons’ repite el tema de ‘Editions Of You’ pero esta vez con un tono de profunda nostalgia. El disco se cierra con la homónima ‘For Your Pleasure’, el tema más experimental de RM con una larga y agónica coda donde Eno pone brillantemente el punto final a su experiencia con Roxy. En esta ocasión el bajo estuvo a cargo de John Porter, quien hizo un estupendo trabajo pero tampoco duraría mucho. En resumen For Your Pleasure es el cierre de la mejor etapa de Roxy Music, todo lo que grabaron a posteriori resultaría más perfecto musicalmente pero sin ese sentido de la imprevisibilidad y de la aventura que aportaba Eno. Edición remasterizada en 1999 con el sistema HDCD a 24 bits.
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70's
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Aldoux
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Fecha:
23-Ago-2010
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Generalmente los albumes debut de los grandes de la música caen en la categoría de "ensayos prometedores”, discos no del todo satisfactorios pero en los que se intuye un potencial aún por desarrollar. El primer album de Roxy Music NO está en esta categoría. Estamos ante la obra definitiva de Roxy Music, un disco no perfecto pero con unas directrices musicales perfectamente trazadas, el debut de una banda que ya tenía claro a dónde ir y qué hacer para lograrlo, una obra innovadora desde todo punto de vista, empezando por la portada que rompía todos los cánones estéticos de la época con la seductora modelo Británica Kari-Anne en pose de diva Hollywoodense (aunque muchos juraban entonces que se trataba del propio Ferry convenientemente maquillado) y trazó el patrón para todos los albumes sucesivos. Musicalmente el disco no se parece a nada editado en 1972, algo así como Rock con sabor a años 50 pasado por el filtro de Velvet Underground, The Doors y los vanguardistas contemporáneos, un concepto ambiguo pero que los Europeos recibieron con los brazos abiertos. Lamentablemente el disco fue un rotundo fracaso en Norteamerica y esto golpeó duramente el ego de Ferry pues él sentía a los EUA como su patria espiritual, la cultura de donde extrajo sus referencias artísticas. El extravagante vestuario de la banda y el exceso de maquillaje hizo que los catalogaran como Glam-Rock cuando en realidad sus ambiciones eran otras; en aquel entonces el público Rockero Americano estaba dividido entre la música progresiva y el Hard Rock; RM sonaban demasiado comerciales para los ‘progs’ y demasiado sofisticados para los ‘rockers’, y salvo en algunos círculos de la avantgarde Rockera Neoyorkina Roxy fueron completamente ignorados. No obstante el album no dejaba dudas, el primer tema ‘Re-make/Re-model’ es toda una declaración de principios: la fuerte personalidad narcisista e histriónica de Ferry, la esquizofrénica guitarra de Manzanera, los toques clásico-vanguardistas de McKay y los aportes eléctrónicos de Eno sobre la perfectamente sincronizada sección rítmica de Simpson/Thompson, todo unido en una pieza estupenda. ‘Ladytron’ combina también diversos contrastes brillantemente, la introducción a cargo del oboe de Andy y el sintetizador de Eno dá paso a una alegre balada rota por un par de breaks que pasan como un torbellino. Estos contrastes de imágenes definen todo el album, como en la estupenda ‘If There Is Something’ que para muchos fans es la obra maestra de la primera etapa de Roxy, una melodía alegre y elástica que casi imperceptiblemente se quiebra para dar paso al histérico lamento de Bryan que se desliza hacia una final sombrío y agonizante. La combinación entre la nostalgia cincuentera y la tecnología queda patente en temas como ‘Would You Believe?’, ‘Bitters End’ y la magistral ‘Virginia Plain’, esta última fue el primer single de Roxy y no formó parte del album original Británico. La etérea ’2 H.B.’ es un tributo a las imágenes cinematográficas que tan profunda huella dejaron en Bryan, H.B. son las iniciales de Humphrey Bogart (su actor favorito) y la frase "There´s Looking At You Kid” la pronuncia Bogart en la película Casablanca. ‘The Bob’ es el único tema que no me convence del todo, formado por 5 piezas cortas unidas en una sola, tiene partes muy buenas pero que en conjunto suenan dispersas y carentes de cohesión. ‘Chance Meeting’ es otra de las joyas del disco, una pieza misteriosa y claustrofóbica donde Bryan canta con tono dubitativo sobre un acompañamiento de piano y bajo matizado por los escalofriantes riffs de Phil. ‘Sea Breezes’ es puramente experimental, un lamento envuelto en una triste atmósfera que le otorga a la pieza una magnificencia casi trágica pero muy atractiva. El album vendió muy bien en Europa y Roxy se convirtió en la más grande promesa Británica de entonces a pesar de su fracaso en América. Poco después de su lanzamiento Graham Simpson abandonó Roxy Music tras una fuerte depresión por la muerte de su madre dejando el puesto de bajista vacante (la banda jamás volvió a tener bajista fijo). Edición remasterizada en 1999 utilizando el sistema HDCD (High Definition Compact Disc); para beneficiarse plenamente de esta tecnología el CD debe reproducirse en un equipo indentificado con esas siglas, no obstante suena magnífico en cualquier reproductor convencional.
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70's
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Fecha:
22-Ago-2010
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En el escena inicial de la pélícula The Doors de Oliver Stone, aparece Jim Morrison en los estudios grabando un monólogo titulado ‘The Movie’. En la biografía sobre Jim "No One Here Gets Out Alive” escrita en los 70 por el periodista Jerry Hopkins con la asesoría de Danny Sugerman (asistente de The Doors y amigo de Morrison) se describe con lujo de detalles la escena: poco después de culminar L.A. Woman Jim sintió la necesidad de grabar para la posteridad parte de su gran legado escrito formado por poemas, historias, monólogos y reflexiones; para ello se encerró toda una noche con uno de los ingenieros de sonido en "The Doors Workshop” y acompañado con una botella de Whisky Irlandés se dedicó a leer su material cuidadosamente mecanografiado por él mismo. A mediados de los 70 Ray, Robbie y John anunciaron que pensaban publicar algunas de estas grabaciones póstumas de Jim con acompañamiento instrumental de los tres; el resultado apareció en 1978 como An American Prayer (el título de una de las últimas cosas que escribió). Si bien inicialmente el disco se consideró sólo una obra de culto con el tiempo fue creciendo en estatura y hoy en día constituye la pieza que consolida el retrato del Jim Morrison "artista” por encima de la "rockstar”. Al igual que Dylan, Jim no era exactamente un músico, fue un artista interesado en la literatura, la poesía, el teatro y el cine, fanático del Blues y el Rock And Roll, y que encontró en la música el vehículo para expresar sus inquietudes. No tenía la más mínima noción musical ni tocaba instrumento alguno, las melodías se formaban en su mente a la par de las letras y entonces se las tarareaba a Ray o a Robbie para que ellos las transcribieran; aún así Jim Morrison tiene su puesto destacado en el olimpo de los grandes autores del siglo XX. Durante años escribió cantidades de cosas fuera de las letras para los Doors (aunque estas provenían precisamente de poemas o reflexiones del propio Morrison), publicó un par de libros ("The Lords” y "The New Creatures”), incluyó recitados y elementos teatrales en los conciertos, dirigió los videos promocionales de la banda (precursores de los video clips temáticos), y sin embargo se fue de este mundo sin plasmar toda la extensión de su arte. De ahí la importancia y la transcendencia de este album. Son 17 piezas divididas en 5 bloques temáticos ("Awake”, "To Come Of Age”, "The Poet’s Dreams”, "World On Fire” & "An American Prayer”) la mayoría con fondo instrumental, para ello los 3 Doors restantes grabaron nuevas pistas con la ayuda de los bajistas Bob Glaub, Jerry Scheff y el percusionista Reinol Andino, pistas alejadas del clásico sonido de la banda pero que le dan una hermosa magnificencia a los recitados de Morrison (sobre todo la estupenda versión del Adagio de Albinoni). Para unas pocas piezas se utilizaron pistas de canciones de la banda como ‘Peace Frog’, ‘Blue Sunday’, ‘The Wasp’ y ‘Riders On The Storm’. No obstante se incluyó un tema musical, una tremenda versión en vivo de ‘Roadhouse Blues’ que es todo un clásico. La presente edición remasterizada contiene 3 bonus tracks. Como complemento le he agregado una carpeta con mi colección de ebooks sobre Jim; encontrarán la biografía "Life, Dead, Legend” de Stephen Davis, el diario que Jim escribió en París, libros de poemas y ensayos (que bajé del extinto blog Argentino Perception Doors) y algunas piezas de memorabilia. Queda pendiente un sólo post de The Doors (la caja de 1.997) pero me lo guardo para otra ocasión.
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70's
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Aldoux
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Fecha:
15-Ago-2010
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Con L.A. Woman llegamos a la última entrega de las 40th Anniversary Mixes de la discografía Doorsiana. Cuando el presidente de Elektra Records y productor ejecutivo de la banda Jac Holzman escuchó las cintas de L.A. Woman comentó "Acabo de escuchar el último album de Jim Morrison como cantante”. Ciertamente la voz de Jim había perdido buena parte de sus cualidades debido a los excesos de tabaco y alcohol (fumaba 2 paquetes diarios de Marlboro y bebía desde que se levantaba de la cama) quedando reducida prácticamente al gorgorito de un borracho. En el entorno del cuarteto flotaba la sensación de que este album sería el último tras el escabroso episodio del recital en Miami (con el consabido juicio a Jim por actos lascivos e inmoralidad) y el desencanto cada vez mayor de Morrison con el mundo del Rock. Quizá conscientes de ello The Doors se esmeraron en producir una obra absolutamente magistral; desde su propia gestación se notaba que iba a ser un album diferente a los anteriores en todos los aspectos: en primer lugar Paul Rothchild había renunciado a la producción del disco, labor que encararon los 4 Doors junto al ingeniero de sonido Bruce Botnick. Instalados en sus propios estudios llamados The Doors Workshop Ray, Robbie y John se dedicaron a trabajar en las partes instrumentales mientras Jim mataba el tiempo en su oficina un piso más arriba; cuando todo estuvo listo los 4 grabaron las canciones casi en vivo, con muy pocos overdubs, razón por la cual The Doors se reforzaron con 2 músicos adicionales: el bajista Jerry Scheff y el guitarrista Marc Benno. Ray Manzarek cambió por primera vez su viejo órgano Vox Continental por un órgano Hammond (regalo de Jim, Robbie y John) alternándolo con el piano eléctrico y esto ya le daba a The Doors un sonido diferente. Por otra parte Jim volcó en este disco su pasión por el Blues (en los primeros tiempos él solía presentar a The Doors como una banda de Blues, y cuando términó L.A. Woman comentó orgullosamente "finalmente logré hacer un disco de Blues”). Este sello Bluesístico está fuertemente impreso en las piezas más vibrantes del disco como ‘The Challenging’, ‘Been Down So Long’, ‘Car Hiss By My Window’ (con Jim imitando espléndidamente el sonido de la guitarra al final), la versión de ‘Crawling King Snake’ de John Lee Hooker y el desafiante recitado de ‘The Wasp (Texas Radio And The Big Beat)’. ‘Love Her Madly’ escrita por Krieger fue la pieza elegida como single. Jim era un gran conocedor del teatro clásico y en ‘Hyacinth House’ recurre al drama Griego como ya lo había hecho en ‘The End’. La pieza que dá título es el punto focal del album; para Morrison Los Angeles (L.A. o él-lei como la llaman allá) era el microcosmos de la cultura moderna Norteamericana y la canción es un tributo a su ciudad adoptiva usando la diversidad racial y cultural de la mujer Angelina como simbolismo. La música vibra a ritmo de Rock And Roll que no suena ni rancio ni nostálgico en una impecable ejecución de la banda y Jim cantando brillantemente por encima de su maltrecha voz. Pero el camino a la cima no para ahí: ‘L´America’ fue grabada algunos meses antes para la banda sonora de Zabriskie Point de Michelangelo Antonioni, pero el director Italiano la rechazó y decidieron meterla en el album. En mi opinión se trata de una de las joyas menos valoradas de The Doors; en la letra Jim hace referencia a los conquistadores que llegaron a América Latina atraídos por el oro (Jim usó L´America como contracción de Latin America). Pero la guinda fue ‘Riders Of The Storm’ una pesadillesca historia sobre la cacería a un asesino serial cantada con un susurro siniestro sobre un tapete Jazzístico magistarlmente servido por el piano de Ray, la batería de John y realzado con amenazadores sonidos de una tormenta. El album salió a la venta en Abril de 1.971 cuando Jim ya había partido hacia París donde moriría imprevistamente el 3 de Julio de ese año cerrando con broche de oro una de las más brillantes carreras en la historia del Rock y dando inicio a la incombustible leyenda del Rey Lagarto.
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70's
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Fecha:
12-Ago-2010
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Armageddon (no confundir con la banda Escandinava de Power Metal homónima) fue uno de los tantos proyectos efímeros que marcaron la carrera de Keith Relf desde la disolución de The Yardbirds hasta su muerte. Como recordarán Keith fundó Renaissance en 1969 junto al baterista Jim McCarty (también ex-Yardbirds) pero la banda duró solamente poco más de un año debido a la negativa de Relf y McCarty a embarcarse de nuevo en interminables tours (aunque ambos siguieron vinculados por un tiempo a la banda como mentores). Después de Renaissance Keith se dedicó a producir bandas de la más diversa extracción como Amber (Folk étnico), Saturnalia (Psicodelia), Medicine Head (Blues Rock acústico) y Steamhammer (Hard Rock). Con estos últimos Relf estableció una sólida relación ya que su bajista era Louis Cennamo (compañero de Keith en Renaissance) y colaboró informalmente en la producción de su útimo album (speech) en 1972. A finales de 1973 Keith les propuso a Louis y al ex guitarrista de Steamhammer Martin Pugh formar una nueva banda dando vida al núcleo de Armageddon. Al parecer la idea original de Relf era replicar el estilo de Renaissance, pero ante la falta de interés por parte de las discográficas y la dificultad para reclutar más músicos los 3 se trasladan a Los Angeles en busca de un cambio de aires. Allá contactan al excelente baterista Bobby Caldwell (colaborador de Johnny Winter y ex miembro de Captain Beyond) y bajo su influencia Armageddon se transforma en una banda de Hard Rock con aires progresivos. Gracias a la intermediación de Peter Frampton (gran amigo de Cennamo) la banda entró en contacto con A&M Records quienes mostraron interés en el proyecto (más que nada por ser Keith un ex Yardbirds) y les extienden un contrato. A finales de 1974 Armageddon se trasladan a Londres y graban este su primer y único album, premonitorio del ala más progresiva del Heavy Metal y que con los años se ha convertido en una auténtica obra de culto para los fans del Rock de los 70. Lanzado a comienzos de 1975 el disco tuvo una entusiasta recepción, A&M invirtió dinero en su promoción y vendió prometedoramente bien llegando al puesto 150 de los charts Americanos en parte gracias su exposición en las radios FM Californianas. De los 5 temas que lo conforman 4 superan los 8 minutos, el sonido es sólido como la roca con los riffs de Pugh y la batería de Caldwell en primer plano, no obstante las canciones se deslastran de la repetitividad Hard para volar libremente, merced del trabajo de Cennamo que contrarresta la dureza del sonido con imaginativas líneas de bajo. ‘Buzzard’ es el clásico tema de apertura que sienta las bases de todo lo que oiremos a continuación con Martin Pugh marcando la pauta con un venenoso riff que se desdobla en un potente solo y la onmipresente batería de Bobby Caldwell creando ambos un clima denso roto por el interludio de Keith Relf con la armónica. ‘Silver Tightrope’ es la antítesis del anterior, la única pieza melódica del disco conducida por la guitarra acústica y envuelta en un halo místico que por momentos recuerda a Renaissance hasta la irrupción de Caldwell que, sin embargo, no rompe con la atmósfera; un momento simplemente mágico. ‘Paths and Planes and Future Gains’ no ofrece un sólo minuto de tregua creando un clima ácido y neo-psicodélico. El incidioso midtempo ‘Last Stand Before’ tiene una estructura Bluesística acentuada por la larga coda donde la armónica y la guitarra dialogan en un call & response de gran efecto. Por último ‘Basking in the White of the Midnight Sun’ en una larga pieza de corte progresivo dividida en 4 partes y que resume todas las ideas desarrolladas en los temas anteriores: guitarras ácidas, soberbio tandem bajo-batería, cambios de tiempo, puentes y diálogos instrumentales, pinceladas Jazz y Blues… lamentablemente la falta de disciplina, las drogas que corrían libremente en el entorno y la cada vez más precaria salud de Relf hicieron que los integrantes perdieran paulatinamente interés en el proyecto y Armageddon se disuelven después de sólo 2 presentaciones. Hubo un intento de rescatar la banda con un nuevo cantante llamado Jeff Fenholt (el mismo de la polémica con Black Sabbath en los 80) pero tras unas demos poco convincentes los músicos deciden pasar página. De vuelta a Londres Keith planeaba volver a reunir a los miembros originales de Renaissance bajo el nombre de illusion, pero su repentina muerte en Mayo de 1976 marcó el final de una de las mentes más inquietas y creativas del Rock, dejando este estupendo album como su último legado. Edición remasterizada en 2005 por el sello Alemán Repertoire y considerada como la mejor sónicamente de las muchas que han circulado en los últimos años.
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70's
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Aldoux
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Fecha:
18-Jun-2010
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Captain Beyond fue la suma de 4 músicos que si bien no eran precisamente superestrellas se juntaron para formar una auténtica superbanda. Rod Evans fue el cantante original de Deep Purple a los que dejó en 1969 tras 3 albumes y que luego de casarse con una chica Californiana emigró para allá en 1970. El guitarrista Larry "Rhino” Rheinhardt y el bajista Lee Dorman venían de los Iron Butterfly que grabaron el excelente album Metamorphosis. Completa el equipo el estupendo baterista Bobby Caldwell ex colaborador de Johnny Winter, y si bien era el menos conocido se destapó como la gran fuerza creativa del cuarteto. Los 4 se juntaron en la ciudad de Los Angeles en 1972 y rápidamente consiguieron un contrato con Capricorn Records, la casa discográfica especializada en Southern Rock y hogar de los Allman Brothers, pero que para entonces buscaba diversificarse hacia otros estilos. Ese mismo año Captain Beyond se mete en los estudios Sunset Sound Recorders de Hollywood y graba un album considerado como uno de los grandes clásicos del Hard Rock de los 70. El disco cuenta con 13 temas compuestos por Caldwell y Evans enlazados a manera de suite (aunque no se trata de una obra conceptual) en los que la banda ofrece un poderoso Hard Rock con elementos psicodélicos, progresivos y algunas escapadas hacia el Jazz. El flujo de los temas es simplemente magnífico y la labor de la banda es impecable. Rod Evans nunca fue un gran cantante, tenía buena voz pero con un rango limitado, no obstante aquí canta mejor que nunca. Rhino y Dorman repiten la gran performance que hizo que la última formación de Iron Butterfly se superara a sí misma en el antes citado disco. Y Bobby Caldwell no sólo sorprende como autor sino que se revela como uno de los grandes bateristas de su tiempo, potente y versátil a la vez. La banda despertó muchas expectativas y se conviritió en uno de los números favoritos de varios festivales celebrados en USA durante el bienio 72/73. Lamentablemente la salida de Caldwell (seguida por la de Rhino) dejó a Captain Beyond sin su principal autor y el siguiente album ya no fue tan bueno. La banda se reagruparía en 1976 con la vuelta de Caldwell y la entrada de un nuevo cantante (Willy Daffern) pero ya nada volvería a ser igual dejando a este primer album como su máximo y mejor legado.
Categoría:
70's
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Vistas:
1098
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
15-Jun-2010
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