Cuando a mediados de los 80 el sello MGM/Verve preparaba las primeras rediciones en compact disc de Velvet Underground, aparecieron una serie de cintas sin catalogar con material de estudio desconocido hasta la fecha. Este hallazgo sirvió para ensamblar dos CD’s de rarezas: VU en 1985 y Another View en 1986, de los cuales les ofrezco aquí el primero. De los 10 temas 8 fueron grabados entre Mayo/Octubre de 1969 y pertenecen a las sesiones del legendario "lost album” de VU que el sello MGM se negó a lanzar al mercado debido a las bajísimas ventas de los 3 anteriores; de hecho no sólo cancelaron el disco sino que además los echaron y Velvet Underground firmó posteriormente con Cotillion, una subsidiaria del sello Atlantic. Son temas que siguen la línea del tercer disco homónimo de la banda (incluso algunos apuntan a la comercialidad de Loaded), obra donde tras la sustitución de John Cale por el bajista/organista Doug Yule Velvet se lavó la cara abandonando la vanguardia y la experimentación a favor de un Rock más convencional. No obstante hay piezas muy bien logradas como la intensa ‘Lisa Says’, la hipnótica e inquietante ‘Ocean’, la propulsiva Foggy Notion (que se convirtió en todo un clásico de sus recitales y que poseía todas cualidades para atraer a una nueva generación de fans) y la psicodélica ‘ One Of These Days’. Resulta curioso además como algunos de estos temas fueron sucesivamente regrabados por Lou Reed: ‘I Can´t Stand It’, ‘Lisa Says’ y ‘Ocean’ en su primer album solista (1971), ‘Andy´s Chest’ en Transformer (1972) y ‘She´s My Best Friend’ en Coney Island Baby (1976). Las otras 2 piezas (‘Stephanie Says’ y ‘Temptation Inside Your Heart’) fueron grabadas con John Cale aún en la formación, por la fecha se ubican en las sesiones posteriores al segundo album White Light/White Heat y por la estética Pop de ambas resulta fácil concluir el por qué Cale dejó Velvet Underground, aunque ‘Stephanie Says’ es una de las más hermosas melodías compuestas por Reed y que por cierto sería el boceto para ‘Caroline Says’ del album Berlin. En resumen, un buen disco indispensable para los fans de la banda aunque los curiosos podrán encontrar aquí algunas piezas interesantes.
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Fecha: 15-Sep-2010
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Para este post voy a tomar una pequeña licencia (aunque algunos la considerarán una transgresión) y saltarme Loaded, el cuarto album de Velvet Underground en estudio. La razón principal es que no lo tengo en CD, y no me he molestado en comprarlo porque no me gusta. Y que me perdonen los puristas pero para mí en ese album ya no reconozco a los Velvets: Lou Reed estaba decidido a convertirse en una estrella y compuso una colección de fuerte y directo Rock & Roll que le abrió las puertas de la popularidad, sin el peculiar característico estilo de Mo Tucker en la mayoría de las piezas (pues estaba embarazada y hubo que sustituírla por Billy Yule para completar el disco), y con Doug Yule convertido en el brazo derecho de Lou cantando la mitad de las piezas. Sin entrar en más detalles les ofrezco este buen recopilatorio remasterizado The Best Of The Velvet Underground con doce piezas seleccionadas de los 4 albumes de estudio más otras tres del disco de rarezas VU de 1985. La secuencia del material es excelente y los temas ‘Rock And Roll’ y ‘Sweet Jane’ (los únicos de Loaded dignos de figurar) son las versiones originales y no las mezclas alternas que circulan en las actuales ediciones de ese disco. Un excelente y bien representativo repaso del catálogo de Velvet Underground.
Categoría: 60's |
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Fecha: 12-Sep-2010
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 Tras el fracaso de White Light/White Heat Lou Reed convocó a nuevas sesiones de grabación con la intención de discutir el futuro de VU y plantear un cambio en la dirección musical. Mientras el material de John Cale ahondaba aún más en la experimentación las nuevas canciones de Lou Reed sonaban más convencionales. Esta ambiguedad de criterios hizo aflorar las primeras diferencias musicales entre y Reed y Cale, y convenció a este a proseguir su propio camino iniciando una brillante y prolífica carrera solista. Su puesto fue ocupado por Doug Yule, joven bajista de una banda de Boston llamada The Grass Menagerie que en 1.967 abrió algunos recitales de Velvet en la costa este. Siendo un músico diametralmente opuesto a Cale (menos vanguardista e intuitivo pero más técnico) Yule favoreció la nueva orientación de Velvet Underground pero en ningún momento fue factor determinante para el cambio, como algunos críticos han sostenido por años. El resultado fue un album llamado simplemente The Velvet Underground grabado en los últimos meses de 1.968 y lanzado en Marzo de 1.969, y si bien vendió aún menos que los anteriores cambió la percepción sobre Velvet Underground y les abrió las puertas de un público más amplio y receptivo. Este tercer trabajo es la antítesis del anterior, con canciones perfectamente construidas, melodías simples y un sonido más limpio, no obstante este cambio no afecta la calidad del resultado final convirtiendo al disco en otra pieza fundamental del legado Velvet aunque en un contexto diferente; de hecho así como White Light/White Heat fue el prototipo para el Punk de los 70, The Velvet Underground fue una gran inspiración para el sonido Lo-Fi de los 90 representado por artistas como Sebadoh, Pavement, Liz Phair o Yo La Tengo. En una biografía sobre la banda publicada por una revista Española a mediados de los 70, el crítico Rock Damián García sugirió la existencia de un hilo conceptual en este disco, opinión que yo comparto. Partiendo de esta teoría TVU cuenta la historia de Candy, un transexual que se odia a sí msimo por su condición ambígua y que tras una serie de vicisitudes logra liberarse de su prisión mental y aceptarse tal cual es; este ciclo se iniciaría con el tema que abre el disco ‘Candy Says’ (con una delicada interpretación vocal de Doug Yule) y alcanza su clímax en ‘I´m Set Free’ con un crescendo lleno de dramatismo que le otorga una dimensión casi operística. Pero independientemente de esta temática (si es que en realidad existió en la concepción de Reed) el album contiene varias piezas memorables: ‘What Goes On’ es el clásico indiscutible de todo el album, la melodía se desliza sobre el riff de órgano de Doug Yule con un estupendo trabajo de guitarras por parte de Reed y Sterling, la percusión de Mo Tucker ligeramente imperceptible e incisiva a la vez y una coda que desearías no terminara nunca. ‘Pale Blue Eyes’ y ‘Jesus’ tienen un tratamiento tenue y frágil creando una atmósfera de melancólica dulzura acentuada por la susurrante vocalización de Reed. ‘The Murder Mystery’ es un collage experimental que por momentos nos traslada al sonido de los antiguos Velvet; la construcción rítmica y el acompañamiento del órgano es reminescente del estilo de The Doors. La breve ‘Afterhours’ cantada por Mo cierra el disco con un toque de inocencia y una letra trágicamente poética ("Si cierras la puerta/ la noche podría durar para siempre/ deja la luz del sol afuera/ y dile "hola” a la nada/ todo el mundo baila y se divierte/ me gustaría que eso me estuviese pasando a mí/ pero si cierras la puerta/ nunca tendría que ver el día otra vez"); curiosamente se trata de una las piezas más versionadas del repertorio de VU. El disco fue producido por la propia banda y lanzado originalmente en 2 versiones diferentes, la Norteamericana mezclada por el propio Lou Reed (la ‘closet mix’) y la Europea mezclada por el ingeniero de los TTG studios de Hollywood Val Valentin (la ‘Valentin mix’); ambas difieren básicamente en las partes vocales (ubicadas más en segundo plano en la closet mix), las percusiones (desplazadas hacia un sólo canal en la anterior pero centradas en la Valentin mix) más otras diferencias puntuales en ‘What Goes On’, ‘Some Kinda Love’, ‘Jesus’ y ‘The Murder Mystery’ (todas las ediciones en CD usan la Valentin mix, la closet mix sólo está disponible en la caja quíntuple "Peel Slowly & See”). Edición remasterizada en 1.996 sin libreto ni bonus tracks como el anterior.
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Fecha: 10-Sep-2010
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 En Septiembre de 1.967 Velvet Underground se metió de nuevo en los estudios para grabar su segundo album con Tom Wilson como productor formal. La banda estaba harta de ser considerada como un apéndice en los espectáculos de Andy Warhol, además que su papel en la producción musical era puramente simbólico así que un día le comunicaron su decisión de seguir adelante solos. Quizá por retaliación Warhol se llevó a Nico con él bajo la promesa de un contrato para grabar como solista y de un papel en su película Chelsea Girl (como en efecto ocurrió); si bien Nico no era pieza fundamental del entramado Velvet su partida condicionó la dirección musical de la banda, dejando de lado las suaves melodías en favor de un sonido aún más caótico con John Cale volcado de lleno en la utilización del "ruido blanco” como un instrumento más, no en vano muchos consideran a White Light/White Heat como el primer album "Punk” en la historia del Rock. La crudeza que caracterizó a la mayoría de las piezas del album debut aquí es llevada a extremos que rozan la saturación, con las guitarras de Lou Reed y Sterling Morrison exprimiendo el fuzz y la distorsión hasta la última gota, Mo Tucker marcando ritmos obsesivos e hipnóticos y John Cale que pareciera golpear la viola eléctrica y el órgano en lugar de tocarlos. rememorando las sesiones, Sterling comentó que los ingenieros de sonido vivían en constante zozobra al notar con nerviosismo como los controles de la cónsola de grabación estaban permanentemente en rojo con el consiguiente riesgo de que los equipos se dañaran. Las letras son morbosas e inquietantes, llenas de perversión, ironía y humor negro. En ‘The Gift’ por ejemplo, Cale narra la historia de Waldo, un chico de New York que se enamora perdidamente de una joven de paso por la ciudad llamada Marsha, y ambos viven un breve pero apasionado romance; cuando Marsha regresa a Wisconsin Waldo entra en una profunda depresión y decide buscarla pero de una manera bastante inusual, metiéndose en un caja de madera y enviándola por correo con comida suficiente y orificios para respirar; Marsha recibe el regalo pero al no poder abrir la caja con las herramientas de la cocina busca una sierra eléctrica de su padre y sin saberlo atraviesa de un sólo tajo el cráneo de Waldo para luego descubrir el macabro contenido (hermosa historia, ¿no creen?). En la mezcla stereo la historia y la música ocupan canales separados pudiendo pasar de uno a otro según la preferencia del que escucha. ‘Lady Godiva´s Operation’ cantada por Sterling describe una lobotomía (cirugía cerebral) creando una atmósfera casi sedativa. ‘Here She Comes Now’ con su cadencia oriental es el único tema que rompe con el frenesí sónico del resto del album. Los 2 temas que abren cada cara del disco, la pieza homónima y ‘I Heard Her Call My Name’ pasan ante los oídos como un ciclón de decibelios con las armonías vocales creando un raro contraste (si en ‘Heroin’ se decribían los efectos de la heroína en ‘White Light/White Heat’ Lou hacía lo propio con las anfetaminas). Sin embargo casi todo el peso específico recae sobre la pieza que cierra el disco ‘Sister Ray’, 17 minutos y medio absolutamente demenciales con largas secciones totalmente improvisadas y Lou Reed contando una sórdida historia que se desarrolla en un burdel con travestis y felaciones incluidas; los solos de guitarra y órgano tienen un curioso paralelismo con los de ‘Light My Fire’ de The Doors aunque aquí suenen como una planta de ensamblaje en serie con planchas de acero chocando entre sí, chorros de vapor y chirriantes engranajes. El album se lanzó a finales de Enero de 1.968 sin ningún single de apoyo (dudo que alguna radio se atreviera a pasarlo) y ocupó durante casi 2 semanas el puesto 199 en el top 200 de Billboard. La escasa aceptación y la indiferencia de la prensa hizo que la desilusión cundiera entre los músicos, y tras unas abortadas sesiones en las que Reed quiso cambiar la dirección de VU grabando temas más convencionales, Cale tomó la decisión de dejar la banda e iniciar su propia carrera. Como a menudo ocurre con esta clase de obras White Light/White Heat adquirió con los años un status legendario y es sin duda una de las obras cumbre del Rock de los 60, además de una continua fuente de inspiración durante las décadas posteriores. Edición remasterizada en 1.996 desafortunadamente sin libreto ni bonus tracks pero con muy buen sonido… dentro de lo cabe, por supuesto!.
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Fecha: 08-Sep-2010
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The Velvet Underground & Nico es un caso atípico e inédito en los anales de la música; jamás, ni antes ni después, un album que había vendido tan poco en su momento se revelaría a la postre como uno de los discos más influyentes en la historia del Rock. Parafraseando un comentario que se le atribuye a Brian Eno, el primer album de VU sólo vendió 1,000 copias pero cada uno de quienes lo compraron formó a su vez una banda. El prestigio artístico de su mentor Andy Warhol les garantizó cierta atención de la prensa y un contrato discográfico con Verve (subsidiaria de MGM); el album debutó en el puesto 190 del Top 200 de la revista Billboard pero a la semana siguiente ya había desaparecido. El mecenazgo de Warhol resultó un arma de doble filo pues mientras los (pocos) admiradores de Velvet Underground los consideraban "el grupo de Andy” sus detractores los catalogaban como un simple toque de extravagancia en el Exploding Plastic Inevitable. Su música nadaba completamente contracorriente y contradecía el espíritu de la época, su sonido era un asalto eléctrico a los sentidos tocando a volúmenes desorbitantes usando el feedback de los amplificadores y las disonancias de las guitarras y el bajo como un elemento más, con la obsesiva y minimalista percusión de Mo Tucker y el lamento agónico de la viola de Cale; y en cuanto a las letras Lou Reed se ganó inmediatamente su lugar en el olimpo de los grandes autores del Rock And Roll cantándole con crudeza al nihilismo, la decadencia y el derrumbe moral del hombre moderno: ‘I´m Waiting For My Man’, ‘Run Run Run’ y ‘Heroin’ son 3 historias pesadillescas que retratan el mundo de las drogas duras; la primera estrofa de ‘I´m Waiting For My Man’ es sumamente reveladora al respecto ("estoy esperando a mi hombre con 26 Dólares en mi mano/ arriba en Lexington 125/ enfermo y sucio, más muerto que vivo/ estoy esperando a mi hombre”). ‘Venus In Furs’ está inspirada en el libro homónimo de Leopold Von Sacher-Masoch (de cuyo apellido se acuñó el término masoquismo) y es una de las piezas más sinuosamente perversas jamás hechas. Nico cantó 3 piezas compuestas especialmente para ella entre las que destaca la inquietante ‘All Tomorrow´s Parties’ que en su voz suena como el eco proveniente de una tumba profanada. ‘The Black Angel´s Death Song’ y sobre todo ‘European Son’ parecían música de fondo en una sesión de electroshock… incluso las piezas que hubiesen podido pasar como convencionales o "Pop” (‘Sunday Morning’, ‘Femme Fatale’, ‘There She Goes Again’, ‘I´ll Be Your Mirror’) estaban envueltas en una densa niebla de morbosidad. Si bien Andy Warhol recibió el crédito como "productor” del album era obvio que él para nada participó en el proceso musical; fueron los mismos Velvets con la ayuda de Tom Wilson (ex productor de Miles Davis, Bob Dylan y Simon & Garfunkel) quienes dirigieron las sesiones de grabación. El primer CD de esta Deluxe Edition contiene un nuevo remaster del album en stereo más 5 temas del primer trabajo solista de Nico "Chelsea Girl”; Estos temas se grabaron inicialmente pensando en el segundo album de Velvet, pero tras la partida de Nico ella reutilizó las piezas agregándole overdubs orquestales. El segundo CD incluye toda una joya para los fans de VU: la mezcla en mono del album por años descatalogada y que fue la manera como la banda concibió el disco, de hecho, el sonido monofónico le dá a las piezas un caracter más claustrofóbico, más cercano a la estética caótica y esquizofrénica del sonido Velvet. Como bonus agregué también la primera edición remasterizada de 1986 en la que por error se incluyó una alternate mix de ‘All Tomorrow´s Parties’ con la voz de Nico sin double-tracking que la convierte en toda una pieza de colección.
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Fecha: 06-Sep-2010
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 The Velvet Undergound fue el grupo maldito por excelencia, una falla en el tejido del movimiento Hippie, una banda que tuvo que morir para descubrir su grandeza. Nacidos en esa Babilonia moderna llamada New York, fueron la suma de 5 personalidades musicales de lo más dispares: Lou Reed, un chico neurótico cuyas composiciones hablaban de caos, muerte, nihilismo, sexo, perversión y drogas; John Cale, tránsfuga de la música de vanguardia y ejecutante de la viola eléctrica cuando aún muchos no habían asimilado completamente las guitarras; Maureen "Mo” Tucker, una chica que trasladó a la batería su interés por las percusiones y los ritmos tribales; Sterling Morrison, el multi-instrumentista que hacía de pegamento amalgamando los 3 elementos anteriores. Y como guinda la bella Nico, un objeto decorativo impuesto a la banda por su mecenas Andy Warhol pero cuya voz mortuoria le daba su justa dimensión a 3 de las canciones más emblemáticas del primer album de VU. Fueron la antítesis en música y letra del movimiento Pop y de la contracultura, sus discos parecían más bien sesiones de afinamiento con chirridos, distorsiones y feedback sonando por doquier, y sus canciones las menos indicadas para animar una fiesta. Los antecedentes de Velvet se remontan a 1.964 cuando Lou Reed Y John Cale se conocieron, Reed había militado como guitarrista/cantante en algunas bandas de garage sin embargo su ambición era escribir canciones para otros artistas siguiendo el ejemplo de su ídolo Bob Dylan; Cale acababa de llegar de Gran Bretaña donde fue un niño prodigio de la música clásica que poco a poco se introdujo en los pantanosos terrenos de la vanguardia; su interés por el estudio de la atonalidad y el ruido aplicados a la música lo llevó paradójicamente a interesarse en el Rock & Roll y cuando escuchó tocar a Lou (quien afinaba su guitarra de modo anticonvencional para aumentar el feedback y producir disonancias) le propuso formar una banda. El primer núcleo de VU lo integraron Reed, Cale, Sterling Morrison (ex compañero de colegio de Lou que tocaba guitarra, bajo y teclados) y un percusionista Escocés llamado Angus McLise. Este último personaje, si bien no se le nombra casi en las biografías, fue determinante en la formación del sonido Velvet: vivió varios años en La India y aplicó a la música de VU todos los conocimientos musicales que allí adquirió. Después de utilizar varios nombres (The Primitives, The Warlocks, Falling Spikes) toman prestado el título de una novela pornográfica de la época escrita por Michael Leigh con el que a la postre pasarían a la historia. Cuando tras varios ensayos y algunas demos consiguieron su primer recital con paga, McLise dejó el grupo; él era un artista puro y consideró que cobrar era venderse así que se marchó. Su puesto fue tomado por "Mo” Tucker, hermana de un amigo de Sterling que tocaba la batería de una manera extraña con el bombo acostado sobre el suelo, alternando las baquetas con mazos de madera y prescindiendo casi totalmente de los platillos. En 1966 al artista plástico y padre del movimiento Pop Andy Warhol los escucha tocar y los invita a aportar su música a "The Exploding Plastic Inevitable”, un espectáculo ambulante multimedia que combinaba filmaciones, juegos de luces y performances escénicas. Warhol les impone la presencia de una de sus protegidas, una actriz y modelo Alemana llamada Nico para alternar como cantante y aunque su incorporación parecía supérflua, su imagen y su voz fueron un brillante contrapunto al caos sonoro de los demás. Lamentablemente Velvet Underground estaban demasiado adelantados a su tiempo, el movimiento juvenil mundial flotaba sobre nubes de marihuana bajo la consigna del "peace & love” y la ingenua esperanza de construir una sociedad alternativa; su sonido eléctrico, vanguardista y excitante fue unánimemente rechazado e ignorado. Sólo gracias al éxito de Lou Reed como solista en los 70 la música de VU fue descubierta por los fans que obsesivamente se dedicaron a escarbar el pasado de aquel. De repente todo el mundo empezó a hablar y disertar de sobre su música, creándoles un status legendario post-mortem y elevándolos al olimpo del Rock con calificativos como pioneros del sonido urbano, padrinos del Punk y padres espirituales del Art Rock… pero el colmo de la ironía fue que mientras el mundo se volvía loco desenterrando el legado Velvet, la banda seguía activa con una nueva formación a la que nadie hizo el más mínimo caso… sin duda una cruel manera de pasar a la historia.
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Fecha: 04-Sep-2010
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El doble LP "Absolutely Live” fue el único album en vivo de The Doors editado durante la carrera del grupo y constituyó por años la única referencia oficial a lo que fue un recital de la banda. Aquel viejo doble LP fue seleccionado entre varios conciertos tenidos en diferentes ciudades Americanas (Nueva York, Los Angeles, Detroit, Boston, Philadelphia, Pittsburgh) entre 1968 y 1970. A partir del nuevo milenio los 3 miembros restantes de The Doors con el apoyo de su fiel ingeniero de sonido Bruce Botnick han ido publicando los conciertos completos que sirvieron de base al lanzamiento original, y tras la aparición de los conciertos de Nueva York (incluido en el boxset de 1997), Boston y Detroit, le tocó el turno al recital de Pittsburgh en Marzo del 2008 (el recital de Philadelphia también se lanzó poco antes de este). Dicho concierto fue grabado en el Civic Arena de esa ciudad en Mayo de 1970 durante el que sería el último tour de la banda. A pesar que tenían prácticamente sus días contados tras el legendario y bochornoso episodio de Miami en 1969, los conflictos con promotores que de la noche a la mañana decidieron desligarse de ellos y no organizar más sus conciertos y dado el progresivo desgaste de la voz de Jim y su deseo de desaparecer por un tiempo, The Doors seguían siendo grandes sobre el escenario; mágicos, brillantes, potentes, orgiásticos y sobre todo una maravillosa entidad colectiva aún cuando el foco de la atención pública estuviese siempre sobre la figura de el rey lagarto. Este recital es prueba clara de ello, un repertorio excelente con los temas más esperados pero también con varias sorpresas como las inéditas ‘Universal Mind’ y ‘Someday Soon’ (inéditas en disco pero habituales en sus recitales), la estupenda jam construida alrededor del clásico Rockabilly de los 50 ‘Mystery Train’ (aquí desglosado en 3 piezas diferentes) o la siempre imprevisible ‘When The Music´s Over’; la manera como Morrison se "sale” del libreto conduciendo la pieza hacia otros territorios (formados por retazos de otros temas) y la forma como el resto de la banda lo sigue casi telepáticamente sin perder el compás un solo segundo es la demostración inequívoca de la fuerza casi sobrenatural que los unía como banda. Mención especial también a una ‘Light My Fire’ de 10 minutos más cálidal que nunca y que cierra el CD con Ray, Robbie y John explorando con sus instrumentos hasta el más oculto de los rinconces de esta pieza en su afán por darle un toque siempre diferente. En fin, un excelente documento de lo que fueron los últimos conciertos masivos de The Doors en el tope de su creatividad y de su fuerza escénica. Este CD lo tenía bajado de un torrent en Flac, hace poco lo ví en una tienda y no pude evitar comprarlo, y es que cuando un artista te interesa realmente no hay nada que pueda suplantar el placer de tener sus discos originales, por eso considero que la polémica esa sobre la "piratería ” es absolutamente ridícula pues los fans nunca dejarán de pagar por la música de sus ídolos. El rip es mío pero a fin de no forzar inútilmente el frágil digipack he optado por conservar los scans del post que bajé originalmente.
Categoría: 60's |
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Fecha: 14-Ago-2010
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Tras el éxito de la película sobre The Doors dirigida por Oliver Stone y su inducción en el Rock And Roll Hall Of Fame se desató un renovado interés por la música del cuarteto de Los Angeles, traducido en varias rediciones del catálogo original, cajas y sobre todo bastante material en vivo donde la música Doorsiana se convertía en una experiencia casi religiosa entre lo místico y lo visceral. Antes de esa implosión la magia de sus recitales quedó documentada en 3 albumes: "Absolutely Live” (1970), para muchos el documento definitivo de un concierto de The Doors y único lanzado con la banda original activa; "Alive She Cried” (1982) con algunas piezas clásicas que no entraron en el anterior y "Live At The Hollywood Bowl” (1987), que también fue el primero en la era del compact disc. The Doors In Concert lanzado por Elektra en 1991 fue el disco que inauguró la avalancha de lanzamientos en directo de la banda con un más que exhaustivo repaso al material anterior. El primer CD contiene el viejo "Absolutely Live” en su totalidad salvo por el tema ‘Close To You’ que por cuestiones de espacio se colocó en el segundo CD. Este segundo disco incluye "Alive She Cried” en su totalidad, más la versión en vivo de ‘Roadhouse Blues’ originalmente editada en "An American Prayer” (el album de poemas de Jim Morrison), ‘Unknown Soldier’ del disco en el Hollywood Bowl y una estupenda versión inédita de ‘The End’, es decir, material lo suficientemente representativo para considerar esta como "la colección" de The Doors sobre el escenario. De "Absolutely Live” se ha hablado y escrito en cantidad, especialmente por las geniales y épicas interpretaciones de ‘When The Music´s Over’ y ‘The Celebration Of The Lizard’, pero es poco lo que se sabe de "Alive She Cried” pues jamás fue lanzado en compacto. Toda una agradable sorpresa para los fans son la versión Jazzy de ‘Texas Radio & The Big Beat’, la magnífica ‘Moonlight Drive’ con el recitado de ‘Horse Latitudes’ intercalado y una sensual ‘Light My Fire’ con estupendos solos de Ray y Robbie y un poema improvisado por Jim. Esta joya también fue descatalogada y sustituída por la primera edición en CD de "Absolutely Live” así que los invito a no perderse esta fabulosa colección.
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Fecha: 13-Ago-2010
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Quinta entrega de las nuevas mezclas conmemorativas de los albumes originales de The Doors. Después de las feroces críticas recibidas por The Soft Parade, en Morrison Hotel la banda vuelve a las fuentes de los 2 primeros discos pero con sonido más sólido que de costumbre, más cercano a la fuerza de sus recitales. El sólo título sugiere que es Jim Morrison quien lleva de nuevo el control de las composiciones; por primera vez en un album del cuarteto todas las letras son suyas y esto hace que su personalidad aflore más que en anteriores trabajos. Además por segunda vez The Doors se sirven de un bajista para todo el album (Ray Neopolitan excepto en 2 temas) lo que se traduce en esa solidez de la que hablaba al comienzo. Morrison Hotel está dividido en 2 bloques de canciones (el primero llamado "Hard Rock Café” y el segundo "Morrison Hotel”) sin embargo no se aprecia separación temática alguna. El album se abre y se cierra con 2 de las piezas más duras y vibrantes de su repertorio, ‘Roadhouse Blues’ (que pasaría inmediatamente a ser uno de sus grandes clasicos en vivo) y ‘Maggie M´Gill’, piezas marcadas por esa áspera espontaneidad de carretera típicamente Americana (Lonnie Mack toca el bajo en ambas). ‘Waiting For The Sun’, ‘Ship Of Fools’, ‘The Spy’, ‘Queen Of The Highway’ e ‘Indian Summer’ muestran todas las facetas de la poesía Morrisoniana en una comunión música/letras fascinante, para muchos estas son algunas de las mejores letras jamás escritas por Jim. No obstante The Doors no es la banda de acompañamiento de Jim pues es en la simbiosis de su multifacético talento con la enorme capacidad creativa de Ray, Robbie y John donde radica la grandeza de su música: ‘Land Ho!’, por ejemplo, desborda de una inusutada alegría con su andar casi marcial; el abrupto corte a la mitad del tema y la cabalgata de la banda al grito de Jim es un momento sencillamente sublime que refleja esa comunión a la que hacía referencia. La avasallante ‘You Make Me Real’, el Funk de ‘Peace Frog’ y la parodia a Sinatra en ‘Blue Sunday’ completan un disco perfecto, una de las grandes obras de The Doors en mi humilde opinión. Esta edición contiene la mayor cantidad de bonus tracks (10 en total) brillantemente enlazados en una secuencia que sugiere el transcurrir de una sesión de grabaciones. Estupenda la versión Jazzística de ‘Queen Of The Highway’.
Categoría: 60's |
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Fecha: 11-Ago-2010
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Cuarta entrega de las nuevas mezclas de los discos originales de The Doors editadas en conmemoración del 40 aniversario del conjunto, siendo el turno del más polémico y criticado de sus trabajos. Muchos culpan del fracaso de The Soft Parade a los arreglos orquestales, lo cual a mi juicio no es del todo cierto. Si bien las secciones de vientos y cuerdas le hacen un mal favor a la música de The Doors, aquí la verdadera falla estuvo en la calidad del material, por debajo de sus estándares habituales. Hay que recordar que los 3 primeros discos se alimentaron básicamente de la enorme reserva que ellos tenían acumulada desde 1965, y para The Soft Parade tuvieron que escribir material 100% nuevo por primera vez. Las sesiones se desenvolvieron en uno de los períodos más turbulentos de la banda, con los recitales convertidos en un auténtico caos, con Morrison metido en toda clase de problemas y en general con los 4 músicos pagando las consecuencias de los excesos que la fama conlleva. Ante la falta de concentración de Morrison, Robbie Krieger tomó el control compositivo y la verdad que sus canciones aquí incluidas no llegan ni de lejos al nivel de sus aportes pasados (‘Light My Fire’, ‘Take It As It Comes’, ‘Love Me Two Times’, ‘Spanish Caravan’). No obstante el disco contiene 4 temas para la posteridad: ‘Shaman´s Blues’ con los 4 Doors trabajando muy bien sobre un elegante ritmo de corte Jazzístico; En ‘Wild Child’ la banda descarga todo el peso de su clásico sonido en una de las más brillantes letanías de Jim; la hermosa y apacible ‘Wishful Sinful’ es la única pieza que se beneficia de la orquesta y también la única composición de Robbie realmente notable; la épica ‘The Soft Parade’ es una mini-suite en 5 partes donde Jim expresa (o desahoga) la frustración artística que comenzaba a corroerlo producto del encasillamiento al cual se sentía sometido por los mass-media y que a su juicio propagaba más la imagen del escandaloso sex-symbol que del artista multifacético. Las nuevas mezclas le dán una dimensión más cálida a los temas "menos buenos”, lo que redunda en una percepción más agradable del disco en su conjunto, sin embargo me hubiese gustado saber como habría sonado ‘Touch Me’ sin orquesta, de hecho esa era mi esperanza secreta cuando leí por primera vez que estos albumes iban a ser remezclados. 6 bonus tracks, de los cuales la cara b ‘Who Scared You?’ habría quedado muy bien en el album original en sustitución de la sosa ‘Tell All The People’ o de las ridículas ‘Easy Ride’ y ‘Runnin´ Blue’.
Categoría: 60's |
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Agregado por: Aldoux |
Fecha: 10-Ago-2010
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