 The Allman Brothers Band es indiscutiblemente una de las agrupaciones más legendarias, importantes e influyentes no sólo de la música Norteamericana sino del Rock en general. Tradicionalmente endosados con el apelativo de "abanderados del Rock sureño" su trascendencia va mucho más allá. En mi opinión el Southern Rock no corresponde a una tendencia propiamente dicha sino a una manera de catalogar a las bandas y artistas surgidos en esa vasta zona ubicada por debajo del curso del río Mississippi y que se extiende por el este hasta el Estado de Florida. Siendo los sureños un pueblo con una idiosincrasia y un bagaje cultural muy particulares resulta obvio que su música posea claras señas de identidad (el arraigo a las raíces puras del Blues y el Country), no obstante en cuanto al Rock se refiere no existe un auténtico "sonido del sur" que los identifique. Dicho esto podemos asegurar que Allman Brothers "inventaron" el Southern Rock, no como una fórmula musical pero su éxito le abrió las puertas a cientos de bandas de esos lares y le dió proyección mundial al Rock que se practicaba en lugares hasta entonces remotos para el público mayoritario como Texas, Georgia o Alabama. El suceso de los Allman fue también determinante en la difusión del Blues entre el público blanco y en ese aspecto su peso histórico resulta tan valioso como el de Paul Butterfield, Mike Bloomfield, John Mayall, The Animals o Los Stones. Pero ya en el plano estrictamente musical Allman Brothers jugaron un papel de primer orden en la consolidación de Rock como corriente artísticamente válida: la fuente primaria de su música era el Blues pero la diversidad estilítica de sus miembros, su sólida experticia instrumental y exquisito gusto por la improvisación hizo de las largas jams en sus recitales su característica más resaltante, derribando el mito sobre la incompetencia instrumental de los músicos de Rock, y que además los convirtió en padres espirituales de todas las jam-bands surgidas a partir de los años 90 (Blues Traveller, Gov't Mule, Widespread Panic, Moe, Phish y un larguísimo etcétera). Los hermanos Greg y Duane Allman (órgano y guitarra respectivamente) crecieron en Daytona Beach (Florida) y comenzaron muy jóvenes a tocar juntos como The Escorts (combo Garage de adolescentes), posteriormente mutaron a The Allman Joys y finalmente formaron The Hourglass. Con este nombre se mudaron a Los Angeles y firmaron contrato con Liberty Records que dió como frutos 2 olvidables albumes de orientación pseudo-psicodélica. Luego que Liberty se negara a grabarles un tercer LP Duane decide volver a Florida pero en el camino pasa por estudios Muscle Shoals en Alabama fundado por 4 músicos de los Fame Studios (Barry Beckett, Roger Hawkins, Jimmy Johnson y David Hood); impresionados con su estilo lo contratan como guitarrista de sesiones participando en grabaciones de Aretha Franklin, Wilson Pickett, John Hammond Jr. y Percy Sledge entre otros y forjándose una respetable reputación. Cansado del trabajo como session-man Duane regresa a Florida y se establece en la ciudad de Jacksonville donde existe una efervescente escena musical. Una noche coincidió en un conocido local con varios músicos: el guitarrista Richard "Dickey" Betts y el bajista Berry Oakley militaban en The Second Coming, Butch Trucks tocaba la batería en The 31st Of February mientras que Jai Johanny Johanson (conocido como Jaimoe) era un baterista amigo de Duane con experiencia en el Jazz y el Soul. Alguien sugirió que tocaran juntos y los 5 se enfrascaron en una maratónica jam de casi 4 horas, la química entre ellos era tan increíble que decidieron inmediatamente formar una banda que se completaría cuando Duane convenció a su hermano Greg a volver de L.A. y sumarse como organista y cantante. Durante su estancia en Alabama Duane se hizo amigo de Phil Walden (ex-manager de Otis Redding), Walden estaba formando su propio sello discográfico independiente llamado Capricorn Records con sede en Macon (Georgia) y The Allman Brothers Band fueron su primer fichaje. Su primer album homónimo salió a la venta a finales de 1969 y pesar de algunas deficiencias con la producción y las bajas ventas fuera de los Estados del Sur causó muy buena impresión. Un año después lanzan Idlewild South, su segundo album caracterizado por una mejor producción y un sonido más limpio. A diferencia de otras bandas ABB disfrutaban saliendo de gira y las estupendas jams que tocaban (que jamás caían en el vacío a pesar de llegar hasta los 40 minutos) difundieron su nombre a lo largo y ancho de Norteamérica. La magia de sus conciertos quedó plasmada en At Fillmore East (1971) considerado uno de los mejores albumes en vivo de la historia. Poco después que el album fuera certificado como disco de oro sobrevino la primera tragedia para la banda: Duane Allman murió en Octubre de 1971 al estrellar su motocicleta contra la parte delantera de un camión dejando un enorme vacío entre sus compañeros y privando al mundo de uno de los más excepcionales guitarristas de su tiempo. Con el dolor aún fresco el resto de los Allman juntó en el doble album Eat A Peach (1972) las últimas grabaciones que hicieron con Duane y 3 temas rescatados de los recitales en el Fillmore East. A pesar de la decisión de no remplazar a Duane la banda igualmente se amplió con el pianista Chuck Leavell y comenzaron a trabajar en su siguiente album pero en Noviembre de 1972 ocurrió una nueva tragedia: Berry Oakley falleció también en un accidente de moticicleta a sólo 3 cuadras del lugar donde un año antes murió Duane; ante este nuevo golpe trajeron a un nuevo bajista (Lamar Williams) y culminaron su quinto album lanzado en Agosto de 1973 con el título de Brothers And Sisters, a la postre uno de sus más exitosos trabajos. El impacto por las tragedias y la creciente tensión entre Greg y Dickey por la dirección musical a seguir hizo que Allman Brothers se desmoronaran hasta su disolución en 1976. En 1979 volvieron a la carga con una remozada formación que duró hasta 1982 (en 1983 murió también Lamar Williams alargando la cadena de fatalidades) tras el cual Allman Brothers cayó en un largo silencio roto en 1990 con el album Seven Turns. Pero en esta oportunidad la agrupación logró renacer con éxito de sus cenizas inaugurando el segundo período más esplendoroso de su carrera que aún perdura en el 2011 a pesar de nuevos cambios en el lineup que supusieron la salida de Dickey Betts en 2002. Como tributo a su brillante trayectoria en los próximos posts haré un repaso a su etapa de oro 1969-1973, así como un vistazo a sus recitales en los 90 y una pequeña antología dedicada a otros artistas emblemáticos del Rock Sureño. |
 Para seguir en familia les dejo este buen recopilatorio The Best of Edgar Winter, hermano menor de Johnny y leyenda por mérito propio. Al igual que su hermano, Edgar nació con albinismo pero también compartía un talento innato por la música y una pasión por las formas musicales de los negros del sur de EUA. No obstante cada uno siguió sus propios instintos: mientras Johnny se concentraba en dominar la guitarra, Edgar aprendía a tocar por sí sólo el piano, la trompeta, el saxo, el bajo y la batería; y mientras su hermano mayor se entregó con pasión al blues, Edgar desarrolló su propio estilo combinando Jazz, Soul & Gospel, convirtiéndose en una versión moderna y rockera de Ray Charles, aunque con su propia personalidad. Ambos hermanos empezaron a tocar juntos en la temprana adolescencia, inicialmente a dúo y luego integrando bandas de aficionados; cuando Johnny firmó con Columbia en 1969 se llevó a Edgar al estudio para que lo ayudase en su primer album oficial, haciendo los arreglos de viento en 2 temas además de tocar el saxo alto y el piano. Sumado a la banda de su hermano como miembro no oficial, Edgar los acompañó en el festival de Woodstock, participó en el segundo album de Johnny y tocó en las giras por Norteamérica y Europa para la promoción de Second Winter dejando al público boquiabierto con su interpretación del clásico del Blues 'Tobacco Road'. Edgar estaba creciendo por sí mismo y buscaba su espacio, cosa que encontró al firmar su propio contrato con Columbia y grabar el album Entrance (1970) donde despliega todo su extraordinario talento como multinstrumentista, cantante, productor y arreglista acompañado de excelentes músicos. En 1971 forma White Trash, una macrobanda de blancos volcados hacia el Soul y el R&B que dejaron como legado dos inolvidables registros: Edgar Winter´s White Trash (1971) y el doble en vivo Roadwork (1972) considerado uno de los mejores directos de los 70. Al año siguiente Edgar se interesa por los sintetizadores y ansioso por explorar nuevos territorios disuelve White Trash y forma The Edgar Winter Group; el album They Only Come Out at Night (1972) es su plataforma a la fama gracias al tema 'Frankenstein', N° 1 en 1973 y el primer single del Rock que utilizaba el sintetizador como instrumento principal. En 1974 se pasa junto con Johnny a Blue Sky (el sello discográfico creado por el mánager de ambos Steve Paul) y alcanza el techo de su popularidad con el album Shock Treatment. De allí en adelante la carrera de Edgar entra en una fase discreta, mantiéndose con buenos discos (excepto el horroroso y discotequero The Edgar Winter Album de 1979) pero lejos del furor de su primera etapa, alternándose como músico de sesión, acompañante (Meat Loaf, David Lee Roth) y autor de bandas sonoras hasta llegar a nuestros días con su capacidades intactas y un muy buen CD llamado Rebel Road (2008) aunque su figura y legado estén algo infravalorados. Este recopilatorio se centra en el período 1970-1981 con especial atención en sus primeros discos que condensan lo mejor de su obra. Por alguna razón que desconozco los temas de sus albumes con Blue Sky quedaron fuera de este CD lo que explica la no inclusión de una de las más excitantes piezas de Edgar, la fenomenal 'Easy Street'. No obstante la selección es excelente (salvo la horrible 'It´s Your Life To Live' que recomiendo pasar por alto) con el ya citado instrumental 'Frankenstein' (que Edgar ya había estrenado en las giras de Second Winter pero en una versión más cruda), la elegante 'Entrance', la enorme carga emotiva de 'Dying To Live' y 'Fly Away' llenas de acentos Gospel, el R&B vibrante de 'Give It Everything You Got', la mejor versión de 'Tobacco Road' jamás grabada (y si alguien conoce alguna mejor que lo diga), el dueto grabado en vivo con su hermano Johnny en 'Harlem Shuffle', la espectacular 'Fire & Ice' donde Edgar demuestra su profundo conocimiento del Jazz y magnífico dominio del saxo, la estupenda 'Free Ride' (uno de sus temas más populares).... el sonido remasterizado es muy bueno, la llamativa presentación incluye un buen libreto con texto del propio Edgar y anotaciones canción por canción. En fin, una excelente introducción a uno de los grandes de la música Norteamericana. |
 Como apuntaba en el post anterior Johnny Winter pasó sus años formativos (1959-1968) recorriendo su Texas natal y zonas aledañas tocando en cuanto tugurio le permitiera enchufar su guitarra Fender, escuchando y haciendo jams con músicos de color para empaparse de Blues, actuando con anónimas bandas e incluso grabando. Para la posteridad quedaron algunas sesiones y un puñado de canciones grabadas para oscuros sellos Texanos y salvo un par de singles nada de ese material vió la luz entonces. Dispuesto a salir del anonimato Johnny formó un trío con el bajista Tommy Shannon y el baterista John "Red" Turner (también conocido como "Uncle" John), se asentó en la ciudad de Austin, se cortó el pelo estilo Byrds y se vistió con ropas Hippies. En poco tiempo el trío comenzó a ganar reputación con su potente Rock Blues convirtiéndose en la sensación del club Vulcan Gas Company; atraído por los entusiastas comentarios sobre Johnny e impresionado tras verlo tocar, el dueño del pequeño sello local Sonobeat llamado Bill Josey lo contrata y en una sesión nocturna en el Vulcan, sin público, Josey y su ingeniero de sonido Rim Kelley grabaron 10 temas con miras a un album. El LP resultante (conocido sólo como "Winter") no salió oficialmente; Sonobeat lo vendía por correo y Bill distribuyó copias entre los DJ's (el vinilo enfundado en una anónima portada blanca) con fines promocionales. El enorme éxito de su debut con Columbia en 1969 hizo que todas las pequeñas disqueras para las que Winter había grabado salieran como locas a publicar sus primeros registros (o venderlos a casas más grandes) y el mercado Americano se vió inundado de repente con albumes como "First Winter", "About Blues", "The Johnny Winter Story", "Beginnings 1960-1967" o "Early Winter", los suficientes para confundir a los fans que desesperados no sabían cuál comprar. Para entonces Sonobeat había vendido el disco a otro sello más grande de nombre Imperial que lo puso en circulación como The Progressive Blues Experiment. Traigo el relato a colación pues si bien TPBE se lanzó un mes antes no suele considerarse como el primer album oficial de Johnny Winter pues inicialmente no entró en las estadísticas oficiales de la RIAA y por tanto no se incluyó en los charts de Billboard a pesar de llegar al puesto N° 40. Sea como sea The Progressive Blues Experiment no sólo es el único de todos esos lanzamientos que se sostiene musicalmente sino que es uno de los más queridos entre los seguidores de Johnny. Es un disco que a pesar de la falta de una producción formal y de las condiciones casi fortuitas bajo las cuales se grabó muestra todo el alcance del talento de Johnny Winter: estupendo guitarrista con gran dominio del slide, dueño de una gran capacidad interpretativa, demostrando además ser uno de los músicos blancos que mejor supo captar la auténtica esencia Bluesística y traspolarla al Rock & Roll. El contenido es muy similar al que incluiría en su primer album con Columbia, diez temas que son todo un derroche de fuerza, clase y feeling, mas no obstante el torrente eléctrico que sale de su guitarra las piezas suenan auténticas y fieles a la esencia primordial del Blues, y es ahí donde radica su mayor virtud. Vibrantes versiones de 'Rollin´ And Tumblin´' (de Muddy Waters), 'Help Me' (Sonny Boy Williamson), 'It´s My Own Fault' (B.B. King) y la pieza tradicional 'Broke Down Engine' se alternan con temas propios que no desmerecen junto a los clásicos como el apasionado tributo a su ídolo en 'Tribute To Muddy', la estupenda 'Mean Town Blues' y la acústica 'Black Luck And Trouble' donde Johnny demuestra su profundos conocimientos sobre Blues tradicional. La presente edición fue remasterizada en 2005 utilizando tecnología de 24bits logrando resultados más que notables, lástima que la información sea tan escueta. |
 Dejando de lado el aspecto mercantil (pues esta clase de lanzamientos tienen un fin puramente comercial y la mayoría de las veces son hechos por las discográficas al margen de los artistas) existen 2 clases de discos recopilatorios: los hechos con el mismo criterio de un cerdo seleccionando entre su bazofia y los que siguen una línea temática para darle al producto final una unidad y entidad propias. Esta pequeña antología del maestro Frank Zappa pertenece a la segunda categoría. Unos de los atributos característicos del universo Zappiano fueron la irreverencia y la ironía; el aporte de Frank Zappa a la cultura popular ha sido discutido, analizado y tergiversado de todas las maneras posibles a lo largo de los años, en mi opinión Zappa elevó la sátira social a una forma de arte insertándola en un contexto musical donde confluían por igual elementos de la música popular de la post-guerra (Rock And Roll, Doo-Wop, Jazz, R&B) y de las corrientes "cultas" (clasisismo, barroquismo, vanguardismo) y desnudando los tabués de la conservadora sociedad Americana ante los ojos del nuevo público joven; hace años leí una cita donde definían a Frank Zappa como un cruce entre Beethoven y Lenny Bruce, y la verdad que la referencia es menos absurda de lo que parece. Have I Offended Someone? recoge 15 temas del período 1973-1985 que tienen en común el haber resultado ofensivos para algún sector de la sociedad Norteamericana a lo largo de ese lapso de tiempo. Nadie se salva en este disco: niñas ricachonas, feministas, gays, pseudo-intelectuales, ejecutivos discográficos, católicos, satanistas, especímenes de discoteca, moralistas, punks... todos son pasados sin piedad por las armas de la fina ironía Zappiana y el resultado es espléndido. La recopilación fue obra del propio Zappa (uno de sus últimos trabajos antes de su lamentable muerte en 1993) quien seleccionó los temas y dejó específicas instrucciones respecto a las mezclas. Durante buena parte de su carrera Zappa se sintió inconforme por la manera como algunos de sus más emblemáticos albumes fueron mezclados, aunque parezca increíble Frank Zappa fue uno de los artistas más perjudicados por la dictadura de las discográficas; el contrato que firmó originalmente con Verve en los 60 le daba control sobre la grabación mas no sobre la mezcla la cual era realizada a criterio de los productores. Esa es la razón por la que el acuerdo entre Frank y Rykodisc para la redición masiva de su catálogo en CD estipulaba que algunos títulos serían completamente remezclados (Hot Rats, por ejemplo, es diferente al vinilo original) y también el motivo por el que el autor decidiera "actualizar" algunas piezas con miras a este lanzamiento: por ejemplo 'Bobby Brown Goes Down', 'We´re Turning Again' y 'Yo Cats' fueron remezcladas, 'Disco Boy' y 'Dinah-Moe Humm' se presentan como "reconstruidas", 'Goblin Girl' fue re-equalizada a velocidad menor y tanto 'Dumb All Over' como 'Tinsell Town Rebellion' son versiones en vivo nunca antes incluidas en un album. El libreto contiene un texto de Ed Sanders (gran amigo de Zappa y ex miembro de The Fugs, comuna musical Neoyorkina que en los 60 tenía claras afinidades con la visión artística de Frank) algo denso y complejo pero que analiza acertadamente el marco conceptual de este trabajo. En conclusión estamos ante un CD que trasciende su condición de mera recopilación para pasar a considerarse una pieza vital en la colección de cualquier fan de nuestro siempre recordado Francis Vincent Zappa. Por último quiero dedicar este post a mi amigo Julio, colaborador del blog Las Galletas de María y una autoridad en la música de Frank Zappa. |
Definitivamente que alcanzar la cima artística con un album como Thick As A Brick supuso una especie de espada de Damocles para Jethro Tull, pues por sobre la aclamación unánime de la prensa y el público pendía la gran responsabilidad de mantener convincentemente el nivel alcanzado. Fuese cual fuese el resultado, el siguiente trabajo de Jethro Tull iba a ser cuidadosamente escrutado en busca del más mínimo error que permitiera tumbar a los nuevos ídolos de su pedestal (una actitud muy común de la prensa musical Británica, por cierto). Y eso fue exactamente lo que ocurrió con A Passion Play, el más polémico, criticado y subestimado de sus albumes. Ya su gestación había sido accidentada: a comienzos de 1973 la banda se instaló en el Chateau d'Herouville, célebre estudio de grabaciones acondicionado en un viejo castillo medieval Francés, sin embargo diversos problemas técnicos con los equipos disponibles, la nostalgia y la comida (por la que supuestamente Barrie y Martin enfermaron) hizo que los cinco músicos retornaran a Inglaterra y el proyecto inicial fuera descartado (Anderson bautizó irónicamente las cintas resultantes como "The Chateau d'isaster Tapes" y finalmente se incluyeron en el album de rarezas Nightcap de 1993 con nuevos overdubs de flauta). Con sólo 7 semanas para terminar el disco Ian rescribió la idea original concibiendo otra larga pieza conceptual pero muy diferente a su antecesora en Thick As A Brick. En primer lugar aquí sí se cuenta una historia, o más bien se desarrolla una trama pues A Passion Play tiene un desarrollo muy teatral; si bien el album consta de una única y larga pieza, la misma se divide en 16 secciones independientes pero unidas por la trama argumental a manera de suite; y por último la música se encuadra perfectamente en el sonido progresivo Inglés de su tiempo, con atmósferas grandilocuentes, los riffs de Martin Barre reservados para otra ocasión y mayor presencia de los teclados (John Evan utiliza por primera vez el sintetizador en un album de JT); si hay un disco de Jethro que podría etiquetarse como Rock sinfónico, es este sin duda. El resultado es un album complejo, difícil de escuchar y asimilar por lo denso de la historia, la poca variedad de matices y el tono oscuro que lo caracteriza pero con un nivel brillante, me atrevería a decir que en A Passion Play Jethro Tull alcanzaron su máximo punto de esplendor como instrumentistas. La suite tiene partes realmente muy buenas, especialmente en los breaks instrumentales donde Ian Anderson se vuelca sobre los saxos (en detrimento de su habitual flauta transversa) logrando pasajes marcados por la improvisación Jazzística, además de fragmentos acústicos envueltos en un hermoso y delicado clasisismo. El album cuenta la historia de Ronnie Pilgrim, un hombre común que muere y presencia su propio funeral, posteriormente es conducido por un Angel hacia el cielo, luego al purgatorio y finalmente al infierno donde es juzgado por sus pecados; concluyendo que nuestro héroe no es tan bueno para ir al cielo ni tan malo para el infierno se le dá el privilegio de elegir su destino y éste prefiere volver a su vida terrenal. La historia ha tenido múltiples interpretaciones, algunos vén una reinterpretación bastante mundana de la pasión de Cristo (en el argot del teatro Inglés, el término A Passion Play se aplica a cualquier representación de la pasión y muerte de Jesucristo) mientras que otros han apuntado hacia una versión libre de la Divina Comedia de Dante Alighieri. A mitad de la obra y a manera de interludio se inserta una narración musical titulada 'The Story Of The Hare Who Lost His Spectacles' a cargo de John Evan, una especie de cuento a lo Lewis Carroll que habría hecho las delicias de Peter Gabriel durante su estancia en Genesis... a propósito de esto, no son pocos los que señalan curiosas coincidencias entre A Passion Play y The Lamb Lies Down On Broadway. Lanzado a la venta en Verano de 1973, el album fue todo un éxito en EUA (N° 1) pero un fracaso en Inglaterra debido a la virulenta reseña de Chris Welch, el respetado crítico musical de la revista Melody Maker. En una entrevista que le hicieron en España tras la actuación Barcelonesa de Jethro Tull en 1976, Ian Anderson contó el incidente: antes de dedicarse al periodismo Chris Welch fue baterista, incluso militó en The Attack junto a Davy O'List, pues bien, ya como crítico de gran credibilidad tomó la costumbre de aparecerse en las sesiones de grabación de sus entrevistados y pedir que lo dejaran tocar, pero como Jethro Tull no se lo permitió el hombre atacó duramente el disco sin tan siquiera oírlo; su prestigio era tal que la reseña condicionó la opinión general de la prensa Británica e influyó en la mismísima Rolling Stone en EUA. Sea como sea A Passion Play dividió a los fans de la banda y suele ser considerado como un paso en falso en la discografía de los Tull aunque los más acérrimos la perciben como una infravalorada obra maestra; en lo personal pienso que se trata de una parte de la historia de Jethro Tull que no se puede obviar y que merece ser revaluada con un mínimo de objetividad. A pesar de todo la gira de presentación fue todo un suceso con llenos impresionantes en todas las ciudades visitadas; para la ocasión la banda ejecutó una versión ampliada del album con las 16 secciones divididas en 4 actos (Ronnie Pilgrim's Funeral, The Memory Bank, The Business Office Of G. Oddie & Son y Magus Perdé's Drawing Room) y muchos elementos teatrales (para el interludio de The Hare se proyectó un video con la historia representada por los miembros de la banda y algunos actores). La presente edición remasterizada incluye un detallado libreto y una pista multimedia con el video antes mencionado junto a una reproducción del programa que se distribuyó a los asistentes en los recitales Británicos. Si bien la lista de las 16 partes que componen la suite no se citan en las ediciones convencionales del album (sólo se incluyó en las primeras copias promocionales para las radios) no es difícil encontrarlas en la red; en base a una de ellas hice mi propio Cue Sheet y dividí la suite en piezas individuales para hacer más sencilla su escucha. Quizá no sea el mejor de sus albumes pero como apuntaba antes es un momento importante en la carrera de Jethro Tull que no puede ser pasado alegremente por alto. |
 El enorme suceso mundial de Thick As A Brick impulsó una demanda sin precedentes por la música de Jethro Tull, y mientras la venta de los primeros albumes se disparaba, Chrysalis (la casa discográfica fundada por el mánager de la banda Terry Ellis) puso en circulación esta excelente antología retrospectiva acertadamente tiitulada Living In The Past. Enfundada en una lujosa portada aterciopelada en forma de libro con 2 discos y 50 páginas de fotografías en su interior, la colección recogía buena parte de sus singles (la mayoría no incluidos en los LPs), 2 temas en vivo provenientes del célebre recital en el Carnegie Hall de Nueva York en 1970, unas pocas piezas de los discos anteriores y el Extended Play Life´s A Long Song, material lo suficientemente interesante para considerarla pieza imprescindible en la discogrfía de JT, de hecho Living In The Past es uno de los albumes más vendidos de la banda y más queridos por los fans. En 1994 LITP fue reditado por primera vez en compact disc, pero para meter los 2 LPs en un sólo CD algunos temas fueron omitidos; a mí particularmente casi me dá un ataque cuando noté la ausencia de 'Teacher', desde siempre una de mis piezas favoritas de los Tull. En 1997 los Mobile Fidelity Sound Lab (MFSL) lanzaron una edición ultra limitada en 2 CDs separados con una reproducción del libro original y todos los temas de ambas ediciones (la Americana y la Europea) para un total de 23. A partir de 2001 gran parte de estos temas fueron apareciendo como bonus tracks en las ediciones remasterizadas de los albumes (el recital del Carnegie Hall se incluye completo en Stand Up Collector's Edition), sin embargo Living In The Past no ha perdido su brillo pues la selección y el flujo de los temas son estupendos; además aún quedan algunas piezas sólo disponibles aquí como 'Wond´ring Again' (un tema inédito grabado entre Benefit y Aqualung) y Life's A Long Song, un EP de 5 temas ('Life Is a Long Song', 'Up the ´Pool', 'Dr. Bogenbroom', 'For Later' y 'Nursie') editado entre Aqualung y Thick As A Brick en lo que fue la primera sesión de grabación con Barrie "Barriemore" Barlow a la batería. Si bien tengo el CD original Británico prefiero ofrecerles la edición MFSL que bajé hace algunos años via torrent pues a parte de los temas completos posee un estupendo sonido (aunque no el libreto de fotos). Sin duda uno de los mejores recopilatorios jamás editados, recomendado incluso a quienes deseen introducirse en la música de Jethro Tull.
Vistas: 1923 |
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Fecha: 08-Abr-2011
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Según palabras del propio Ian Anderson el quinto album de Jethro Tull curiosamente titulado Thick As A Brick (antigua expresión Inglesa equivalente a "piece of shit") fue la respuesta a la creciente tendencia por parte de la prensa musical a considerar Aqualung como una obra conceptual. Para Anderson Aqualung no era más que un "puñado de canciones" (obviamente con un nexo entre ellas) y se le suele citar diciendo algo como "si quieren un album conceptual pues les daremos la madre de todos los albumes conceptuales". Obviamente resulta difícil imaginar a Anderson haciendo algo sólo por seguir la corriente y complacer a la mayoría, para mí Thick As A Brick fue algo que Ian y la banda deseaban realmente hacer, una obra con la cual insertarse en la competitiva escena progresiva de la época pero que al mismo tiempo se deslindara de los clichés establecidos. Por esa razón Thick As A Brick ofrecía varios elementos atípicos que lo hacía sobresalir por encima de otros albumes en su estilo: en primer lugar no hay un ciclo de canciones que cuentan una historia sino una sóla canción que ocupa todo el album; en segundo lugar los arreglos no fueron milimétricamente ensayados, los largos pasajes instrumentales son básicamente improvisaciones en el estudio inspiradas en el Free-Jazz; y en tercer lugar la letra es temáticamente la misma a lo largo de todo el album; en resumen Thick As A Brick no es una suite sino una larga pieza de casi 45 minutos, algo inédito en el Rock de entonces. Mas contrariamente a lo que esto puede sugerir TAAB no resulta difícil o tediosa de escuchar, la pieza se desenvuelve a través de constantes cambios en el tempo y en la estructura de los compases que devienen en un desarrollo de gran fluidez. El ya característico "sonido Tull" se enriquece con la incorporación de nuevos instrumentos (saxo, trompeta, violín, clavicordio, laúd, timbal clásico, glockenspiel), mayor profusión de elementos clásicos y motivos Folk típicos de bandas como Fairport Convention o Steeleye Span. La estructura de la larga pieza tiene elementos en común con otras obras del mal llamado "Rock sinfónico" como la presencia de motivos recurrentes a manera de hilo conductor y el uso de los teclados en primer plano, pero manteniendo su personalidad sin parecerse a nada de lo hecho hasta entonces. Como decía anteriormente TAAB no tiene una concepción temática pero su contenido está rodeado por una de las historias más pintorescas de las que se tenga memoria: Gerald Bostock (llamado cariñosamente Little Milton) es un chico precoz de 8 años que gana el primer premio en un concurso de poesía infantil con Thick As A Brick, una visión del mundo de los adultos a través de los ojos de un niño con un sentido de la ironía y una madurez nada frecuentes en alguien de su edad. Pero la sociedad de la pequeña ciudad de provincia de Saint Cleve (donde ocurren los hechos) se escandaliza por el crudo lenguaje de la poesía, en especial cuando su autor la leyó en la BBC; fue así como tras varias protestas y presiones del público más conservador Little Milton es injustamente descalificado, sin embargo su destino cambia cuando Jethro Tull se enteran de los sucesos y resarcen al chico poniéndole música a su poema dándole forma así al siguiente album de la banda. Por supuesto que durante décadas todos dimos por sentada la veracidad de la historia y fue hasta hace relativamente poco que Ian Anderson aclararía formalmente que se trataba de un personaje ficticio y que él mismo escribió la letra. Para darle más autenticidad a los hechos la presentación del album original fue diseñada como un diario de provincias (The St. Clive Chronicle & Linwell Advertiser) con noticias, anuncios, trvialidades, una reseña del album y por supuesto la letra de la canción (salvo esta última todo el contenido del diario fue redactado por Anderson, Jeffrey Hammond y John Evan). Lanzado en Marzo de 1972 Thick As A Brick fue todo un éxito llegando al puesto N° 3 en Gran Bretaña y al N° 1 en EUA; la demanda en Norteamérica fue tal que se preparó un single exclusivo para las radios con el motivo introductorio del largo tema que a la postre sería la parte más reconocible del mismo. Casi inmediatamente Jethro Tull se embarcó en un extenso tour promocional estirando la ejecución del album hasta los 70 minutos con la inclusión de solos y breaks más largos, incorporando un noticiero a manera de interludio para separar las 2 partes que dividían la pieza en el vinilo original (en los países de habla no Inglesa el noticiero era narrado en el idioma del lugar) y con los miembros de JT usando disfraces dándole así a los recitales un gran sentido de la teatralidad. Con los años la banda redujo Thick As A Brick en vivo a un resumen de aproximadamente 12 minutos del lado A, por esta razón la primera parte del disco suele ser la más conocida por el público aunque la segunda es si se quiere instrumentalmente mejor con un soberbio solo del nuevo baterista Barrie "Barriemore" Barlow (otro ex miembro de The Blades) sobre un motivo de sabor medieval. En resumen TAAB fue la consagración definitiva a nivel popular de Jethro Tull como fenómeno musical y a pesar de la magnitud de la pieza esta se ha mantenido muy bien en el tiempo y suena más fresca y vital que otras obras similares. La presente edición remasterizada en 1997 complementa el album original con una versión resumida del tema grabada en vivo en el Madison Square Garden de Nueva York en 1978 y una larga entrevista donde Anderson, Martin Barre y Jeffrey Hammond discuten la elaboración de este clásico del Rock de los 70. |
Aunque algunos duden en considerarlo su obra maestra, Aqualung es el album universal de Jethro Tull, la obra que los consagró como fuerza creativa en la escena Rock de los 70. Después de un período de asentamiento que dejó como resultado 3 notables discos, en este cuarto album se consolida por fin ese "sonido Jethro Tull" que los haría únicos e inconfundibles y que a la postre sería la obra pivote en su evolución hacia cotas musicales aún más ambiciosas. En el plano musical la incorporación defintiva de John Evan a los teclados resultó un elemento clave: John era un virtuoso que a diferencia de otros colegas de la época trabajaba en un brillante segundo plano dando solidez a la masa sonora y enriqueciendo mágicamente las melodías con su piano. Pero en el plano más personal, la llegada de Jeffrey Hammond en remplazo de Glenn Cornick resultó determinante. Anderson y Hammond (bautizado por Ian como Jeffrey Hammond-Hammond) habían militado juntos en The Blades y eran grandes amigos, cuando estos pasaron a llamarse The John Evan Band, Jeffrey abandonó la música para estudiar pintura pero sin perder contacto con sus compañeros ya rebautizados Jethro Tull. Como bajista Hammond era sólo un músico competente pero su profunda sensibilidad artística influenció a Anderson y lo animó a ahondar más en la música clásica y a buscar nuevas formas de expresión como autor. Fue así como Anderson, de buen compositor de canciones, pasó a convertirse en un crítico (y muy activo) observador de la sociedad moderna a través de sus letras. A este punto es bueno aclarar que Aqualung no es una obra conceptual, ciertamente hay una idea central mas no una historia ni un ciclo canciones. El album original se dividió en 2 secciones; el lado A titulado Aqualung describe algunos personajes marginales de la sociedad Británica con énfasis en 'Aqualung' (un repulsivo indigente que se pudre en vida ante la indiferencia de todos) y una prostituta adolescente conocida como 'Cross-eyed Mary'. El lado B se titula My God y es una irreverente crítica de Ian Anderson a las religiones establecidas y a la manera como éstas manipulan la figura de Dios para sus propios fines. La carpeta del disco incluye un texto -parodia del libro de la Génesis- totalmente revelador al respecto ("Al principio el Hombre creó a Dios/ y en la imagen del Hombre él lo creó/ y el Hombre dio a Dios múltiples nombres/ y él sería el Señor de toda la tierra a conveniencia del Hombre") y que en cierta manera contribuyó a la confusión al hacer referencia también al despreciado Aqualung ("y el hombre formó a Aqualung del polvo de la tierra/ y una hueste de otros lo trataron como su igual"). El objetivo era obviamente la ultra conservadora Iglesia Anglicana en Inglaterra, no obstante fue en la España Franquista donde este disco resultó un completo escándalo. La férrea oposición de la Iglesia Católica Española hizo que los jóvenes Hispanos tuvieran que esperar hasta 1975 para ver el disco en las tiendas y mutilado en un tema ('Locomotive Breath'). Musicalmente el album combina brillantemente momentos de alto impacto conducidos por la dura guitarra de Martin Barre en plenitud de condiciones con hermosos pasajes acústicos, logrando cotas de gran dramatismo y emotividad. El tema homónimo abre el disco con uno de los riffs más legendarios de la historia y se desenvuelve entre cambios de rítmo y contrastes de imágenes sobre un texto cargado de crudeza ("sentado en una banca del parque/ viendo a las niñitas con malas intenciones/ con el moco bajando de su nariz/ y los dedos grasientos manchando sus andrajosas ropas"). 'Cross-eyed Mary' se inicia con suaves figuras trazadas por Ian con su flauta para dar paso a la banda en crescendo hasta descargar todo el peso de su sonido. 'Mother Goose' y 'Up To Me' son dos deliciosos temas de raíces folk con el sutil tapete percusivo de Clive Bunker y marcados acentos de Barre con la guitarra eléctrica; en el primero de ellos Martin y Jeffrey Hammond tocan al unísono el recorder (flauta frontal de madera) en sustitución de la flauta transversal de Ian. El ataque frontal de Anderson a la autoridad eclesíastica alcanza su punto máximo en la impactante 'My God', pieza que data de los tiempos de Stand Up, 7 dramáticos minutos donde el Rock se funde con el más puro clasisismo y con siglos de oscurantismo cultural, especialmente en el soberbio break central a cargo de la flauta de Anderson y los coros pseudo-Gregorianos de este y de Hammond. La incisiva 'Hymn 43' y el cierre con 'Wind-up' continúan la temática religiosa a otro nivel. 'Locomotive Breath' es eso, una locomotora sónica con una brillante introducción de John Evan y la banda completamente desbocada. Por último los temas 'Cheap Day Return', 'Wond´ring Aloud' y 'Slipstream' son 3 breves pinceladas acústicas que cumplen a la perfección el papel de interludios, estas últimas embellecidas por arreglos de cuerdas a cargo de David Palmer (miembro no oficial encargado de las partituras orquestales). Aqulung fue también la despedida de Clive Bunker (estupendo como siempre) de Jethro Tull quien tras el primer tramo del tour Norteamericano en 1971 prefirió marcharse para casarse y llevar una vida menos agitada lejos de las agotadoras giras. Esta edición de Aqualung fue remasterizada en 1996 con el sistema 20 bit mapping en conmemoración de los 25 años de su lanzamiento, viene con un excelente libreto y 6 bonus tracks que sinceramente no fueron lo que yo esperaba: una outtake ('Lick Your Fingers Clean'), la mezcla cuadrafónica de 'Wind-up' (diferente a la original), una entrevista de 13 minutos donde Ian rememora aquellas sesiones y 3 temas grabados para la BBC completamente fuera de lugar pues pertenecen a los tiempos de los 2 primeros albumes. Aún así una edición que le hace justicia a uno de los mejores albumes de la música del pasado siglo. |
Aunque históricamente marcado con la ingrata etiqueta de "obra de transición" Benefit fue un album importantísimo en la evolución de Jethro Tull hacia su cima creativa en los 70. La incorporación del tecladista John Evan (inicialmente sólo temporal) se reveló clave en la maduración estilística de la banda. Su presencia en Benefit no tuvo el brillo que mostraría en los albumes sucesivos pero la labor de Evan enriqueciendo las texturas de los temas permitió a Martin Barre desarrollar ampliamente su labor solista dotando a JT con un sonido más sólido y compacto que rompía defintivamente lazos con el pasado Jazz/Blues pero sin descuidar el aspecto lírico. El resultado fue una colección de canciones con menor profusión de estilos que en Stand Up pero más homogéneas y de mayor impacto global gracias al contraste entre la tensión rítmica de Cornick/Bunker junto a los riffs de Barre por un lado y el rico entramado de las melodías trazado por Ian Anderson con la guitarra acústica con el apoyo de los teclados por el otro. El tema de apertura 'With You There To Help Me' es claro ejemplo de lo expuesto, una melodía Folk conducida por Anderson y acentuada por los duros riffs de Barre que se desliza al final en una coda cargada de intensidad instrumental; la pieza cuenta además con una curiosa parte de flauta en reverso que le otroga un vago y delicioso aire psicodélico. El siguiente 'Nothing To Say', es sin duda uno de los mejores temas del disco, una hermosa melodía cantada con un tono de melancolía y con el trío Barre-Cornick-Bunker pisando el acelerador en los estribillos logrando contrastes de alta emotividad. El prodigio se repite en la estupenda 'Alive And Well And Living In' donde John Evan traza unas hermosas figuras Jazzísticas con el piano por debajo de la guitarra acústica y la flauta. 'For Michael Collins, Jeffrey And Me' (dedicada nuevamente a su amigo Jeffrey Hammond), 'Inside' y 'Sossity, You're A Woman' muestran el lado más relajado y melódico de Jethro Tull, especialmente la última que cierra el disco, una brillante balada acústica rica en detalles que a mi juicio merece ser recordada entre sus más grandes creaciones. En contraparte el lado más visceral queda plasmado en 'Son' (el tema menos conviencente, con un riff duro hasta la suciedad y un interludio acústico que suena fuera de lugar), la brillante 'To Cry You A Song' destinada a convertirse en uno de sus grandes clásicos, 'A Time For Everything?' y la soberbia 'Play In Time', pieza que al igual que la anterior 'To Cry You Song' conjuga ya todos los elementos que moldean el característico estilo Tull y que cuenta además con una pista de guitarra procesada (en reverso y acelerada hacia adelante). En la letra Ian expone su desencanto hacia los críticos musicales, postura que con los años se tradujo en fuertes roces y duros epítetos hacia la prensa. Ya antes de su lanzamiento JT se embarcó en un intensivo tour de 30 semanas por EUA con esporádicos saltos a Europa (uno de ellos fue la legendaria actuación en la isla de Wight en Agosto 1970), cuando Benefit salió en Norteamérica el mes de Abril ya el público conocía las canciones ayudando a empujar el disco hacia el puesto N° 11 (en Gran Bretaña se publicó 10 días después y llegó al puesto N° 3). Previamente la banda tuvo un éxito importante en EUA con el tema 'Teacher' (b-side de 'Witch´s Promise') razón por la que se incluyó en la edición Norteamericana en lugar de 'Alive And Well And Living In'. Culminada la gira en Diciembre de 1970 Glenn Cornick se marchó para formar Wild Turkey; al parecer Glenn era un hombre de excesos y chocaba con el estilo de vida sano de los Tull (Ian Anderson y Martin Barre rechazaban vehementemente las drogas y el alcohol) y aunque se dice que Ian lo echó lo cierto es que un año después Wild Turkey era telonero en las giras de Jethro Tull por Europa. Como no tengo la edición remasterizada utilicé en este post el CD Inglés de 1997 en formato mini-replica (que suena muy bien) y le agregué los 4 bonus tracks que tenía guardados por ahí (los singles 'Singing All Day', 'Witch´s Promise', 'Just Trying To Be' y 'Teacher'). Para algunos un disco menor pero que en mi humilde opinión es capaz de codearse sin complejos con sus obras más conocidas.
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Poco después del debut discográfico de Jethro Tull Ian Anderson comenzó a trabajar en el material para el siguiente album. This Was fue bien recibido y profusamente alabado por su originalidad y Jethro Tull pasó a ser una de las más grandes promesas en la escena Británica, no obstante esto no era suficiente para Anderson. Siendo un músico de amplio criterio él deseaba explorar otros estilos y territorios pero tenía un obstáculo en el guitarrista Mike Abrahams. Mike era un purista y quería mantenerse dentro de los parámetros de This Was (Blues y Jazz en un contexto de Rock), esto ocasionó un enfrentamiento entre ambos polos que culminó con la partida de Abrahams. Después de probar breve e infructuosamente con Tony Iommi (futuro Black Sabbath) y Davy O'List (ex The Nice) Ian se decidió por Martin Lancelot Barre (que había grabado con una banda llamada The Penny Peeps) como remplazo de Abrahams. Siendo un guitarrista mejor dotado técnicamente y más abierto musicalmente, Barre calzó a la perfección en los nuevos Jethro Tull, su estilo Rockero y versátil dotó al cuarteto de mayor solidez y cohesión a la vez que permitió a la banda contar con abanico sonoro más amplio. Esa nueva visión quedó plasmada en el segundo album de Jethro Tull publicado en Agosto de 1969 bajo el título de Stand Up. Sin duda que el desprenderse de la fórmula de This Was que tan buena impresión había causado fue una jugada arriesgada pero en defintiva son los artistas intrépidos quienes escriben la historia y Jethro Tull nació para hacer grandes cosas; con Glen Cornick y Clive Bunker aportando un deslumbrante soporte rítmico y el pragmático virtuosismo de Martin Barre, Ian Anderson se sintió libre para desplegar sus dotes interpretativas y creativas: el tema de apertura 'A New Day Yesterday' es un Blues cargado de una tensión abrasiva a años luz de la visión convencional de This Was, con Ian cantando a la manera de los viejos Bluesmen sobre la vibrante pulsación rítmica y los riffs concéntricos de Barre para explotar en el break con un preciso solo de flauta. Lo mismo aplica a 'Nothing Is Easy' y a 'For Thoundsand Mothers' que al igual que en el anterior album funden Jazz y Blues pero con una dinámica más vibrante y novedosa. El interés de Anderson por las tonalidades clásico-barrocas está patente en 'Bourée', adaptación en clave Jazz del 'Bourée en E menor' de J.S.Bach que se convirtió en una ventana para su virtuosismo a la flauta y uno de los temas más populares de los Tull. Ian no era ajeno a la rica tradición Folk Británica y aquí explora esa vena acústica en temas como 'Jeffrey Goes To Leicester Square' (la segunda de 3 piezas dedicadas a su gran amigo Jeffrey Hammond, la primera fue 'A Song For Jeffrey'), 'Look Into The Sun' y 'Reasons For Waiting'. 'Fat Man' tiene fuertes acentos Magrebíes (Norte de Africa) mientras que 'Back To The Family' apunta al Rock sólido de los albumes por venir. Mención aparte para la estupenda y poco conocida 'We Used to Know' que The Eagles plagiaron en 1976 en 'Hotel California' (la progresión de acordes en ambas es exactamente igual). Apoyado por el éxito del single 'Living In The Past' (no incluido en el album original) Stand Up llegó al puesto N° 1 en Gran Bretaña y al N° 20 en EUA, nada mal para unos casi debutantes... aunque lo realmente importante es que este album marcó el despegue de unos Jethro Tull que prácticamente dominaron la escena progresiva durante los 70 con pocos altibajos y que los consagró a la postre como una de las mejores bandas de la historia. Esta espectacular Collector's Edition consta del album original remasterizado y ampliado a 21 temas con la inclusión de los singles de la época ('Living In The Past'/'Driving Song' y 'Sweet Dream'/'17' más la versión en mono de 'Living In The Past'), 4 temas grabados para la BBC ('Bouree', 'A New Day Yesterday', 'Nothing Is Easy', 'Fat Man') y un par de spots promocionales para las radios Norteamericanas. Un segundo CD incluye el célebre recital efectuado en el Carnegie Hall de Nueva York en 1970 del cual sólo 2 temas se habían lanzado oficialmente en el recopilatorio Living In The Past de 1972. La colección trae además un DVD (no incluido en este post) con el mismo recital completo sin editar mezclado en DTS Surround 5.1 reproducible también en cualquier aparato de DVD con sonido stereo. Por cierto que para dicho recital la banda ya se había ampliado a 5 miembros con la llegada del tecladista John Evan, ex-miembro de The Blades y The John Evan Band, las dos agrupaciones de cuyos restos nació Jethro Tull. |
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La inesperada muerte de Gary Moore el pasado 6 de Febrero (un ataque cardíaco mientras dormía durante unas vacaciones en Málaga) nos dejó sin otro de los grandes guitarristas vivientes. Dotado de una técnica alucinante, velocidad, versatilidad y un dominio absoluto de las escalas y los tonos, su talento sin embargo no ha sido valorado en su justa dimensión. Me gustaría que algún erudito me explicase qué tienen Joe Satriani, Steve Vai, Edward Van Halen o el difunto Randy Rhoads que no tuviera Gary Moore, por qué si bien se le reconocen sus hablidades nunca se le cita en el selecto grupo de los grandes. No obstante este Irlandés tuvo una carrera tan brillante como coherente demostrando no sólo su virtuosismo sino también sus dotes como compositor y cantante, tanto en Skid Row (los originales, no los vulgares hard rockeros de los 90), Thin Lizzy y Colosseum II como al frente de su propia banda. Después de separarse definitivamente de Thin Lizzy tras el soberbio album Black Rose en 1979 y tras un breve paso por la banda de Greg Lake (ex bajista y cantante de ELP) a principios de los 80, Gary concentró todas sus fuerzas en su carrera solista produciendo muy buenos discos de Hard Rock marcados por su torrencial estilo, pero tras el album After The War de 1989 Moore redescubre su pasión por el Blues, grabando uno de sus discos más conocidos (el soberbio Still Got The Blues), formando una nueva banda llamada Midnight Blues Band con quienes se dedicaría a recorrer los escenarios del mundo para demostrar que lo suyo no se limita a las vertiginosas carreras por el mástil de la guitarra sino que también es un intérprete cargado de sensibilidad y expresividad. Blues Alive esta tomado de algunos conciertos en Los Angeles, París y Londres como parte de su gira mundial de 1992 y es el disco que más me gusta recomendar de este caballero; una vibrante combinación de temas propios y clásicos del Blues respaldado por una extraordinaria banda donde se dan cita algunos viejos zorros del British Blues (el tecladista Tommy Eyre, el bajista Andy Pyle, el baterista Graham Walker) junto a una trepidante sección de vientos y un par de chicas haciendo coros. El tema 'Cold Day In Hell' inicia los trámites por todo lo alto con la sección de vientos poniendo el contrapunto perfecto a los feroces punteos de Gary. La entrada de guitarra en 'Walking By Myself' del inmortal Jimmie Rodgers deja en claro cual es el nivel de Moore. Algunas de sus propias composiciones suenan tan auténticas que resulta difícil distinguirlas de los clásicos del Blues, tal es el caso de 'Story Of The Blues', 'Since I Met You Baby' y 'King Of The Blues' (dedicada a su ídolo Albert King). Su versión de 'The Sky is Crying' es una de las más intensas de este viejo clásico e incluso rescata a uno de los más injustamente olvidados héroes del Blues Inglés, el fallecido Duster Bennett, con el tema 'Jumpin´At Shadows'. En 'So Tired' (original de Johnny "Guitar" Watson) Gary hace dúo con el legendario guitarrista de Blues Albert Collins (quien sinceramente no sale muy bien parado al tratar de seguirle el paso a la escurridiza guitarra de Gary). En un par de oportunidades nos cuela 2 de las sensibileras baladas que de vez en cuando escribe, pero el solo en 'Parisienne Walkways' es tan impresionante que le perdonamos eso y más. Si te gusta el Blues Rock en vivo no dejes pasar este magnífico disco. |
 Rory Gallagher... eterno e insustituíble. Un brillante guitarrista, una leyenda absoluta, quizá la mejor combinación de técnica y feeling en su estilo. Un tipo que siempre hizo lo que debía hacer sin importar las modas y los cambios de tendencia en el rock, me refiero a grabar excelentes discos y a ofrecer inolvidables recitales. ¿Glam?, ¿Punk?, ¿New Wave?, ¿Heavy Metal?, ¿Grunge?... ¿A quién le importaba cuál era el "sabor del mes" cuando tenías a un tipo como Rory volándote la cabeza con sus incendiarios riffs, sus magníficos punteos, su arenosa voz y su brillante banda a las espaldas?. ¿Cómo resistirse a esos blues que se retorcían como una serpiente en celo azotada por los torrentes eléctricos de su guitarra?. Su muerte si bien no llamó mucho la atención de las rapiñas necrófilas en la industria discográfica fue un durísimo golpe, pues hace falta un Rory Gallagher que nos recuerde la uniforme vulgaridad del Rock actual. Pero a falta de su añorada figura nos quedan al menos discos como este para recordar cuán grande fue nuestro querido Irlandés. El primer CD de BBC Sessions recoge temas grabados entre 1973 y 1979 en diversos conciertos producidos por la BBC de Londres para sus espacios radiales de Rock, con ejecuciones que te dejan con la boca abierta y que deberían ser escuchadas por todos los imberbes pichones de guitarrista que salen en la portada de Guitar Player sólo porque su banda vendió 1 millón de copias (sobran los nombres), con un Rory desbocado y apoyado por una fenomenal banda donde brillaba Gerry McAvoy, su alter-ego y uno de los mejores bajistas de todos los tiempos, sin olvidar al soberbio baterista Rod deAth (sustituído en los 2 temas finales por otro peso pesado llamado Ted Mc Kenna) y al pianista Lou Martin poniendo el contrapeso melódico a los desmanes de Rory. A pesar que los temas provienen de épocas diferentes (y que no están secuenciados cronológicamente) dá la impresión que estamos ante un recital completo y esto demuestra su gran coherencia estilística a lo largo de los años. Los 3 primeros temas ('Calling Card', el blues 'What In The World' y Jacknife Beat') tienen un inicio si se quiere algo lento, y es que Gallagher era un maestro en eso de contener la tensión para irla iberando poco a poco en la medida que los temas iban ganando terreno, la manera como su guitarra se destapa con el pulsante crescendo de la sección rítmica y los suaves contrapuntos del piano son toda una lección de Rock & Roll. La tensión se desata por completo en 'Country Mile', 'Got My Mojo Working' y 'Roberta' y tras una nueva pausa Bluesística en 'Garbage Man' vuelve con mayor intensidad en el tramo final ('Used To Be', 'I Take What I Want' y 'Cruise On Out') donde el paso de Lou Martin del piano al órgano Hammond convierte al cuarteto en una auténtica aplanadora. El otro CD contiene diversas sesiones grabadas en estudio entre 1971 y 1973 (excepto el tema de cierre 'Hoodoo Man' grabado en vivo en 1972) también para la BBC y nos muestra el lado más "controlado" de Rory Gallagher, incluso en los temas más duros; son piezas menos "viscerales" pero más trabajadas en el plano formal, cargadas de expresividad que incluso alcanzan cotas de alta delicadeza como en 'Daughter Of The Everglades', tema que seguramente sorprenderá (espero que gratamente) a más de un fan. Como siempre ocurre con estas producciones de la BBC todo está cuidado hasta el mínimo detalle, incluyendo un corto pero buen libreto con datos y un texto del hermano de Rory, Donald Gallagher. Dios te bendiga allá arriba Rory... y no olvides guardarnos unas cervezas frías!. |
Curiosamente este es el único album en la discografía de Robin Trower editado en CD con tratamiento especial (remasterizado a 24 bits + bonus tracks) por parte de Chrysalis, el sello que lo cobijó en los 70; todos los demás han sido rotundamente ignorados. Sólo el sello Inglés BGO hizo una redición masiva de su catálogo a comienzos de milenio en forma de twoffer (2 LPs originales en 1 CD) con muy buen sonido y textos de músicos prestigiosos (Robert Fripp, por ejemplo), pero es que Trower merece mucho más. El fue sin duda alguna el gran "guitar hero" de mediados de los 70, heredero directo de los grandes "axemen" de la pasada década (sobre todo de Jimi Hendrix, quien fue su amigo y máxima inspiración); un hombre que cuando se lanzó como solista ya llevaba su leyenda a cuestas, me refiero el haber sido guitarrista de la formación clásica de Procol Harum junto a quienes realizó una gran labor a pesar de ser una banda dominada por los teclados. Y es que un tipo con su talento interpretaivo y su técnica necesitaba su propio espacio para desarrollarse... y vaya que lo consiguió, pues tras un excelente debut con Twice Removed From Yesterday (1972) vino el disco de la confirmación, este brillante Bridge Of Sighs (1974), el pináculo de su carrera y uno de los mejores "guitar albums" de todos los tiempos. la fórmula de su éxito estuvo, primero, en la delicada elección del formato de trío para su banda, delicada porque las comparaciones con Hendrix fueron automáticas y como todos sabemos las comparaciones pueden ser tan nocivas como las malas críticas; y en segundo lugar, por la elección de compañeros de altura, y me refiero específicamente a Jim Dewar, buen bajista y mejor cantante cuya voz se convirtió en el segundo elemento característico de la discografía Troweriana, aunque tampoco hay que olvidar al potente baterista de color Reg Isidore que en los breaks instrumentales cumplía más que eficientemente el papel de perno en el contexto sónico del trío. El disco tiene en 'Day Of The Eagle' el incio que caracteriza a los grandes albumes del Rock con una potente entrada de la guitarra en call & response con la sección rítmica hasta unirse los 3 en frenético galope. La dupla formada por 'Bridge Of Sighs' y el siguiente 'In This Place' es sin duda uno de los momentos de mayor efecto en todo el disco: atmósfera densa y amenazante, andar lento casi tortuoso, la guitarra de Robin que asemeja a una bestia en lenta agonía y la soulful y casi perversa voz de Dewar que desgrana la letra para suavemente unirse con el siguiente tema donde la oscuridad muta en melancolía con una naturalidad sorprendente. El solo de guitarra de 'The Fool And Me' es tan corrosivo que casi me imagino a Robin quemándose las manos, un momento puramente Hendrixiano (y yo criticando las comparaciones...). La primera parte de 'Too Rolling Stoned' se mantiene en la coordenadas anteriores pero a la mitad se quiebra hasta desembocar en un vibrante blues instrumental con un Trower desbocado; este tema se convertiría en uno de los temas básicos de su repertorio en escena. 'About To Begin' es el regreso a la densidad del tema homónimo y casi parece una coda de la dupla citada anteriormente, con Dewar regalándonos una de sus más sensibles interpretaciones. 'Lady Love' es el tema más soulful del disco y encontrará inmediatamente en las presentaciones en vivo su elemento ideal para desarrollarse, un tema sin duda hecho pensando en los conciertos. El disco se cierra brillantemente con 'Little Bit Of Sympathy', otra stage-favourite, el tema más heavy del album, con "Trower Tower" (la torre Trower, como lo llamaban sus fans en EUA) recordando quien es el que manda y obsequiando a sus detractores con un sonoro bofetón (aquellos que lo acusaban de ser un simple imitador) y cerrando con broche de oro un disco para la posteridad. Los bonus tracks son 5 temas del disco grabados en los estudios Record Plant de Los Angeles en vivo, con público incluido y retransmitidos en directo por la emisora KMET, y si bien el hecho de ser una transmisión radial obliga a recortar algunos temas, el trío muestra de qué madera están hechos y que su calidad no es precisamente maquillaje de estudio. Un disco para degustar nota a nota. |
 Cada vez que mudo de blog (toquemos madera, toc! toc!) suelo guardar un espacio sagrado para los artistas que considero indispensables en mi colección, entre ellos un músico que siempre ha generado sentimientos encontrados: me refiero al no siempre bien ponderado pero igualmente bienvenido guitarrista Canadiense Frank Marino y su banda Mahogany Rush. Con o sin justificación Marino ha entrado en la historia del Rock & Roll como un clon de Jimi Hendrix. No es sólo por su estilo a la guitarra, en los 70 todo en él recordaba al gran Jimi: el tono de su voz, su manera de cantar, su forma de componer, su presencia escénica.... hasta su manera de vestir cual dandy psicodélico. Cuenta la leyenda que en 1970 nuestro héroe cayó en estado de coma tras ingerir LSD en mal estado pero despertó repentinamente cuando Hendrix se le apareció en espíritu para nombrarlo su sucesor. Otra versión modificada de la historia relata que tras ser atropellado por un auto Frank ingresó al hospital donde los médicos lo tenían conectado a un respirador artificial; cuando estaban por declararlo clínicamente muerto Marino despertó anunciando que su ídolo había reencarnado en él. Por supuesto que Frank ha desmentido categóricamente esas risibles historias pero lo cierto es que al menos al inicio de su carrera él mismo propagó algunos rumores para llamar la atención hacia su música. Sea como sea en 1972 Frank Marino formó el trío Mahogany Rush con Paul Harwood al bajo y Jim Ayoub a la batería y se dedicó a llevar su mensaje Hendrixiano por Canadá y el norte de EUA. Sus detractores lo acusaban de copiar descaradamente a su mentor y de plagiarle sus melodías, si bien hay algo de cierto en esto es bueno hacer un par de consideraciones: en primer lugar Jimi ha tenido muchos imitadores pero sólo un consumado guitarrista como Frank Marino podía darse el lujo de bisar a Hendrix y sonar absolutamente convincente. En segundo lugar detrás de su obsesión Hendrixiana Frank poseía una técnica formidable y fue a su manera un gran innovador; él mismo se fabricaba sus propios amplificadores para lograr el sonido justo, traspoló el sonido Hendrix a las guitarras Gibson (Jimi y su corte de imitadores sólo usaban guitarras Fender) y perfeccionó un truco que ni su padre espiritual logró hacer en vida: reproducir en vivo el sonido de la guitarra en reverso usando un simple pedal de tonos. Entre 1972 y 1975 el trío hizo 3 albumes (Maxoom, Child Of Novelty & Strange Universe) logrando un éxito importante (aunque no masivo) con ventas decentes y mucho público en sus recitales. En 1976 pasaron a llamarse Frank Marino & Mahogany Rush (dejando claro quien era el "boss") continuando su buena racha hasta 1980 cuando Frank continuó como solista, aunque el trío original volvería a la vida entre 1988 y 1990. Aquellos 3 primeros discos en la discografía de Mahogany Rush fueron uno de los grandes ausentes en la era del CD pues la casa discográfica original del trío desapareció y hubo diversas pugnas legales por la posesión de las cintas maestras. En 1995 el sello retro Inglés Ace logró que les alquilaran las cintas y preparó este doble CD (lanzado a su vez a través de otro sello llamado Big Beat también especializado en viejos clásicos oscuros del Rock) que contiene los 3 primeros albumes antes citados; quizá no sea la mejor manera de descubrirlos pues al agruparlos en una sola colección los albumes pierden su identidad, además que los productores de manera absurda colocaron los temas del segundo album antes que los del primero, pero hasta 2006 (cuando por fin se remasterizaron los viejos LPs) fue la única manera de escucharlos en CD. Tras lo expuesto hasta ahora creo supérfluo entrar en detalles sobre el material, los temas contienen todos los clásicos clichés Hendrixianos, algunos suenan semi-calcados del repertorio de Jimi pero otros demuestran la gran musicalidad de Frank y la personalidad del trío (Paul y Jim hacen un estupendo trabajo respaldando a Marino sin caer en la tentación de imitar a la sección rítmica de Hendrix). Pero ya que insisten en preguntar me quedo con Child Of Novelty, un disco con auténticas joyas como 'Child Of Novelty' (donde Marino toca todos los instrumentos), la pseudo-Jazzística 'Makin´ My Wave' (Mahogany Rush demuestra un gusto exquisito por las formas del Jazz aquí y en otras piezas de los 3 albumes), 'Guit War' (en este tema Frank hace todos los sonidos en directo sólo con su guitarra sin efectos ni overdubs) y la belleza etérea de 'Chains Of (S)Pace', aunque de los 3 trabajos Strange Universe sea el más personal. Una colección que gustará a los fans de Hendrix pero que también rescata el legado de uno de los músicos más injustamente subestimados del Rock. |
 Formados a finales de los 60, Stray pertenecen a la categoría de bandas Inglesas de Rock a las que suelen referirse irónicamente como "beautiful losers", es decir bandas que no saltaron a la primera división del Rock y no precisamente por falta de calidad. Editaron 8 albumes entre 1970 y 1977, recibieron excelentes críticas por parte de la prensa, se hicieron una gran reputación con sus recitales (de hecho se desempeñaron en la época en que los festivales abundaban como el arroz en Europa), telonearon a bandas de primera fila (lo que teóricamente les beneficiaba pues les daba amplia exposición a los grandes públicos)... no obstante sus ventas fueron muy modestas. La formación clásica de aquellos años la componían Del Bromham (guitarra y teclados), Steve Gadd (guitarra y voz solista), Gary Giles (bajo) y Ritchie Cole (batería), su estilo inicial oscilaba entre el hard rock y la psicodelia pero era lo suficientemente flexible para absorber otros elementos y mostrar diversos matices. Dejan de existir en 1977 pero gracias al proceso de reivindicación del Rock de los 70 que caracterizó a la escena Grunge en los 90, se puso el nombre de Stray nuevamente en el tapete. Del Bromham aprovecharía la oportunidad para armar unos nuevos Stray en formato trío (con él como único miembro original) que se dedicarían a recorrer Europa y grabar nuevos albumes manteniéndose en plenitud de condiciones en este 2011. Discos que irónicamente tuvieron mejor aceptación que el material original de sus primeros años. Curiosamente sus 8 discos originales se mantuvieron descatalogados por problemas legales con los masters (un vinilo original se valoraba en 60 Euros), cuestión que el sello Castle subsanó parcialmente en 2003 con esta estupenda antología doble acertadamente titulada Time Machine que recoge 32 temas representativos de su etapa clásica más 3 rarezas: 2 temas que aparecieron sólo en un recopilatorio colectivo ('Get Out Right Away' y 'Georgia') y una b-side inédita ('Mamma´s Coming Home'). El material ofrece una excelente panorámica de la evolución de Stray a lo largo de esos años, comenzando con la larga y psicodélica 'All In Your Mind' (versionada por Iron Maiden entre otros). 'Time Machine' está conducida por un duro riff que contrasta con una melodía casi Pop. Las estupendas 'Son Of The Father' y 'Jerichó' son temas de corte 100% progresivo. 'Suicide' habría calzado a la perfección en el Master Of Reality de Black Sabbath. 'Our Song' inicia con sabores Country para luego desembocar en un Rock pseudo Hendrixiano. 'Come On Over' y 'Give It Up' tienen arreglos orquestales... y así el resto de la colección, mostrando un gran abanico de estilos y tendencias: Boogie Rock estilo Sureño, sólido Hard Rock con riffs densos, midtempos con armonías vocales y guitarras acústicas, temas con vocación de singles. Toda la banda trabaja en bloque predominando el colectivo sobre el protagonismo, aunque Del Bromham demuestra claramente ser un guitarrista de muchos recursos. En 1975 Steve Gadd es remplazado por Peter Dyer, quien inyectó nuevos bríos a la banda como puede apreciarse en el tramo final del segundo CD donde Stray recupera el sonido más vibrante de sus primeros discos. En resumen una gran edición del sello Inglés Castle (recientemente absorbidos por la multinacional Universal Group) quienes de paso han hecho una estupenda labor rescatando infinidad de oscuros clásicos del Rock Británico. El sonido es excelente y la presentación gráfica impecable, con un desplegable que incluye un largo texto biográfico, nuevas entrevistas con la banda, fotos y memorabilia. Y aunque la discografía de Stray vuelve a estar disponible por primera vez en CD (en ediciones remasterizadas con abundantes bonus tracks), esta colección mantiene su vigencia. |
Los programas radiales de la BBC no eran precisamente el medio natural para exponer el exuberante sonido de The Who, pero como otros nacientes astros del Rock Británico el cuarteto de Shepherd´s Bush aprovechó esos espacios para mantener y ganar público. Las condiciones bajo las cuales se efectuaban las sesiones eran bastante primitivas: no más de una hora para grabar las canciones, el productor designado por la emisora (y ajeno a la banda) para dirigir la sesión y el ingeniero operando una grabadora monofónica; la BBC buscaba invertir lo menos posible en dichos programas pues (conservadores como eran) no creían completamente en el poder comercial del Rock And Roll y trataban que todo fuera lo más expedito posible, de hecho, una vez transmitido el programa la cinta solía reutilizarse en la siguiente sesión. A pesar de estas limitaciones los archivos de la BBC son una estupenda cápsula del tiempo y la mejor forma para apreciar de cerca los años formativos de tantas leyendas de la música, años en los que la radio reinaba soberana incluso sobre la mismas ventas de discos. Como expuse hace un tiempo en un post similar dedicado a The Yardbirds, el sindicato Británico de músicos limitaba a 80 horas semanales la cantidad de música grabada que podían tocar las emisoras, el resto tenía que ser transmitido en vivo o grabado en vivo para su posterior retransmisión, esto con la intención que todos los músicos gozaran de iguales oportunidades, grabaran discos o no. Volviendo a The Who estos no eran precisamente del agrado del comité que aprobaba a los artistas que debían ser contratados para grabar en la BBC, pero el éxito de sus recitales los hizo decidirse y en Mayo de 1965 la banda hizo la primera de 10 aparaciones durante los próximos 5 años. A pesar de no contar con el calor de su público The Who se desenvolvieron bastante bien en esos primeros años (1965-1967) alternando sus éxitos, material de sus albumes y versiones de sus artistas favoritos; notable es la versión de 'Anyway, Anyhow, Anywhere' con Pete recreando magníficamente la misma cacofonía de feedbck y distorsiones del single original; en 'The Good´s Gone', 'Dancing In The Street' (de Martha & The Vandellas) y 'Run Run Run' Townshend vuelve a hacer de las suyas con su guitarra dándole un giro muy interesante a las piezas; 'Disguises' suena menos demencial pero más densa a pesar de la obvia ausencia de los overdubs de guitarra; hits como 'I´m A Boy', 'Boris The Spider', 'Happy Jack' o 'Pictures of Lily' suenan maravillosamente crudos y 'See My Way' me gusta mucho más que la incluida en el album A Quick One. Curioso fue el caso de 'Good Lovin' perteneciente a un oscuro combo de R&B llamado The Olympics y que The Who grabaron un año antes que la conocidísima versión de The Young Rascals. Ya entrados en los años 70 como artistas establecidos la BBC les dió concesiones a la altura de su prestigio, permitiéndoles grabar en stereo y haciendo overdubs para pulir los temas como lo demuestran la nueva versión de 'Substitute', ' el single 'The Seeker', una 'Shakin´ All Over' con la voz de Roger tratada con eco y la relectura "heavy" de 'I´m Free'. Estas serían sus últimas sesiones radiales pero en 1973 grabaron 2 versiones de 'Relay' y 'Long Live Rock' para la BBC TV posteriormente restransmitidas en el popular programa Inglés 'The Old Grey Whistle Test'. BBC Sessions fue editado en 1999 y recoge 22 temas (más 3 simpáticos radio spots elaborados sobre canciones de los propios Who) con estupendo sonido, más un conciso y bien anotado libreto. Un disco no para diseccionar con sentido crítico sino para disfrutar y dejar volar la imaginación hacia los fabulosos años 60. |