Bridge Over Troubled Water fue el quinto y último album de Simon & Garfunkel. El impacto de este disco está refrendado por los unánimes elogios,
las amplias ventas (25 millones de copias), las altas posiciones que
alcanzó y la multitud de premios con los que se le honró: recibió varios
Grammy Awards por 2 años consecutivos (1970 y 1971) y en 1977 fue
declarado "el mejor album de los últimos 25 años” en la entrega de los
premios Brit Awards. Sin embargo las incómodas circunstancias bajo las
cuales fue gestado y grabado constituyeron el germen de la disolución
del dúo varios meses después. Durante la elaboración de la película El
Graduado, el director Mike Nichols y Art Garfunkel trabaron amistad;
Mike se fijó en las cualidades histriónicas de Art durante los recitales
del dúo y le propuso un papel como actor en su próximo proyecto
Catch-22. La película ocupó a Art casi todo el año 1969 y retrasó la
grabación del disco para gran molestia de Paul. Cuando Art se
reincorporó a las sesiones encontró a Paul trabajando en nuevas ideas
que no fueron de su completo agrado: una canción de corte
político-reaccionario ('Cuba Sí Nixon No') y experimentos con músicas de
otras culturas. Las discrepancias surgían con frecuencia en especial por
el voluble perfeccionismo de Paul quien echaba para atrás canciones ya terminadas para rescribir letras y cambiar arreglos. Era obvio que cada uno
iba ya en su propia dirección y ya no necesitaba del otro, no obstante
ambos hicieron un último esfuerzo y concentraron todas sus energías en 4
de las piezas del disco. El tema homónimo es el eje central de la obra,
una de las canciones más perfectas y hermosas jamás hechas; dotada de
una emotiva letra que habla del valor de la amistad ante la
adversidad, un brillante arreglo que combina calma e intensidad rematado
por un dramático crescendo y una interpretación vocal de Art Garfunkel
simplemente magistral: un clásico imperecedero. 'El Cóndor
Pasa (If I Could)' es la adaptación al Inglés de una melodía tradicional
del folklore del Altiplano y muestra el interés de Paul por explorar otras
culturas musicales, iniciando un viaje que lo convertiría en uno de los
pioneros de la llamada World Music que alcanzó su ápice en el album
Graceland de 1986; el adecuado acompañamiento del conjunto Folklórico
Los Incas refuerza el caracter ancestral de la pieza. 'Cecilia' se
mantiene en la mismas coordenadas con trepidante y multicolor tapete
percusivo, acompañamiento de flautas y deliciosas armonías vocales. 'The
Boxer' es otra de las grandes piezas de S&G, similar en intensidad al
tema que dá título pero en un contexto diferente, casi una mini-sinfonía
con un tratamiento muy Spectoriano y unos climaxes realmente grandiosos.
La pieza necesitó 100 horas de grabación (!) debido a la obsesión de
Paul por lograr la perfección, despliegue que tuvo sus frutos pues se
trata de otra obra maestra de la música Pop. El resto de las canciones
palidecen un poco ante la grandiosidad y vistosidad de los 4 temas
decritos, y esa es la razón por la que muchos fans lo consideran este
disco menos compacto que su predecesor Bookends; aún así piezas como 'So
Long, Frank Lloyd Wright', 'The Only Living Boy In New York' y
'Song For The Asking' son pequeñas joyas que crecen de estatura mientras
más se las escucha. Finalmente 'Keep The Customer Satisfied', 'Baby Driver',
'Why Don’t You Write Me' y la versión en vivo de 'Bye Bye Love' (de sus
ídolos de la adolescencia The Everly Brothers) son agradables piezas de
relleno. Tras su edición el dúo se embarcó en un tour mundial que
significó su despedida por los próximos 10 años; desde entonces varias
han sido las reuniones para tocar en vivo pero que lamentablemente jamás
se han traducido en nuevas grabaciones de estudio, dejando estos 5
albumes en uno de los sitiales más altos en la historia del Rock. Esta
edición remasterizada se completa con 2 rarezas: 'Feuilles-O'
(posteriormente grabada por Art en su primer album solista) y una toma
prerliminar de 'Bridge Over Troubled Water'.
Categoría:
60's
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Vistas:
666
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
26-Ene-2010
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 1967 fue quizá el año clave en la carrera de Simon & Garfunkel. Los intensivos tours por EUA y Europa junto al éxito de la película The Graduate (El Graduado, protagonizada por un jovencísimo Dustin Hoffman y con parte de la banda sonora a cargo de S&G) los puso en el centro de la atención pública, y resultaba obvio que el siguiente album del dúo sería esperado con gran expectativa. También por aquel entonces Paul y Art renegociaron su contrato con Columbia incluyendo una cláusula que para ellos era irrenunciable: control total sobre sus discos. Atrás quedaban los productores impuestos por la discográfica (aunque no se puede negar el gran trabajo de Bob Johnston y sobre todo de Tom Wilson) y las canciones preparadas a última hora; a partir de ese momento Simon y Grafunkel serían sus propios productores (junto a su ingeniero de sonido Roy Halee) y se tomarían todo el tiempo necesario para escribir y grabar las piezas. Esta nueva situación les permitió trabajar más a fondo en el acabado de las canciones, lo que sumado al estado de gracia de Paul como autor dió como resultado una auténtica obra maestra llamada Bookends, en mi opinión personal la más grande de S&G. Temáticamente el album es una reflexión sobre el paso inexorable del tiempo en la vida de los seres humanos; la primera parte (correspondiente al lado A del vinilo) está formada por un ciclo de canciones que trata sobre el sentimiento de pérdida en la vida de las personas visto desde diversas ópticas: la dramática crónica de 'Save The Life Of My Child' (la madre pide desesperadamente ayuda para su hijo dispuesto a suicidarse lanzándose desde una azotea, lo que al final hace) o la pareja de 'America' que salen juntos a recorrer el país para decubrir al final del viaje que son más las cosas que los separan que las que los unen. 'Overs' parece la continuación de la anterior, aquí la pareja se sincera y decide afrontar la realidad de la pérdida del amor. Hasta el collage de 'Voices Of Old People' (grabado por Art en ancianatos de Nueva York y Los Angeles) calza perfectamente exponiendo la cruda resignación de los que llegan al final del camino olvidados por sus familiares; estas reflexiones tienen continuidad en la melancólica y preciosista 'Old Friends', dos viejos amigos en el ocaso compartiendo su espacio y sus recuerdos. Todas estas piezas conforman un bloque que inicia y termina con 2 versiones de 'Bookends Theme' (la apertura instrumental y la clausura cantada), dotando al resultado final de unidad conceptual. El resto del disco lo conforman piezas en apariencia sueltas pero que no pierden contacto con el tema central: la necesidad de algunos de fingir ante los demás ('Fakin´ It'); el final de la inocencia ('Punky´s Dilemma'), las metáforas de 'A Hazy Shade Of Winter' (descubrir que el tiempo ha pasado sin haber logrado los planes que nos trazamos en la juventud) y de 'At The Zoo' (con un tratamiento deliciosamente Orwelliano inspirado en la novela Animal Farm). Y he dejado para el final la guinda del pastel: 'Mrs. Robinson', una de las piezas que mejor representa el espíritu de los 60. Paul Simon puntualizó que este tema no tenía ningún significado especial pues lo escribió en etapas diferentes juntando imágenes inconexas, pero analizando la letra no es difícil ver allí a la típica ama de casa Estadounidense abnegada, perfecta y ortodoxa pero que en el fondo se siente esclava de una vida aburrida y predecible y busca desahogo ingiriendo tranquilizantes; un arquetipo que define a toda una generación como lo fue la de los 50 y 60 en busca de una identidad social y cultural propia por encima de las barreras sociales. Musicalmente el disco destaca también por novedosos arreglos que sobrepasan la estética Folk Rock e introducen nuevos colores en la obra del dúo, como el riff de sintetizador Moog que abre 'Save The Last Of My Child' y 'Fakin´ It', la cacofonía de voces y efectos sonoros del primer tema antes citado, el saxo en 'America', la hermosa sección de cuerdas que adorna la segunda parte de 'Bookends Theme' (barroca y vanguardista al mismo tiempo) o la sección de vientos en función rítmica de 'A Hazy Shade Of Winter'. Si yo tuviera que recomendar un sólo disco de S&G a alguien que no los conozca, esta sería mi elección. Edición remasterizada en 2001, contiene 2 bonus tracks: un lado B no incluído en el album ('You Don´t Know Where Your Interest Lies') y la demo original de 'Old Friends'.
Categoría:
60's
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Vistas:
648
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
24-Ene-2010
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 El Philharmonic Hall de Nueva York es un recinto tremendamente especial para la música; un local de dimensiones modestas, pocas butacas, separación mínima entre el artista y el público, decoración sencilla y perfecta acústica lo han convertido a lo largo de los años en el espacio ideal para recitales íntimos y con mucha participación del público. En ese marco Simon & Garfunkel ofrecieron el 22 de Enero de 1.967 un recital para la historia; era la época de transición entre el éxito de sus 3 primeros discos y la consagración definitiva 1 año despúes con la banda sonora de la película El Graduado, una especie de "comeback home" tras las presentaciones a lo largo y ancho de Norteamérica y Europa, y nada mejor que saludar a su ciudad natal con un concierto intimista y completamente acústico. Parte de este recital apareció en 1997 en la caja Old Friends, pero esta es la primera vez que se ofrece en su totalidad (bueno, casi, pues se dejó fuera el tema 'Red Rubber Ball'). Live In New York City, 1967 ofrece un magnífico repaso a su discografía de entonces sólamente con la guitarra de Paul y las voces de ambos con sus perfectas armonías, unas veces al unísono y otras en contraposición pero siempre dejando en el público esa sensación de tranquilidad que siempre caracterizó sus interpretaciones. Un hecho que siempre me gusta comentar sobre el papel de ambos personajes: si bien existe la tendencia de endosar sobre Paul Simon el liderazgo del dúo, ambos funcionaban como una entidad orgánica y muy democrática; Paul era el autor de todas las canciones pero Art Garfunkel era el autor de todos los arreglos vocales y fué precisamente esa simbiosis la que los convirtió en el más famoso dueto en la historia del Rock And Roll. Si bien este CD fue lanzado posterior a las ediciones remasterizadas de los albumes de estudio, preferí insertarlo aquí para mantener la cronología en la carrera de S&G.
Categoría:
60's
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Vistas:
810
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
22-Ene-2010
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 Parsley Sage Rosemary & Thyme suele ser considerado popularmente como el primer "gran album” de Simon & Garfunkel. Si bien es cierto que en esta oportunidad Paul y Art tuvieron mayor control y libertad en su elaboración, el disco no fue tampoco el fruto de un proceso "orgánico” de gestación. Fue grabado saltuariamente entre Junio y Agosto de 1966 dada la enorme cantidad de compromisos del dúo en su nueva condición de estrellas; 2 temas provenían directamente de las sesiones del album anterior ('Homeward Bound' y 'Flowers Never Bend With The Rainfall') mientras que 2 de ellos fueron rescatados nuevamente del album "Británico” de Paul ('A Simple Desultory Philippic', 'Patterns')… los tiempos caracterizados por largas horas elaborando y perfeccionando los temas en el estudio estaban aún por venir, no obstante estamos ante otra brillante colección de canciones y la confirmación de que Simon & Garfunkel eran una realidad que había llegado para quedarse. Todo el album respira una mayor seguridad en las interpretaciones y una mayor sofisticación tanto en las composiciones como en los arreglos vocales. las letras de Paul ahondan mucho más en el complejo mundo interior del hombre moderno, como en las imágenes amenazantes de 'Patterns' o el anónimo personaje que grita al mundo sus sentimientos a través de un simple poema en las paredes del metro ('A Poem On The Underground Wall'). En 'The Dangling Conversation' la dificultad para comunicarse con el prójimo es nuevamente explorada pero desde la perspectiva de 2 jóvenes que tratan infructuosamente establecer una relación. Las 2 piezas más populares del disco fueron la barroca 'Scarborough Fair/Canticle' basada en una pieza tradicional Inglesa del siglo XVI, y la autobiográfica 'Homeward Bound'. El resto del disco rezuma romanticismo gracias a las hermosas imágenes poéticas de 'Cloudy', la jazzistica 'The 59th Street Bridge Song', 'Flowers Never Bend With The Rainfall' y la preciosista 'For Emily Wherever I May Find Her'; pero también incluye 2 momentos cargados de punzante ironía: la parodia a la sociedad de consumo en 'The Big Bright Green Pleasure Machine' y la sátira llena de dobles sentidos y referencias a otros personajes célebres en 'A Simple Desultory Philippic (Or How I Was Robert Macnamara´s Into Submission'). El disco cierra magistralmente con '7 O´clock News/Silent Night' donde sobre la tradicional canción de nochebuena se escucha un noticiero con titulares de la época como la escalada bélica en Vietnam, las andanzas de Martin Luther King y la muerte de Lenny Bruce entre otros con un contraste de imágenes muy bien logrado. En el plano vocal los arreglos de Art alcanzan nuevas cotas de madurez logrando con sólo 2 voces lo que otras agrupaciones alcanzaban con 3 o 4; mención aparte merece su maravillosamente intensa interpretación en 'For Emily Wherever I May Find Her' dándole con su hermosa voz la justa dimensión a una de las más grandes creaciones de Paul. En resumen un disco excelente, no perfecto pero que dejaba ya entrever el camino a la cima del más grande dúo en la historia de la música Pop.
Categoría:
60's
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Vistas:
901
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
20-Ene-2010
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 El segundo album de Simon & Garfunkel titulado Sounds Of Silence tuvo una gestación poco convencional. Despúes del fracaso comercial que supuso su primer album Wednesday Morning 3AM el dúo se separó: Art Garfunkel volvió a la universidad mientras que Paul Simon se estableció en Londres y rápidamente se involucró en la escena del nuevo Folk que florecía en la capital Inglesa. Gracias a su nueva fama la CBS Británica le ofreció un contrato para grabar y a comienzos de 1965 apareció The Paul Simon Songbook, su auténtico primer album solista, un catálogo de sus nuevas canciones más una regrabación de su excelso 'The Sounds Of Silence'. Casi paralelamente Tom Wilson (productor del primer album del dúo y de Dylan desde The Times They Are A-Changin’ hasta el clásico Like A Rolling Stone) tuvo una genial idea con ese tema: sobregrabarle una sección eléctrica (Al Gorgoni- guitarra, Bob Bushnell- bajo & Bobby Greg- batería) convirtiendo así a la preciosa balada acústica en un potencial himno del naciente Folk-Rock. El single se editó en Septiembre de 1965 y lentamente comenzó a ascender en los charts. Cuando se hizo evidente que el tema iba disparado hacia lo más alto, Paul regresó a Nueva York para reunirse de nuevo con Art y grabar un nuevo album bajo la producción de Bob Johnston (por cierto que jamás se aclaró la razón para marginar a Tom Wilson de este proyecto así como de la producción de los discos de Dylan, quizá el hecho que un negro produjera discos de Folk para artistas blancos era algo muy poco convencional en un país dominado aún por la segregación racial). Como el tiempo apremiaba y Paul no había preparado suficiente material se regrabaron 5 piezas del album solista de éste ('I Am A Rock', 'Leaves That Are Green', 'April Come She Will', 'A Most Peculiar Man', 'Kathy´s Song') junto a otras 6 nuevas canciones; el resultado se lanzó el 17 de Enero de 1966 (ya con el single en el número 1) y se convirtió inmediatamente en pieza fundamental para la difusión del Folk-Rock junto a los albumes eléctricos de Dylan y los 2 primeros lanzamientos de The Byrds. A pesar de no ser una obra cohesiva el disco tiene una unidad casi sobrenatural. Las letras de Paul muestran un abanico temático muy amplio: el tema recurrente de la incomunicación se presenta aquí como el deseo desesperado por aislarse de los demás para protegerse del sufrimiento ('Somewhere They Can´t Find Me' y la espléndida 'I´m A Rock', mi favorita de S&G), sentimientos encontrados producto de la soledad ('Kathy´s Song'), la incapacidad para retener al ser amado ('We´re Got A Groovy Thing Goin') y la observación de personajes marginados e incomprendidos ('Richard Cory', 'A Most Peculiar Man'). 'Leaves That Are Green' es autobiográfica; 'Blessed' muestra un curioso contraste entre poesía y crudeza callejera bañada de ironía; 'April Come She Will' con sus hermosas imágenes románticas gana kilates en la delicada voz de Art, mientras que 'Anji' es el tributo de Paul al guitarrista Inglés Davey Graham a quien conoció y admiró durante su estancia Londinense. Musicalmente el acompañamiento eléctrico le otorga una dimensión más profunda e incisiva a los temas, con el punzante tintineo de la guitarra eléctrica de 12 cuerdas y el sonido solemne del órgano junto a la sección rítmica, dotando de una inusual aspereza a temas como 'Blessed' o 'Somewhere They Can´t Find Me'. La presente edición remasterizada en el 2001 tiene 4 bonus tracks: 3 demos acústicas de 1970 (cuya presencia aquí no comprendo) y una auténtica joya perdida, la versión de 'Blues Run The Game' de Jackson C. Frank. Frank fue un Folk singer proveniente de Buffalo (Nueva York) que al igual que Paul emigró a Londres y grabó allá un único y estupendo album solista. En un intento por favorecer su carrera, S&G grabaron una de las más hermosas piezas de Jackson (la citada 'Blues Run The Game') con miras a incluirla en el album pero a última hora fue desechada. Con este Sounds Of Silence S&G se introducen en la élite de las más populares e influyentes bandas de su tiempo, y 40 años después no ha perdido un sólo ápice de significado.
Categoría:
60's
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Vistas:
810
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
18-Ene-2010
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 El primer trabajo de Simon & Garfunkel bajo sus propios nombres editado en 1964 se considera generalmente una obra menor dentro de su discografía, pero es en su sencillez y falta de dirección una obra de arte del Folk contemporáneo. El disco se subtitula "exciting new sounds in the Folk tradition”, y esa es su mejor definición: un catálogo de canciones en tiempo presente que mira tanto hacia la rica tradición Folk Norteamericana del pasado como al futuro de la música. Un camino por el que muchos Folkies transitarían en mayor o menor medida. Pero ante la rabia contenida y la visceralidad de los cantautores del Greenwich Village Neoyorkino, S&G representaban la intelectualidad, el refinamiento y la perfección; y si bien gran parte de la comunidad Folk los rechazaba por ello, fueron precisamente esos factores que les permitieron sobrevivir y evolucionar cuando el movimiento de la canción de protesta se agotó. Volviendo al disco, las canciones de Wednesday Morning, 3AM se dividen en 3 frentes: las canciones tradicionales ('You Can Tell The World', 'Last Night I Had The Strangest Dream', 'Peggy O', 'Go Tell The Mountain'), versiones de sus contemporáneos (la infaltable versión de Dylan, en este caso 'The Times They Are A-Changin') y material propio. Y es en este último donde hay que detenerse, pues es la simbiosis perfecta entre las melodías de Paul, los arreglos vocales de Artie y la conjunción vocal de ambos donde reside el carisma especial del dueto. A excepción de la emotiva 'He Was My Brother' (el único intento del dúo por hacer una canción de protesta) son piezas que llevan el fermento del estilo compositivo de Paul que los haría célebres: las imágenes poéticas y metáforas de 'Bleecker Street' y 'Sparrow', el catálogo de lugares y situaciones de 'Wednesday Morning, 3AM'; y la guinda del pastel, la maravillosa oda a la incapacidad del hombre moderno para comunicarse con sus semejantes de 'The Sound Of Silence' en su versión acústica. Mención especial merece también un tema del que poco se habla, el maravilloso cántico religioso 'Benedictus', que muestra del enorme talento vocal de ambos y, en especial de la capacidad de Garfunkel como arreglista vocal. Lamentablemente el disco fue un pequeño fracaso a pesar de llegar al puesto 30 en los charts. Un decepcionado Paul Simon se iría a Londres, introduciéndose en la floreciente escena Folk Británica donde su sensibilidad sería mejor entendida llegando incluso a grabar su primer album como solista en 1965 (The Paul Simon Songbook) mientras que Art Garfunkel volvería a sus estudios universitarios. Pero sería un año después, gracias a una brillante jugada del productor del disco Tom Wilson que S&G ocuparían finalmente su merecido lugar en la historia de la música. Versión remasterizada en el 2001, incluye 3 bonus tracks; curiosa la primera toma de 'He Was My Brother' con armónica que supongo Tom Wilson prefirió eliminar para evitar las comparaciones con Dylan.
Categoría:
60's
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Vistas:
708
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
16-Ene-2010
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 Ravi Shankar es sin duda alguna uno de los músicos más importantes e influyentes de la música popular de la post guerra. Virtuoso del sitar su labor musical ha ido mucho más allá de propagar por el mundo tanto la música Hindú como el uso de ese complejo y cautivante instrumento musical que es el sitar. El interés de George Harrison por las formas musicales de La India lo llevó a introducir el sitar en la música de Los Beatles, aunque sería justo reconocer también el papel de otros grandes guitarristas enamorados de su sonido como Brian Jones, Dave Mason, David Lindley, Jimmy Page y Jimi Hendrix. La aplicación del sitar a la guitarra eléctrica creó el llamado efecto sitar (escuchar por ejemplo los temas 'She Said She Said', 'I´m Only Sleeping', 'Rain' de Los Beatles y los 3 albumes de la Jimi Hendrix Experience); a finales de los 60 el guitarrista Norteamericano Vincent Bell (una especie de Ray Conniff de la guitarra eléctrica) convirtió al sitar en instrumento eléctrico aunque por su complejidad no duraría mucho, sin embargo hoy en día existen modelos electrónicos compactos más fáciles de manipular y que han calado en bandas de las últimas generaciones como Crowded House, Radiohead o Kula Shaker. Obviamente Shankar se benefició de toda la publicidad que le proporcionó su asociación con George Harrison y del interés que esta dupla despertó en la comunidad musical, pero a la postre fueron su calidad, su virtuosismo y su exótico carisma los factores fundamentales de su éxito, que le llevaría a actuar en el legendario Festival de Monterey en 1967 donde alcanzó no sólo su consagración personal sino que ascendió a la categoría de músico influyente en la esfera Pop. Muchos habrán visto su actuación en la famosa película documental sobre el festival donde Shankar arrancó la estela de aplausos más grande de ese evento (más que los propios Jimi Hendrix y Big Brother & The Holding Company con Janis Joplin al frente). Lanzado originalmente a finales de 1967 y remasterizado en 1998 como parte de The Ravi Shankar Collection del sello Británico Angel Air, Live at The Monterey International Pop Festival recoge la actuación completa del segundo de los 2 recitales que Shankar ofreció en aquel Festival. Lo que Ravi y sus músicos ofrecieron en esa oportunidad se le conoce como Raga. Para los no o poco entendidos (entre los cuales me incluyo) una raga es una especie de suite en 3 movimientos donde el factor preponderante es la improvisación, algo muy similar a lo que en el argot del Jazz y el Rock se llama jam. La primera parte o movimiento suele ser calmado y apacible, donde las notas poco a poco van creando un efecto hipnótico al que se le ván uniendo lentamente los demás instrumentos alcanzando cotas elevadas y llenas de espiritualidad; la segunda parte está formada por un solo de tabla (el instrumento de percusión más característico de la musica Hindú) sobre el cual el sitarista hace una especie de scat con su voz en duelo con la percusión; y la tercera y última parte donde todos los elementos del ensemble explotan al unísono en una febril jam con los instrumentos dialogando entre sí y creando, en oposición a la primera parte de la raga, una catársis sónica llena de intensidad. La música Hindú no es fácil de asimilar pues rompe con todos los esquemas musicales que conocemos, pero cuando logras comprenderla y dejarte atrapar por ella puede convertirse en una de las más grandes satisfacciones de tu vida, y que mejor manera de hacerlo que de la mano del maestro de maestros: el gran Ravi Shankar.
Categoría:
60's
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Vistas:
865
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Agregado por:
Aldoux
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Fecha:
26-Jun-2009
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