 Electric Ladyland fue el disco crucial de la Jimi Hendrix Experience por ser el broche de oro de la magnífica trilogía de albumes que cambiaron la faz del Rock pero también por marcar el fin de una de las formaciones más influyentes de su tiempo. Para empezar este es el primer disco producido por Jimi; Chas Chandler había hecho un brillante trabajo con los 2 primeros pero habiendo sido miembro de The Animals (cuya carrera en su primera etapa estuvo orientada a los singles) tenía una visión convencional de la producción y Hendrix necesitaba expresarse dentro de un contexto más amplio. Por otra parte la banda estaba física y psicológicamente agotada por las largas giras (en EUA llegaron a pisar 47 ciudades en 54 días) y siguiendo el ejemplo de Los Beatles, Hendrix deseaba concentrarse más en los estudios de grabación; además él buscaba deshacerse deL papel de showman y ansiaba ser apreciado por su arte y no por su imagen. Las sesiones comenzaron en los Olympic Studios de Londres en Enero de 1968 y ya entonces era obvio que la química entre Jimi y Chas se había esfumado. El dinero no era obstáculo pues la Experience era ya una banda exitosa con ganancias de millones de Dólares y Hendrix estaba dispuesto a pasar en el estudio el mayor tiempo posible grabando todas las tomas que considerara necesarias sin escatimar en gastos, además su constante creatividad lo conducía a improvisar libremente lo que chocaba con los rígidos esquemas de Chas. Quizá con la intención de asumir el control de la grabación el trabajo se trasladó en la primavera de 1968 a Nueva York en los recién abiertos Record Plant Studios. Estando a pocas cuadras de los más célebres clubes de la ciudad Jimi invitaba a Record Plant a sus amigos músicos y las sesiones transcurrían con el estudio repleto de gente, lo que exasperaba a Chas quien al final sintiéndose un estorbo renunció a la producción y vendió su participación a su socio Michael Jefferey. El bajista Noel Redding coincidía con Chandler en cuanto a grabar interminables tomas; las discrepancias con Hendrix eran cada vez mayores y la gota que derramó el vaso fueron unas declaraciones de Jimi donde habló de expander la banda con la incorporación de su amigo Billy Cox entre otros. Enfurecido Noel faltaba a las sesiones y el propio Jimi tocó la mayoría de las partes de bajo (concretamente en 9 de los 16 temas finales). Bajo estas premisas resultaba obvio que no habría otro disco de la Experience, aunque al año siguiente se reunieron para tratar de hacer un cuarto disco. Por tanto Electric Ladyland quedó para la posteridad como el cierre de una etapa y un punto de inflexión importante en la carrera de Jimi Hendrix. Los siete temas con Noel Redding al bajo (casualmente los únicos grabados con alguna dirección de Chas Chandler) aportan nuevos clásicos al ya amplio catálogo de joyas Hendrixianas: en la vibrante 'Crosstown Traffic' (con Dave Mason de Traffic en el coro) Jimi canta en su ya habitual estilo una letra llena de alegorías para comparar a la mujer con un atasco de tráfico ("Es tan difícil pasar a través de tí") mientras replica la parte de guitarra con un kazoo (una especie de armónica casera hecha con un peine envuelto en papel). 'Little Miss Strange' fue el segundo y último aporte de Noel Redding en un album de la Experience, otra muestra de Power-Pop sin pretensiones pero agradable de escuchar; curiosamente son Noel y Mitch Mitchell quienes la cantan a dúo. La versión de 'Come On (Let The Good Times Roll)' del Bluesman Earl King y la pieza original 'Gypsy Eyes' son dos de los momentos más compactos del album; en la primera se aceleró notablemente el tempo para darle un tono menos Blues y más Rockero mientras que la segunda fue la pieza más dura de grabar (casi 50 tomas para que Jimi se declarara satisfecho) y contiene algunas de las partes de guitarra más complejas tocadas por Hendrix que contrastan con su ritmo accesible. 'Burning Of The Midnight Lamp' data de las sesiones para Axis y posee una maravillosa aureola mística muy emotiva reforzada por el clavicordio y los etéreos coros del grupo vocal The Sweet Inspirations. 'House Burning Down' representa una de esas raras ocasiones en la obra de Hendrix donde la historia se sobrepone a la música, una historia donde se funden imaginería psicodélica con cierto comentario social (las "casas que se derrumbaban en llamas" eran las de los campesinos negros hostigados por el ku-klux-klan). 'Voodoo Child (Slight Return)' cierra el album con su intenso trance sonoro y se convertiría en uno de los momentos culminantes en los recitales de Jimi donde la orgía guitarrística y percusiva llegaba a alcanzar los 17 minutos de duración. Pero los méritos de Electric Ladyland no terminan aquí y es en varias de las restantes piezas donde destaca el Jimi Hendrix buscador de nuevos horizontes, como en la inicial 'And The Gods Made Love', pieza hecha a base de fragmentos de cintas reproducidas a diferentes velocidades y que se adelantó en varios años al concepto electrónico de Tangerine Dream y demás. Este tema se enlaza inmediatamente con 'Have You Ever Been (To Electric Ladyland)', una soprendente pieza con Hendrix haciendo todas las voces y que suena como un cuarteto vocal de Soul tras ingerir LSD. 'Voodoo Chile' es para muchos la punta de diamante del disco, un soberbio blues eléctrico donde Jimi traspasa los límites prestablecidos para ofrecer uno de sus más impresionantes trabajos de guitarra y muestra además su talento para escribir letras llenas de ácida fantasía ("La noche que nací, Señor/ juro que la luna se tiñó de rojo vivo/ mi pobre madre gritó '¡Dios, la gitana tenía razón!'/ y la ví caer al suelo muerta/ los leones de la montaña me encontraron allá a la espera/ me pusieron sobre las alas de un águila que me llevó más allá del infinito/ y tras haberme llevado de vuelta/ me dió el anillo de la hechicera de Venus"). la absorbente ejecución de Mitch Mitchell es sencillamente espectacular, Jack Cassidy de Jefferson Airplane toca un estupendo bajo con espectral precisión mientras Stevie Winwood (entonces en Traffic) borda una increíble parte de órgano que dialoga en perfecta simbiosis con la guitarra de Jimi. En 'Long Hot Summer Night' (con Al Kooper al piano) Jimi retoma sus raíces de Rhythm & Blues mientras que en la magnífica 'Rainy Day, Dream Away' y su secuela 'Still Raining, Still Dreaming, grabadas con músicos diferentes (Buddy Miles, el percusionista Larry Faucette, el saxofonista Freddie Smith y el organista Mike Finnigan), Jimi explora nuevamente el terreno del Jazz pero desde una óptica menos purista y más cercana a lo que se conocerá años despúes como "Fusion". En 'All Along The Watchtower' Jimi logra de manera magistral "apropiarse" de un tema de su ídolo Dylan para ofrecer la que seguramente es la versión definitiva de este tema acompañado por su amigo Brian Jones (de Los Stones) a la percusión y Dave Mason a la guitarra acústica de 12 cuerdas. Pero Jimi no quiere dejar de sorprendernos y lo demuestra en la mejor pieza de este trabajo, la magistral '1983...A Merman I Should Turn To Be'; aquí se funden el Free-Jazz, la experimentación electrónica y el vanguardismo para ilustrar la historia sobre un mundo del futuro al borde de la destrucción en la cual el protagonista y su mujer tienen una visión donde se imaginan viviendo en el fondo del mar para huir del inminente holocausto; Chris Wood de Traffic toca aquí la flauta ayudando a crear con ella un delicioso ambiente submarino. Mención especial merecen los imprescindibles aportes de Mitch Mitchell, quien con sus grandes dotes para la improvisación y perfecto sentido del tempo se erige como pieza vital en el logro de esta pieza de ribetes épico-fatalistas. En resumen, un album que representa la validación de Jimi Hendrix no sólo como guitarrista sino como artista en general y que trasciende los límites del Rock para erigirse en indiscutible obra maestra de la música contemporánea. Uno de esos discos obligados para llevarse a la concurridísima isla desierta en caso de naufragio.
Categoría: 60's |
Vistas: 798 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 25-Sep-2011
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 El lanzamiento de Are You Experienced? en Mayo de 1967 convirtió a Jimi Hendrix y a The Experience en el fenómeno musical de aquel año superado sólo por la aparición de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 3 semanas después. La cotización del trío se disparó aún más con su legendario show en el Monterey Pop Festival en Junio del mismo año que les abrió las puertas de Norteamérica de par en par; la demanda de nuevas grabaciones se hizo imperativa y Track Records (la disquera propiedad de The Who que los manejaba en Gran Bretaña) presionó para que el album coincidiera con la temporada navideña. A pesar que se hizo en poco más de 1 mes (Octubre 1967, aunque algunas piezas databan de Mayo-Junio) Axis: Bold As Love no fue precisamente fruto de la premura. Todos parecían haber sido tocados por una varita mágica: Jimi se volcó aún más sobre las infinitas posibilidades que ofrecían los estudios de grabación Ingleses (técnicamente inferiores a los Norteamericanos pero con gente llena de creatividad e ingenio en el aprovechamiento los recursos disponibles) a la vez que buscaba nuevas maneras de expresión como guitarrista; tanto el propio Hendrix como Redding y Mitchell estuvieron abiertos a toda clase de sugerencias a la vez que probaban con instrumentos diferentes mientras que el ingeniero de sonido Eddie Kramer ensayaba nuevas técnicas para grabar y mezclar. Y con Noel y Mitch más involucrados en los detalles (el anterior album fue prácticamente obra de Hendrix y Chas Chandler en cuanto a arreglos) el resultado tenía mayor entidad colectiva. La profusión de efectos de estudio le dió a las canciones una aureola más "psicodélica" que sin embargo los hacía casi imposibles de reproducir en vivo, y aunque por esta razón Axis: Bold As Love produjo menos temas conocidos poseía una mayor homogeneidad y representó también un neto paso adelante respecto al debut. Ya desde el tema de apertura no hay dudas que se trata de un album diferente. 'EXP' es una corta pero divertida representación donde un locutor radial (Mitch) interroga a su invitado Paul Caruso (Jimi) sobre los OVNIS y resulta que el propio Mr. Caruso es un extraterrestre; Jimi utiliza el feedback para emular el despegue de una nave espacial en un episodio que pone en fila tras él a cuanto guitarista eléctrico había entonces (no hay efectos de estudio aquí, es sólo Hendrix y el feedback de su guitarra). El espacio exterior siempre ejerció una gran fascinación sobre Jimi que quedó plasmada en muchas de sus letras como en 'Up From The Skies' que trata sobre un alienígena que regresa a La Tierra varios siglos despúes de su primera visita; el corte es puramente Jazzístico y Mitch Mitchell demuestra sus conocimientos de Jazz tocando impecablemente la batería con las escobillas (brushes). La mayoría de las piezas son cortas, melódicamente muy sencillas pero bien estructuradas y ricas en detalles como 'Spanish Castle Magic' donde el trío marca el riff al unísono de manera obsesiva con un estupendo break rematado por el solo de Hendrix. 'Wait Until Tomorrow' tiene un andar alegre casi Pop, inusuales armonías vocales (de Noel y Mitch) y coloridas figuras guitarrísticas de aires Soul; aquí Jimi no ejecuta ningún solo y es Mitchell quien prácticamente actúa como solista. 'Ain´t No Telling' ofrece un veloz duelo entre la guitarra de Hendrix y la batería de Mitchell quien toca con una precisión admirable demostrando por qué es uno de los grandes bateristas del Rock & Roll. La estupenda 'You Got Me Floatin' se inscribe dentro de la Psicodelia más Heavy a base de un beat incisivo, sorprendentes líneas de bajo de Redding (quien usa un modelo de 8 cuerdas en casi todo el album), efectos y varias pistas de guitarra sobrepuestas; Roy Wood y Trevor Burton de The Move hacen los coros. 'She´s So Fine' escrita y cantada por Noel Redding es reminescente de su pasado Pop con The Loving Kind (su primera banda profesional donde era guitarrista) nuevamente gracias a los coros y la melodía pero que en las manos de la Experience apunta hacia el más puro Hard Rock (excelente punteo de Jimi en la mitad). 'Little Miss Lover' es dura y martilleante, aquí Jimi utiliza el pedal wha wha de una manera que sería amplimente imitada por muchos guitarristas. El resto del album nos regala alguno de los momentos cumbre no sólo de la discografía Hendrixiana sino de la Psicodelia en general en las piezas más trabajadas de Axis. 'Little Wing' es sencillamente sublime, una hermosa balada psicodélica donde Hendrix dibuja en el aire delicados fraseos mientras Mitchell ejecuta una contramelodía en el Glockenspiel dándole a la pieza un aura casi mística. 'If Six Was Nine' es un auténtico tour-de force: nuevamente un riff marcado al unísono por Jimi Noel & Mitch, cambios de ritmo, Jimi alternando el canto con partes recitadas, el soberbio break instrumental con Mitchell llenando los espacios y el sonido de un recorder (flauta de madera) en la coda, todo envuelto en una densa nube de ácido. Uno de los aspectos resaltantes de esta y otras piezas Hendrixianas en la utilización de la voz por parte de Jimi; obviamente no es un "cantante" en el sentido convencional pero su estilo heredado de los talking-blues de Bob Dylan alcanza las mismas cotas de expresividad que con la guitarra. La letra es también muy buena donde Hendrix reivindica su individualidad como artista y ser humano negándose a ser encasillado en los clichés de la contracultura, algo que siempre se había encargado de aclarar en las entrevistas. 'Castle Made Of Sand' es uno de los grandes clásicos del disco y un collage de las habilidades de Jimi con la guitarra; se inicia con un riff de metálicas figuras entrecortadas para dar paso a limpios acordes Jazzísticos, solos en reverso con efecto sitar y vuelta al riff inicial con las notas que asemejan a una bandada de aves que se pierden en la lejanía. La letra expone algunas metáforas sobre los sueños que se derrumban como castillos de arena por la mano del destino y confirma el talento de Jimi como autor. 'One Rainy Wish' arranca con una delicada melodía de escalas orientales rota por todo el peso de la banda en una interpretación llena de emotividad. El tema de cierre 'Bold As Love' es otra demostración del alto perfeccionismo de Jimi en el estudio; según Noel Redding la pieza salió en la primera toma pero se necesitaron 26 más para que Hendrix quedara satisfecho con ella; Jimi le agregó al final clavicordio y una segunda parte de bajo mientras Eddie Kramer y su asistente George Chkiantz procesaron el sonido de la batería con un efecto "phasing" que también fue ampliamente copiado a posteriori. Axis fue un éxito en Inglaterra, el resto de Europa y EUA donde el lanzamiento se pospuso algunos meses para no estorbar las excelentes ventas del anterior disco. El enorme suceso hizo que la Experience se lanzara en una ruleta Rusa de agotadores tours que los convirtió en uno de los más grandes y solicitados espectáculos del Rock pero que lamentablemente puso a prueba la resistencia física y mental de los 3 músicos. La presente es la edición remasterizada de 1997 (sónicamente idéntica a la reciente Deluxe Edition) a la que le agregué el documental que viene con la edición del 2010 y que resulta tan fascinante de apreciar como la fantástica música del album, toda una obra maestra del Rock de todos los tiempos.
Categoría: 60's |
Vistas: 865 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 23-Sep-2011
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 Tras la ruptura de The Animals en 1966 el bajista Chas Chandler viajó a Nueva York a comienzos de Septiembre de ese año para cambiar de aires y repensar su futuro. Un día conoce a Linda Keith (entonces novia de Keith Richards de Los Stones) y ella le recomienda ir al Café Wha? para echarle un vistazo a un fenomenal joven guitarrista negro que se presentaba bajo el nombre de Jimmy James & The Blue Flames. Ese joven era James Marshall "Jimmy" Hendrix. Impresionado con su innovador sonido y estilo Chas asistió a diario al club y en la medida que conversaban y se hacían amigos Chas maduraba la idea de llevárselo a Londres. A pesar de su talento Hendrix en Nueva York era uno del montón; no había otro guitarrista como él claro está pero los jóvenes Norteamericanos estaban embelesados con las nuevas estrellas Británicas y las disqueras no iban a poner sus ojos precisamente en ese chico que parecía la rencarnación Hippie de T-Bone Walker. En cambio en la escena Londinense más abierta a las novedades su éxito estaba garantizado. Cuando finalmente Chandler le hizo la propuesta a Jimmy este lo meditó y puso como única condición que al llegar a Inglaterra se lo presentaran a Eric Clapton, el rey de los guitarristas Ingleses. Chas sonrió y dijó que cuando Clapton lo escuchara sería este quien pediría conocerlo y con su nombre acortado a "Jimi" por sugerencia de su flamante manager Hendrix partió para Europa. Una vez en Londres Chandler se dedicó a buscar músicos que sirvieran de respaldo a su protegido. Un día se presentó en su oficina un chico llamado Noel Redding pidiendo tocar en la audición para el puesto de guitarrista en The New Animals; la vacante ya había sido tomada pero Chas le prestó su bajo a Noel y le sugirió encontrarse con Hendrix. Era la primera vez que Redding tocaba un bajo pero a Jimi le gustó. Para la batería Chandler tenía los ojos puestos sobre John "Mitch" Mitchell y en cuanto se enteró que Georgie Fame lo había echado de su banda le pidió que se uniera a Hendrix y Redding. La química entre los tres fue instantánea: había nacido la Jimi Hendrix Experience. Hago esta introducción en este nuevo aniversario de la desaparición física de nuestro querido Jimi para dejar en claro algunos aspectos algo confusos con respecto a su leyenda: en primer lugar, aunque The Experience se ideó como la banda de acompañamiento de Jimi se convirtió en una entidad autónoma que dejó su propio legado musical; no es lo mismo Jimi Hendrix que The Jimi Hendrix Experience. En segundo lugar aún cuando Hendrix era Estadounidense The Experience fue un fenómeno musical Británico; el poner a 2 músicos blancos junto a Jimi fue una jugada maestra de Chandler pues evitó que Hendrix fuese encasillado como "negro" o "Norteamericano", además fue en la efervescencia de la Psicodelia Británica que el guitarrista consolidó definitivamente su estilo. Por último hay que aclarar que Jimi nunca fue un virtuoso, su talento no se medía por la velocidad sobre el mástil ni por aspectos puramente técnicos (por ejemplo, solía usar la guitarra ligeramente desafinada) sino por su inventiva; Jimi era un estudioso de los sonidos con un dominio abosoluto de las tonalidades que le permitió controlar el feedback y la distorsión a su antojo y utilizarlos como recurso para producir "música". En sus manos la guitarra trascendía su función primaria para convertirse en un kaleidoscopio sónico de inagotable riqueza capaz de ofrecer texturas y "sensaciones sonoras" inimaginables. Es verdad que otros guitarristas ya venían transitando por esos caminos (Dick Dale, Jeff Beck) pero fue Jimi Hendrix el primero en alcanzar la perfección absoluta. Traigo esto a colación porque Jimi también tiene sus detractores que lo consideran un músico sobrevalorado y que ponen como contraejemplo de auténtica calidad a super guitarristas como Eddie Van Halen, Steve Vai, Joe Satriani o Yngwie Malmsteen; en mi opinión cada artista debe ser valorado en el contexto de su propia época y la realidad es que tuvo que haber primero un Jimi Hendrix para que luego los Van Halen, Vai, Satriani y Malmsteen existieran y desarrollaran su innegable virtuosismo y talento valiéndose, por cierto, de adelantos técnicos que su maestro no tuvo. Pero ¿no iba a ser esta una reseña de Are You Experienced?... bueno pero ¿qué se puede decir de un album del que está todo dicho?. Baste decir que Are You Experienced? fue una obra que sacudió los cimientos del Rock en 1967 y que 44 años constituye una pieza de invaluable arqueología musical. Si Hendrix hubiese muerto después de grabarlo su papel como uno de los músicos más grandes de la historia sería el mismo. AYE no sólo redefinió la figura del guitarrista de Rock sino que fué también fundamental en la transición del Rock And Roll hacia el vanguardismo y el progresivismo. Junto con Cream The Experience sentó el patrón para el florecimiento de los power-tríos (formaciones de 3 miembros) pero a diferencia del trío de Clapton/Bruce/Baker donde cada uno de los miembros jalaba por su lado la Jimi Hendrix Experience trabajaba como un ensemble orgánico a pesar del obvio protagonismo de Jimi. El repertorio está lleno de joyas para la posteridad como 'Purple Haze' cuyo riff formaría parte del vocabulario de todos los futuros Heavy Rockers o la envolvente densidad de 'Manic Depression' y 'Love Or Confusion'. 'Fire' hace honor a su título siendo una pieza abrasiva tocada con impecable perfección rítmica. Hendrix muestra su lado más melódico en 'May This Be Love', tema de una sinuosidad hipnótica con bellísimas figuras de guitarra y la hermosa balada psicodélica 'The Wind Cries Mary'. 'Third Stone From The Sun' es de una musicalidad mágica y etérea; en ella el trío explora las fronteras que separan al Rock del Jazz antes que el propio Miles Davis, mientras que en el tema homónimo Jimi se vale de los más variados recursos de estudio (pistas en reverso, efecto sitar, cintas a velocidad variable) para crear toda una sinfonía psicodélica que representa un paso de gigante para la evolución del Rock. Como apuntaba anteriormente gran parte de los logros son mérito de la mágica interacción entre Jimi y sus músicos; Mitch Mitchell es un baterista poliédrico que toca con la inagotable energía de keith Moon pero que gracias a su background Jazzístico amplía su estilo con gran elegancia y fantasía. Noel Redding se revela como un bajista sorpresivamente bueno, perfecto en la división rítmica e impecable en su papel de perno alrededor del cual giran Jimi y Mitch en los puentes instrumentales. El album se lanzó originalmente en 2 versiones: Británica y Norteamericana; en esta última se sustituyeron los temas 'Red House', 'Can You See Me' y 'Remember' por los singles Ingleses 'Hey Joe', 'Purple Haze' y 'The Wind Cries Mary', además de las portadas. Para este post utilicé el remaster de 1997 (portada y selección Norteamericana) y le agregué el documental The Making Of Are You Experienced? tomado de la Deluxe Edition de 2010 (portada y selección Británica). Como las dos ediciones tienen 6 bonus tracks ambas se equivalen y ofrecen los mismos temas con la misma calidad de sonido. Un clásico y una joya no sólo del Rock sino de toda la música.
Categoría: 60's |
Vistas: 948 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 17-Sep-2011
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 El debut homónimo de The Allman Brothers (Noviembre de 1969) es uno de los albumes más importantes e influyentes de su tiempo. No sólo constituyó una ventana a los nuevos sonidos provenientes del sur de EUA sino también una obra capital en la evolución del Blues blanco en Norteamérica. Si bien artistas como Paul Butterfield, Mike Bloomfield o John Hammond Jr. ya venían trabajando en la difusión del Blues usando el Rock como plataforma, su labor se centraba en la vertiente eléctrica y urbana del blues venida de Chicago; en cambio gente como Johnny Winter o los Allman traían una nueva música arraigada en la rica tradición del sur e impregnada de la más pura esencia del Blues sureño y la expandieron por todo lo ancho y largo del territorio Norteamericano. Si bien la producción del Inglés Adrian Barber (ingeniero de sonido que había grabado a Buffalo Springfield, Cream y Velvet Underground) no satisfizo a los músicos, la calidad del material y de las interpretaciones subsanan con creces ese detalle además de introducir soluciones novedosas como el uso de dos guitarras solistas y dos bateristas. Aunque con estilos distintos Duane Allman y Dickey Betts se complementaban a la perfección tocando al unísono (mucho del repertorio Allman se inicia con su característico doble punteo de guitarra más tarde explotado por gente tan dispar como Wishbone Ash, Thin Lizzy o Iron Maiden), alternándose en los solos o simplemente cubriéndose mutuamente. Butch Trucks y "Jaimoe" Johanson también tocaban en perfecta sincronía como si el uno fuera el segundo brazo del otro logrando un soporte multicolor que se ampliaba cuando Jaimoe se pasaba a las congas dándole a la música un aire involuntariamente Santanesco. Greg Allman era el cantante, principal autor y tocaba el órgano con estilo solemne y secular que amalgamaba el trabajo de los solistas mientras que Berry Oakley tocaba el bajo con precisión, solidez y un gran sentido melódico. El incio de album es espectacular con una versión instrumental de 'Don´t Want You No More' (original del Spencer Davis Group) donde confluyen todos los elementos característicos del sonido Allman (la entrada al unísono de las guitarras, el solo de órgano de Greg, lo solos alternados de Duane y Dickey, la doble batería y la percusión de Jaimoe todos con el eficaz respaldo de Berry) y que enlaza magistralmente con el siguiente tema, un lento e intenso Blues original ('It´s Not My Cross To Bear') con Greg exhibiendo su poderosa voz llena de inflexiones negroides y el contraste de los estilos de Dickey y Duane en los solos (más crudo el primero, más elegante el segundo). 'Black Hearted Woman' y 'Every Hungry Woman' son muy similares con las guitarras dobles volando sobre el trepidante tapete percusivo, los riffs del órgano y la voz rocosa de Greg. La versión de 'Trouble No More' de Muddy Waters es otro de los grandes momentos con su sinuoso andar, el potente solo de Dickey a la mitad y Duane respondiendo a la voz de Greg con estupendos fraseos de slide. La maravillosa 'Dreams' es el punto álgido del disco, toda una lección de trabajo colectivo, una estructura Jazzística y tempo de vals sobre la cual Duane ofrece una de sus más finas e inolvidables interpretaciones sacando de su guitarra sonidos de una belleza etérea y alcanzando cotas casi espirituales. 'Whipping Post' cierra el disco con la inconfundible entrada cargo de Berry, todo un derroche de fuerza que se convertiría en un clásico inamovible del repertorio por sus infinitas posibilidades en términos de solos e improvisación. Publicado casi un año después (Septiembre de 1970) el segundo album Idlewild South fue un notable avance respecto al anterior, las virtudes del sonido Allman siguen ahí pero la producción del legendario Tom Dowd es estupenda logrando un sonido igual de vibrante pero con mayores matices. El debut de Dickey Betts como compositor aporta más variedad al material: la inicial 'Revival' es la mayor novedad del disco, un tema de raíces Folk y Country cargado de guitarras acústicas, armonías vocales y un break donde cada músico hace un brevísimo solo con su instrumento. La otra pieza de Dickey es 'In Memory Of Elizabeth Reed', otro de los grandes caballos de batalla en los recitales, magnífico instrumental inspirado en el Jazz (en varias partes he leído que fue un tributo a Miles Davis) con un efectivo cambio de ritmo en clave Funk/Latino e impecable trabajo colectivo. Para no quedarse atrás Greg aporta algunas de su más célebres composiciones: 'Don´t Keep Me Wondering' se graba en la mente gracias a los fraseos de armónica del invitado Thom Doucette, la brillante slide de Duane y el crescendo del órgano en el estribillo. 'Midnight Rider' es de una belleza indescriptible, otra pieza de sabor Country hermosamente cantada por Greg y Berry en las armonías que se convertiría en el tema más versionado del catálogo Allman. La versión de 'Hoochie Coochie Man' de Willie Dixon es una de las mejores covers de un clásico del Blues jamás grabadas, el trabajo de la banda es impecable logrando una tensión sónica casi asfixiante y la vocalización de Berry es absolutamente perfecta llena de garra y feeling. La solemne 'Please Call Home' y la vibrante polirritmia de 'Leave My Blues At Home' cierran el disco de manera magistral dejando en el aire la promesa de grandes cosas por venir. Si bien vendieron muy modestamente fuera de las zonas del Sur, ambos albumes fueron la base de sus estupendas presentaciones, recitales que hicieron correr el nombre Allman Brothers de boca en boca por toda la nación, y en este aspecto la afición de la banda por las largas giras sería determinante. En 1973 ambos albumes fueron reditados en un doble LP titulado Beginnings para llenar el vacío que hubo entre la muerte de Berry y el lanzamiento de Brothers And Sisters, entonces Allman ya era toda una leyenda y ambos discos tuvieron la enorme recepción que ya merecían en su momento. Quizá muchos preferirán tener los dos albumes individualmente pero para mí ambos son inseparables y tenerlos en un solo CD es toda una bendición.
Categoría: 60's |
Vistas: 979 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 22-May-2011
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 Como apuntaba en el post anterior Johnny Winter pasó sus años formativos (1959-1968) recorriendo su Texas natal y zonas aledañas tocando en cuanto tugurio le permitiera enchufar su guitarra Fender, escuchando y haciendo jams con músicos de color para empaparse de Blues, actuando con anónimas bandas e incluso grabando. Para la posteridad quedaron algunas sesiones y un puñado de canciones grabadas para oscuros sellos Texanos y salvo un par de singles nada de ese material vió la luz entonces. Dispuesto a salir del anonimato Johnny formó un trío con el bajista Tommy Shannon y el baterista John "Red" Turner (también conocido como "Uncle" John), se asentó en la ciudad de Austin, se cortó el pelo estilo Byrds y se vistió con ropas Hippies. En poco tiempo el trío comenzó a ganar reputación con su potente Rock Blues convirtiéndose en la sensación del club Vulcan Gas Company; atraído por los entusiastas comentarios sobre Johnny e impresionado tras verlo tocar, el dueño del pequeño sello local Sonobeat llamado Bill Josey lo contrata y en una sesión nocturna en el Vulcan, sin público, Josey y su ingeniero de sonido Rim Kelley grabaron 10 temas con miras a un album. El LP resultante (conocido sólo como "Winter") no salió oficialmente; Sonobeat lo vendía por correo y Bill distribuyó copias entre los DJ's (el vinilo enfundado en una anónima portada blanca) con fines promocionales. El enorme éxito de su debut con Columbia en 1969 hizo que todas las pequeñas disqueras para las que Winter había grabado salieran como locas a publicar sus primeros registros (o venderlos a casas más grandes) y el mercado Americano se vió inundado de repente con albumes como "First Winter", "About Blues", "The Johnny Winter Story", "Beginnings 1960-1967" o "Early Winter", los suficientes para confundir a los fans que desesperados no sabían cuál comprar. Para entonces Sonobeat había vendido el disco a otro sello más grande de nombre Imperial que lo puso en circulación como The Progressive Blues Experiment. Traigo el relato a colación pues si bien TPBE se lanzó un mes antes no suele considerarse como el primer album oficial de Johnny Winter pues inicialmente no entró en las estadísticas oficiales de la RIAA y por tanto no se incluyó en los charts de Billboard a pesar de llegar al puesto N° 40. Sea como sea The Progressive Blues Experiment no sólo es el único de todos esos lanzamientos que se sostiene musicalmente sino que es uno de los más queridos entre los seguidores de Johnny. Es un disco que a pesar de la falta de una producción formal y de las condiciones casi fortuitas bajo las cuales se grabó muestra todo el alcance del talento de Johnny Winter: estupendo guitarrista con gran dominio del slide, dueño de una gran capacidad interpretativa, demostrando además ser uno de los músicos blancos que mejor supo captar la auténtica esencia Bluesística y traspolarla al Rock & Roll. El contenido es muy similar al que incluiría en su primer album con Columbia, diez temas que son todo un derroche de fuerza, clase y feeling, mas no obstante el torrente eléctrico que sale de su guitarra las piezas suenan auténticas y fieles a la esencia primordial del Blues, y es ahí donde radica su mayor virtud. Vibrantes versiones de 'Rollin´ And Tumblin´' (de Muddy Waters), 'Help Me' (Sonny Boy Williamson), 'It´s My Own Fault' (B.B. King) y la pieza tradicional 'Broke Down Engine' se alternan con temas propios que no desmerecen junto a los clásicos como el apasionado tributo a su ídolo en 'Tribute To Muddy', la estupenda 'Mean Town Blues' y la acústica 'Black Luck And Trouble' donde Johnny demuestra su profundos conocimientos sobre Blues tradicional. La presente edición fue remasterizada en 2005 utilizando tecnología de 24bits logrando resultados más que notables, lástima que la información sea tan escueta.
Categoría: 60's |
Vistas: 1221 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 26-Abr-2011
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Aunque históricamente marcado con la ingrata etiqueta de "obra de transición" Benefit fue un album importantísimo en la evolución de Jethro Tull hacia su cima creativa en los 70. La incorporación del tecladista John Evan (inicialmente sólo temporal) se reveló clave en la maduración estilística de la banda. Su presencia en Benefit no tuvo el brillo que mostraría en los albumes sucesivos pero la labor de Evan enriqueciendo las texturas de los temas permitió a Martin Barre desarrollar ampliamente su labor solista dotando a JT con un sonido más sólido y compacto que rompía defintivamente lazos con el pasado Jazz/Blues pero sin descuidar el aspecto lírico. El resultado fue una colección de canciones con menor profusión de estilos que en Stand Up pero más homogéneas y de mayor impacto global gracias al contraste entre la tensión rítmica de Cornick/Bunker junto a los riffs de Barre por un lado y el rico entramado de las melodías trazado por Ian Anderson con la guitarra acústica con el apoyo de los teclados por el otro. El tema de apertura 'With You There To Help Me' es claro ejemplo de lo expuesto, una melodía Folk conducida por Anderson y acentuada por los duros riffs de Barre que se desliza al final en una coda cargada de intensidad instrumental; la pieza cuenta además con una curiosa parte de flauta en reverso que le otroga un vago y delicioso aire psicodélico. El siguiente 'Nothing To Say', es sin duda uno de los mejores temas del disco, una hermosa melodía cantada con un tono de melancolía y con el trío Barre-Cornick-Bunker pisando el acelerador en los estribillos logrando contrastes de alta emotividad. El prodigio se repite en la estupenda 'Alive And Well And Living In' donde John Evan traza unas hermosas figuras Jazzísticas con el piano por debajo de la guitarra acústica y la flauta. 'For Michael Collins, Jeffrey And Me' (dedicada nuevamente a su amigo Jeffrey Hammond), 'Inside' y 'Sossity, You're A Woman' muestran el lado más relajado y melódico de Jethro Tull, especialmente la última que cierra el disco, una brillante balada acústica rica en detalles que a mi juicio merece ser recordada entre sus más grandes creaciones. En contraparte el lado más visceral queda plasmado en 'Son' (el tema menos conviencente, con un riff duro hasta la suciedad y un interludio acústico que suena fuera de lugar), la brillante 'To Cry You A Song' destinada a convertirse en uno de sus grandes clásicos, 'A Time For Everything?' y la soberbia 'Play In Time', pieza que al igual que la anterior 'To Cry You Song' conjuga ya todos los elementos que moldean el característico estilo Tull y que cuenta además con una pista de guitarra procesada (en reverso y acelerada hacia adelante). En la letra Ian expone su desencanto hacia los críticos musicales, postura que con los años se tradujo en fuertes roces y duros epítetos hacia la prensa. Ya antes de su lanzamiento JT se embarcó en un intensivo tour de 30 semanas por EUA con esporádicos saltos a Europa (uno de ellos fue la legendaria actuación en la isla de Wight en Agosto 1970), cuando Benefit salió en Norteamérica el mes de Abril ya el público conocía las canciones ayudando a empujar el disco hacia el puesto N° 11 (en Gran Bretaña se publicó 10 días después y llegó al puesto N° 3). Previamente la banda tuvo un éxito importante en EUA con el tema 'Teacher' (b-side de 'Witch´s Promise') razón por la que se incluyó en la edición Norteamericana en lugar de 'Alive And Well And Living In'. Culminada la gira en Diciembre de 1970 Glenn Cornick se marchó para formar Wild Turkey; al parecer Glenn era un hombre de excesos y chocaba con el estilo de vida sano de los Tull (Ian Anderson y Martin Barre rechazaban vehementemente las drogas y el alcohol) y aunque se dice que Ian lo echó lo cierto es que un año después Wild Turkey era telonero en las giras de Jethro Tull por Europa. Como no tengo la edición remasterizada utilicé en este post el CD Inglés de 1997 en formato mini-replica (que suena muy bien) y le agregué los 4 bonus tracks que tenía guardados por ahí (los singles 'Singing All Day', 'Witch´s Promise', 'Just Trying To Be' y 'Teacher'). Para algunos un disco menor pero que en mi humilde opinión es capaz de codearse sin complejos con sus obras más conocidas.
Categoría: 60's |
Vistas: 1326 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 02-Abr-2011
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Poco después del debut discográfico de Jethro Tull Ian Anderson comenzó a trabajar en el material para el siguiente album. This Was fue bien recibido y profusamente alabado por su originalidad y Jethro Tull pasó a ser una de las más grandes promesas en la escena Británica, no obstante esto no era suficiente para Anderson. Siendo un músico de amplio criterio él deseaba explorar otros estilos y territorios pero tenía un obstáculo en el guitarrista Mike Abrahams. Mike era un purista y quería mantenerse dentro de los parámetros de This Was (Blues y Jazz en un contexto de Rock), esto ocasionó un enfrentamiento entre ambos polos que culminó con la partida de Abrahams. Después de probar breve e infructuosamente con Tony Iommi (futuro Black Sabbath) y Davy O'List (ex The Nice) Ian se decidió por Martin Lancelot Barre (que había grabado con una banda llamada The Penny Peeps) como remplazo de Abrahams. Siendo un guitarrista mejor dotado técnicamente y más abierto musicalmente, Barre calzó a la perfección en los nuevos Jethro Tull, su estilo Rockero y versátil dotó al cuarteto de mayor solidez y cohesión a la vez que permitió a la banda contar con abanico sonoro más amplio. Esa nueva visión quedó plasmada en el segundo album de Jethro Tull publicado en Agosto de 1969 bajo el título de Stand Up. Sin duda que el desprenderse de la fórmula de This Was que tan buena impresión había causado fue una jugada arriesgada pero en defintiva son los artistas intrépidos quienes escriben la historia y Jethro Tull nació para hacer grandes cosas; con Glen Cornick y Clive Bunker aportando un deslumbrante soporte rítmico y el pragmático virtuosismo de Martin Barre, Ian Anderson se sintió libre para desplegar sus dotes interpretativas y creativas: el tema de apertura 'A New Day Yesterday' es un Blues cargado de una tensión abrasiva a años luz de la visión convencional de This Was, con Ian cantando a la manera de los viejos Bluesmen sobre la vibrante pulsación rítmica y los riffs concéntricos de Barre para explotar en el break con un preciso solo de flauta. Lo mismo aplica a 'Nothing Is Easy' y a 'For Thoundsand Mothers' que al igual que en el anterior album funden Jazz y Blues pero con una dinámica más vibrante y novedosa. El interés de Anderson por las tonalidades clásico-barrocas está patente en 'Bourée', adaptación en clave Jazz del 'Bourée en E menor' de J.S.Bach que se convirtió en una ventana para su virtuosismo a la flauta y uno de los temas más populares de los Tull. Ian no era ajeno a la rica tradición Folk Británica y aquí explora esa vena acústica en temas como 'Jeffrey Goes To Leicester Square' (la segunda de 3 piezas dedicadas a su gran amigo Jeffrey Hammond, la primera fue 'A Song For Jeffrey'), 'Look Into The Sun' y 'Reasons For Waiting'. 'Fat Man' tiene fuertes acentos Magrebíes (Norte de Africa) mientras que 'Back To The Family' apunta al Rock sólido de los albumes por venir. Mención aparte para la estupenda y poco conocida 'We Used to Know' que The Eagles plagiaron en 1976 en 'Hotel California' (la progresión de acordes en ambas es exactamente igual). Apoyado por el éxito del single 'Living In The Past' (no incluido en el album original) Stand Up llegó al puesto N° 1 en Gran Bretaña y al N° 20 en EUA, nada mal para unos casi debutantes... aunque lo realmente importante es que este album marcó el despegue de unos Jethro Tull que prácticamente dominaron la escena progresiva durante los 70 con pocos altibajos y que los consagró a la postre como una de las mejores bandas de la historia. Esta espectacular Collector's Edition consta del album original remasterizado y ampliado a 21 temas con la inclusión de los singles de la época ('Living In The Past'/'Driving Song' y 'Sweet Dream'/'17' más la versión en mono de 'Living In The Past'), 4 temas grabados para la BBC ('Bouree', 'A New Day Yesterday', 'Nothing Is Easy', 'Fat Man') y un par de spots promocionales para las radios Norteamericanas. Un segundo CD incluye el célebre recital efectuado en el Carnegie Hall de Nueva York en 1970 del cual sólo 2 temas se habían lanzado oficialmente en el recopilatorio Living In The Past de 1972. La colección trae además un DVD (no incluido en este post) con el mismo recital completo sin editar mezclado en DTS Surround 5.1 reproducible también en cualquier aparato de DVD con sonido stereo. Por cierto que para dicho recital la banda ya se había ampliado a 5 miembros con la llegada del tecladista John Evan, ex-miembro de The Blades y The John Evan Band, las dos agrupaciones de cuyos restos nació Jethro Tull.
Categoría: 60's |
Vistas: 1080 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 30-Mar-2011
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Categoría: 60's |
Vistas: 1687 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 28-Mar-2011
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Los programas radiales de la BBC no eran precisamente el medio natural para exponer el exuberante sonido de The Who, pero como otros nacientes astros del Rock Británico el cuarteto de Shepherd´s Bush aprovechó esos espacios para mantener y ganar público. Las condiciones bajo las cuales se efectuaban las sesiones eran bastante primitivas: no más de una hora para grabar las canciones, el productor designado por la emisora (y ajeno a la banda) para dirigir la sesión y el ingeniero operando una grabadora monofónica; la BBC buscaba invertir lo menos posible en dichos programas pues (conservadores como eran) no creían completamente en el poder comercial del Rock And Roll y trataban que todo fuera lo más expedito posible, de hecho, una vez transmitido el programa la cinta solía reutilizarse en la siguiente sesión. A pesar de estas limitaciones los archivos de la BBC son una estupenda cápsula del tiempo y la mejor forma para apreciar de cerca los años formativos de tantas leyendas de la música, años en los que la radio reinaba soberana incluso sobre la mismas ventas de discos. Como expuse hace un tiempo en un post similar dedicado a The Yardbirds, el sindicato Británico de músicos limitaba a 80 horas semanales la cantidad de música grabada que podían tocar las emisoras, el resto tenía que ser transmitido en vivo o grabado en vivo para su posterior retransmisión, esto con la intención que todos los músicos gozaran de iguales oportunidades, grabaran discos o no. Volviendo a The Who estos no eran precisamente del agrado del comité que aprobaba a los artistas que debían ser contratados para grabar en la BBC, pero el éxito de sus recitales los hizo decidirse y en Mayo de 1965 la banda hizo la primera de 10 aparaciones durante los próximos 5 años. A pesar de no contar con el calor de su público The Who se desenvolvieron bastante bien en esos primeros años (1965-1967) alternando sus éxitos, material de sus albumes y versiones de sus artistas favoritos; notable es la versión de 'Anyway, Anyhow, Anywhere' con Pete recreando magníficamente la misma cacofonía de feedbck y distorsiones del single original; en 'The Good´s Gone', 'Dancing In The Street' (de Martha & The Vandellas) y 'Run Run Run' Townshend vuelve a hacer de las suyas con su guitarra dándole un giro muy interesante a las piezas; 'Disguises' suena menos demencial pero más densa a pesar de la obvia ausencia de los overdubs de guitarra; hits como 'I´m A Boy', 'Boris The Spider', 'Happy Jack' o 'Pictures of Lily' suenan maravillosamente crudos y 'See My Way' me gusta mucho más que la incluida en el album A Quick One. Curioso fue el caso de 'Good Lovin' perteneciente a un oscuro combo de R&B llamado The Olympics y que The Who grabaron un año antes que la conocidísima versión de The Young Rascals. Ya entrados en los años 70 como artistas establecidos la BBC les dió concesiones a la altura de su prestigio, permitiéndoles grabar en stereo y haciendo overdubs para pulir los temas como lo demuestran la nueva versión de 'Substitute', ' el single 'The Seeker', una 'Shakin´ All Over' con la voz de Roger tratada con eco y la relectura "heavy" de 'I´m Free'. Estas serían sus últimas sesiones radiales pero en 1973 grabaron 2 versiones de 'Relay' y 'Long Live Rock' para la BBC TV posteriormente restransmitidas en el popular programa Inglés 'The Old Grey Whistle Test'. BBC Sessions fue editado en 1999 y recoge 22 temas (más 3 simpáticos radio spots elaborados sobre canciones de los propios Who) con estupendo sonido, más un conciso y bien anotado libreto. Un disco no para diseccionar con sentido crítico sino para disfrutar y dejar volar la imaginación hacia los fabulosos años 60.
Categoría: 60's |
Vistas: 1124 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 10-Mar-2011
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El 11 de Enero de 1.967 los miembros de Pink Floyd se instalaron en los Sound Techniques Studios de Londres y con la producción de Joe Boyd (Incredible String Band, Fairport Convention, John Martyn) hicieron su primera sesión de grabación profesional. Dos temas fueron filmados para la ocasión: una versión de 17 minutos de 'Interstellar Overdrive' y una larga jam titulada 'Nick´s Boogie', precursora de futuras piezas como 'Set The Controls To The Heart Of The Sun' y 'A Saucerful Of Secrets'. Concretamente la ejecución de 'Interstellar Ovedrive' merece ser recordada como uno de los momentos cumbre en la carrera de Pink Floyd pues en ella demuestran su enorme capacidad instrumental, inventiva y extraordinarias dotes para la improvisación colectiva, con un Syd Barrett completamente desatado extrayendo de su guitarra los más irreales y extraños sonidos, haciendo efecto slide con un encendedor de cigarrillos sobre el mástil y exprimiendo las notas hasta hacerla aullar como a un extraño animal en celo. Meses después, concretamente en Abril del mismo año, el periódico underground IT (International Times) organizó en el Alexandra Palace de Londres un espectáculo multimedia llamado ’14 Hours Technocolor Dream’ que incluía recitales (Pink Floyd, Soft Machine, The Move, Arthur Brown & The Crazy World, Pretty Things, Small Faces y Eric Burdon & The New Animals entre otros), light shows y muestras de arte vivo, ante un público que incluía a la crema de mundo artístico Londinense (músicos, actores, cineastas, artistas plásticos, escritores). Dicho evento fue inmortalizado por Peter Whitehead en un cortometraje de 70 minutos (con su respectivo soundtrack) estrenado al año siguiente como ‘Tonite Lets All Make Love In London’ y que se convertiría en el documento visual defintivo de la psicodelia Inglesa y el Swingin’ London. En 2003 se lanzó un DVD titulado London 1966/1967 con los dos temas de Pink Floyd arriba mencionados, compaginados con imágenes de la película de Whitehead y otras de una presentación de los Floyd en el legendario club UFO, que era el centro de operaciones del movimiento psicodélico Inglés. Posteriormente se lanzó sólo la parte de audio en un Compact EP y finalmente en 2005 una edición especial que recoge el EP y el DVD. Hace poco decidí eliminar de mis cuentas Rapidshare los DVDs allí alojados pues muy poca gente los descargaba y no tenía sentido mantener un espacio que resultaba vital para el material de audio, de modo que el presente post incluye sólo el CD. Una pieza de colección invalorable para los fans de Syd Barrett y de los primeros Floyd.
Categoría: 60's |
Vistas: 1243 |
Agregado por: Aldoux |
Fecha: 11-Feb-2011
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